¿Cuáles son las categorías de producción de animación?
2. Animación flash bidimensional La animación flash es básicamente bidimensional y se produce utilizando tecnología informática y software flash. La operación es relativamente simple, el costo de producción es relativamente bajo y el archivo es pequeño y fácil de difundir. Con el continuo desarrollo de la tecnología de producción, la animación FLASH 2D se puede ver en todas partes de nuestras vidas.
3. Producción de animación tridimensional La producción de animación tridimensional se ha utilizado cada vez más en los últimos años. Utiliza principalmente tecnología de simulación tridimensional para simular, brindando a las personas una experiencia visual real y vívida. La producción de animación tridimensional es más común en éxitos de taquilla de cine y televisión como "Transformers" y "Spider-Man". Además, con el desarrollo de la era de la información, también se ha aplicado al campo de la publicidad, como los tres. La animación tridimensional del diseño de calzado Nike y la maquinaria médica producida por Yihu Animation, la animación de simulación, la animación tridimensional arquitectónica del templo Tangshan Longquan, etc., han ejercido el encanto de la producción de animación tridimensional.
4. Animación stop-motion La producción de animación stop-motion no es común entre los tipos de animación. Utiliza títeres de arcilla, títeres o materiales mixtos como personajes principales. Se trata de descomponer los movimientos del personaje, ponerlos en poses continuas y registrarlos mediante disparos cuadro a cuadro. De esta manera, se forma una imagen continua durante la reproducción. Las animaciones stop-motion más famosas incluyen "Ma Liang", "The Story of Afanti" y "Chicken Run".
Proceso de producción de animación 1. Diseño de personajes Al adaptar la caricatura original a una caricatura, debido a que los personajes y el vestuario ya están finalizados, no es necesario agregar más diseños. Pero, ¿por qué cada animación original tiene que estar marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? En primer lugar, los cómics son obras estáticas. Debido a que el número de fotogramas es pequeño, las líneas de los personajes pueden ser más complicadas para realzar la belleza y la impresión de la obra. Sin embargo, en la animación, si las líneas de los personajes originales son fieles a los personajes originales, el tiempo de dibujo se extenderá, el tiempo de producción se extenderá y el costo aumentará, por lo que las líneas de los personajes originales deben simplificarse. . En segundo lugar, no es necesario colorear los personajes de cómic, por lo que no es necesario conectar cada línea. Pero la animación requiere coloración, por lo que se deben modificar los personajes originales y conectar todas las líneas para que el colorista pueda colorear. En tercer lugar, algunas de las formas originales de los personajes de cómic no son adecuadas para la animación. Por lo tanto, por motivos de eficiencia de producción, coloración, modelado de animación, etc., la animación original debe contratar un diseñador de personajes de animación independiente.
2. Diseño de fondos Desde los inicios de los cómics en blanco y negro, ha habido diseñadores de fondos profesionales. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar "bien, rápido y bellamente". El tiempo de producción de la animación es limitado y no hay mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los populares diseñadores de fondos de arte profesionales dibujan muy rápido y pueden hacer frente a plazos de entrega ajustados.
Después de completar todos los diseños mecánicos y de personajes, el director y el estilista deben trabajar con el colorista*** para finalizar el color del personaje. El diseño de color debe coincidir con el tono de toda la producción (el fondo y la personalidad de la producción) para diseñar los colores de los personajes. Una vez finalizado el color, el diseñador de color especificará el color con más detalle.
Hace años, antes de colorear por computadora, la gente usaba bolígrafos de acuarela para crear diseños de color sobre papel blanco. Los colores de la mayoría de las acuarelas no los mezcla la propia empresa productora, sino que se diseñan en función de tarjetas de colores y combinaciones de colores ya preparadas proporcionadas por la empresa de pintura. La razón para no mezclar colores usted mismo es muy simple, porque una vez completado el diseño del color, el colorista tiene que colorear. Si mezcla los colores usted mismo, le resultará difícil mezclar el mismo color. Por supuesto, si las necesidades y los fondos del director lo permiten, la productora también puede pedirle a la empresa de pintura que prepare los colores necesarios, luego los embotelle y los distribuya a los coloristas.
Debido a que la empresa de pintura especificaba el color antes del proceso de diseño del color, durante muchos años el diseñador del color también era quien especificaba el color. Y muchos colores animados tienen el mismo aspecto.
El diseño de color de animación y las especificaciones de color se completan a través del software. El software utilizado varía de una empresa a otra (el software de animación más popular en Japón es animo y RETAS!PRO), pero siempre que el software pueda manejar imágenes, se puede realizar un diseño de color. Es importante tener en cuenta que cada software maneja el color de manera diferente, por lo que al entregarlo al colorista, se debe especificar el mismo software para la gradación de color. La digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de color permiten una gama cada vez mayor de configuraciones de color y crean colores más sutiles y diversos.
Los diseñadores de color y los diseñadores de color comienzan como coloristas básicos. Después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones individuales), se les asciende a diseñador de color o diseñador de color. La mayor diferencia entre un diseñador de color y un diseñador de color es que un diseñador de color solo necesita establecer colores básicos (colores bajo la luz solar normal). El colorista debe trabajar con el ayudante de dirección para fijar en detalle los colores necesarios en otras condiciones de iluminación y para cada episodio (anochecer, noche, luz especial...). El coordinador de color también trabaja con el asistente de dirección para determinar los colores necesarios para cada episodio (crepúsculo, noche...). Como diseñador de color de animación y diseñador de color, es necesario dominar el conocimiento del procesamiento de imágenes en color. Debido a que la calidad del color de cada cámara es diferente, si no comprende el diseño y el diseño, los colores de la pantalla del televisor serán muy diferentes de los colores de la pantalla de la computadora y el encanto del trabajo se reducirá considerablemente. Por lo tanto, un colorista básico tarda de uno a dos años en familiarizarse con el proceso operativo real antes de ser ascendido a colorista y diseñador de color.
3. El marcador es sólo un "guión presentado como una imagen". El tiempo necesario para dibujar una escena varía según el programa de producción. Una caricatura de 26 minutos tarda un promedio de 3 semanas en completarse. El personaje no tiene que estar dibujado correctamente, siempre y cuando el personal pueda entenderlo más adelante. Sin embargo, el animador debe practicar el papel con anticipación y comprender las características de cada obra, para que el animador original pueda dibujar correctamente las tomas de cada episodio requeridas por el asistente de dirección en función del guión gráfico.
No es raro que el artista del guión gráfico y el asistente de dirección sean la misma persona. La razón es sencilla. Porque normalmente, la persona que dibuja los guiones gráficos conoce mejor el efecto de cada toma y también sabe mejor cómo resaltar el encanto de la obra a través del doblaje. Es por eso que la mayoría de los artistas de guiones gráficos también actúan como asistentes de dirección.
El ayudante de dirección básicamente comparte el trabajo del director. Ya sea una serie OVA con un pequeño número de episodios o una serie de animación de televisión con 26 episodios, el director no puede manejar todos los detalles de la producción por sí solo. Por tanto, cada serie animada cuenta con un asistente de dirección que gestiona la producción de cada episodio. El director es el principal responsable del importante primer y último episodio. El trabajo del asistente de dirección es esencialmente el mismo que el del director, excepto que él o ella no es responsable del guión de preproducción, el diseño y la publicidad de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la producción, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, las tomas dibujadas por el asistente de dirección deben ser aprobadas por el director antes de que puedan ser entregadas oficialmente al original. animador para producción.
4. Composición Una vez que el guión y todos los diseños de personajes y fondos estén listos, alguien debe reunir todos los materiales para dibujar un guión detallado y ampliado para seguir la acción. La persona que realiza este trabajo es el enmarcador.
Un guión suele ser sólo un boceto, una idea aproximada de lo que va a pasar en la escena. Por ejemplo: al tomar la toma de "Xiao Ming y Jesse parados en el campo de deportes y hablando", el personal de composición debe seguir las instrucciones generales de cada captura de pantalla del cuadro y combinar la tabla de modelado de personajes (ejemplo) y la posición detallada del El fondo, los personajes (Xiao Ming y La relación entre Jesse) y el fondo (lugar deportivo) están ampliados y dibujados. Si la composición no es clara, afectará el efecto de la pintura original. La composición completa y la hoja de diseño de personajes se entregarán al artista original, a quien se le pedirá que comience a dibujar tomas principales más detalladas basadas en la composición.
Los directores de animación existen porque la mayoría de las producciones emplean entre 2 y 4 animadores (más o menos, dependiendo de la producción). Los personajes dibujados por cada artista original pueden diferir según su estilo personal (o nivel de habilidad). El trabajo del director es corregir el estilo de cada artista y unificar el estilo para que se ajuste al diseño del personaje.
Los buenos artistas y directores de arte deben estudiar el metraje de la cámara para asegurarse de que cada fotograma sea correcto.
Las películas pueden requerir que los actores se coloquen en la posición correcta y asuman la pose que desea el director. Pero la animación sólo puede utilizar bolígrafos para dibujar poses y movimientos de personajes ideales. Por lo tanto, un pintor original o director original capaz y calificado también puede dibujar la imagen principal ideal (la postura y el movimiento correctos de los personajes) basándose en los conceptos de fotografía y edición. Muchos artistas y directores experimentados tienen debilidad por el cine y han estudiado cine.
Los artistas y directores de animación a menudo comienzan como animadores básicos. Debido a que es muy importante comprender y familiarizarse con el proceso de producción de animación antes de ser ascendido a animador original, es imposible que un recién llegado comience a trabajar como animador original tan pronto como se une a una empresa de animación. Es imposible que un recién llegado trabaje como animador original tan pronto como se une a una empresa de animación. Siempre que un animador bien calificado trabaje duro, pronto podrá ser ascendido a animador original y luego a director original. Las personas que no están altamente calificadas y no trabajan duro solo pueden ser animadores básicos.
5. El doblaje se divide en tres partes: doblaje de personajes, música y efectos de sonido. La mayor parte de esta parte del trabajo la realizan en las primeras etapas de producción el productor y el director; después de consultar, se designa al director de sonido y el trabajo se asigna al departamento de sonido (como compositores, actores de doblaje, productores de efectos de sonido). para la producción musical. Esta vez, comenzaremos con los actores de doblaje que dan voz a personajes animados (usaremos actores de doblaje en este artículo).
En una producción, los roles los asignan el director, el director de sonido y el patrocinador. Decidir sobre los actores de doblaje y asignar roles no fue una tarea fácil. En el caso de un proyecto original, el director (que también es el productor original) ya ha determinado en su mente la impresión del personaje que creó. Hay muchos actores de doblaje en Japón y es necesario seleccionar el más ideal. de entre los muchos actores de doblaje. No es fácil. Es posible que los lectores ya sepan que los actores de doblaje japoneses tienen cierta influencia en el mercado. Los fanáticos de los actores de doblaje comprarán obras interpretadas por sus actores de doblaje favoritos, por lo que a veces los patrocinadores seleccionarán actores de doblaje.
¿Cómo elegir al actor de doblaje adecuado para una obra? Algunos directores han participado en muchas obras y aman la animación, por lo que entrarán en contacto con muchos actores de doblaje. Por lo tanto, a la hora de elegir un actor de doblaje, es posible que ya tengan en mente a un actor de doblaje determinado para su producción. Si el director no tiene una idea, le pedirá su opinión al director de doblaje. Esto se debe a que el director de sonido ha estado tratando con actores de doblaje durante todo el año y sabe mejor que el director qué actor de doblaje es adecuado para cada tipo de papel. En otros casos, cuando una productora presenta una nueva producción, informa a los actores de doblaje de sus elecciones y luego se reúne con el director y el supervisor de sonido para decidir.
Una vez tomada la decisión, se asigna el guión al actor de doblaje que interpreta al personaje y se programa la grabación. En la grabación en el estudio intervienen productores, directores de producción, directores, ingenieros de sonido y asistentes de dirección. Debido a su rica experiencia y sus maduras habilidades de actuación, los actores de doblaje senior pueden completar una grabación después de una audición. Por supuesto, una línea (especialmente la risa o el llanto) se puede expresar en diferentes tonos. El director le indicará al actor de doblaje que interprete las líneas de diferentes maneras y luego seleccionará las partes más apropiadas para usar. Esto no quiere decir que los actores de doblaje no sean buenos, sino que son muy fuertes y pueden interpretar sus líneas de varias maneras para que el director elija. Es lógico que si las habilidades de actuación del actor de doblaje no son lo suficientemente maduras, pueden ser necesarias varias audiciones para lograr el efecto que desea el director. Un mal actor de doblaje no frena a otros actores de doblaje cuando graba un solo personaje (sólo el director tiene que esperar pacientemente hasta que el mal actor diga las líneas correctas). Pero al grabar escenas grupales, los actores de doblaje con malas habilidades de actuación sufrirán desgracias. Fue un poco incómodo porque los actores de doblaje que estaban grabando con todos serían enviados a casa después de una o dos grabaciones, pero siguieron recibiendo NG y terminaron grabando escenas solos. Los horarios de inicio de la grabación varían según la disponibilidad, generalmente a partir de las 10 a. m., pero a veces a las 4 p. m. o 6 p. m. El tiempo que lleva depende de la longitud de las líneas que el actor de doblaje tiene que grabar ese día, de cuántas personas se graban y de la madurez de sus habilidades de actuación. A veces sólo toma 30 minutos, otras veces se prolonga durante horas y hasta la noche.
6. Síntesis de efectos de sonido Además de las excelentes habilidades de actuación de los actores de doblaje de personajes animados, los efectos de sonido y el tema musical también son otro factor clave para atraer a la gente a mirar.
La música es producida principalmente por compositores y letristas profesionales. La escala de la producción depende del presupuesto, desde tan grandes como músicos y orquestas famosos que tocan el tema hasta tan pequeñas como una persona mezclando la música en una computadora. Los compositores y letristas no sólo hacen música de anime, sino que a menudo provienen de otros orígenes musicales y también hacen música de anime.
Para comprender la visión del mundo del productor original, el productor musical debe reunirse con el director de antemano para comprender el sentimiento que desea. Luego de la reunión, comenzó la producción del DEMO. Antes de esto, las demos se entregaban a los directores en forma de cintas de casete, principalmente en formato MD o CD. Después de escuchar las demos, el director se reunía con el compositor y el letrista para modificar la dirección de la producción musical. Otro ingreso importante de la animación son las ventas de CD de sonido originales. Por ejemplo, pedir a cantantes pop populares que canten temas musicales puede atraer fanáticos que formen grupos de chicas para trabajos de animación a gran escala y puedan impulsar las ventas de diversas actividades promocionales. cantar puede atraer fans a un cierto número de clientes... y así sucesivamente. Hay muchos factores de ventas que ejercen presión sobre la producción de música anime.
En cuanto a los efectos de sonido, supongamos que una historia animada tiene lugar en verano. No hay ningún otro sonido excepto las voces de los personajes animados hablando. Incluso si en la imagen aparecen el sol, la playa o el hielo y la nieve. No hay sonido del agua del mar ni del hielo y la nieve derritiéndose. El sonido reducirá en gran medida la sensación de todo el verano. El orden para crear efectos de sonido es recopilar materiales de sonido-->editar-->mezclar-->grabar-->confirmar-->guardar el material. Los efectos de sonido se dividen en tres tipos
(1) Efectos de sonido artificiales: efectos de sonido originales que deben ser creados por el propio artista de efectos de sonido, como los sonidos de armas o naves espaciales que no existen en la realidad. .
(2) Sonidos ambientales: los sonidos de diversas escenas alrededor de los personajes, los sonidos de los coches que pasan, las campanas del colegio... y otros ruidos del entorno circundante. Ruido en el entorno circundante.
(3) Sonido: sonido de pasos, sonido de roce de ropa, sonido de cerrar la puerta, sonido de abrir la puerta, en definitiva, los sonidos que producen los movimientos de los personajes.
Dependiendo del efecto deseado, los efectos de sonido artificiales pueden mezclarse a partir de diferentes fuentes o crearse por ingenieros de efectos de sonido utilizando diferentes materiales. En cuanto a los sonidos ambientales u originales, a veces se graban directamente en la calle o en la naturaleza y, a veces, se utilizan CD con material fuente de sonido disponible comercialmente. Diferentes equipos de sonido, niveles de volumen o la percepción diferente de cada persona de varios sonidos cambiarán la atmósfera de cada animación, por lo que el ingeniero de sonido debe ser muy sensible al sonido (cualquier sonido) y hacer un gran esfuerzo para comprender cada equipo de sonido. .
El tema musical se selecciona en las etapas inicial y media de la producción de la animación, por lo que hay mucho tiempo de producción. Sin embargo, el trabajo de composición a menudo se retrasa debido a las necesidades de la producción de animación, lo que hace que el trabajo de composición sea más corto. La composición está a cargo del director, el director de sonido y los técnicos del estudio. De todos los trabajos de animación, algunos directores son los que más disfrutan componiendo. Porque esta es la primera vez que se juntan todas las "partes" de animación realizadas bajo la dirección del director. El proceso de "composición" varía en duración, desde una versión teatral dividida en muchos segmentos hasta una OVA o versión televisiva más corta de 26 minutos, y normalmente se puede completar en un día. La fuente de sonido a veces es diferente de los requisitos del director o del video, como el sonido de la lluvia, lluvia intensa, lluvia ligera, lluvia intensa, llovizna, por lo que debemos comunicarnos con el director y los efectos de sonido con anticipación para que los efectos de sonido puedan ser producido al mismo tiempo. Especialmente en el caso de las series de televisión, el tiempo de producción es relativamente ajustado, por lo que al organizar el cronograma de producción, es muy importante darle al personal de postproducción suficiente tiempo para revisarlo.
La mayoría de los compositores e ingenieros de sonido que trabajan en la música de animación no comenzaron en la industria de la animación, sino que vinieron de otras industrias musicales. La cuestión de cómo ingresar a la industria de la música es algo pertinente para esta columna de anime, por lo que no la abordaremos aquí. Sin embargo, una afición musical y tocar un instrumento son fundamentales. Debido a la diversidad de tramas del anime, los músicos que hacen música de anime necesitan comprender todo tipo de música para poder crear la música ideal.
7. Proyección de prueba Después de producir la síntesis de audio y video de la versión cinematográfica de la animación, primero se debe realizar una proyección de prueba en los estudios de audio y video de varias productoras de cine y televisión. El motivo para realizar proyecciones de prueba no es solo probar los errores operativos finales en la pantalla grande, sino también invitar a profesionales relevantes de la industria a ver la película para su promoción. Después de la primera proyección de prueba, si hay algo insatisfactorio, la película se devolverá al centro de producción para volver a filmarla. De hecho, la mayoría de las nuevas tomas se completan durante la inspección de la película en el centro de producción, y se puede realizar cierto grado de corrección sin retrasar el tiempo de revisión y proyección. Además, ya sea una versión para televisión o una versión cinematográfica de animación, el tiempo es muy escaso y, por lo general, no hay mucho tiempo para volver a grabar antes de enviarlas a estaciones de televisión o cines para su revisión y transmisión. La mayoría de las nuevas tomas importantes se realizaron después de la transmisión televisiva (después del lanzamiento de la película) y antes del lanzamiento del DVD.
Los OVA no se muestran en televisión ni en la pantalla grande, por lo que, siempre que cumplan con la fecha límite de envío, algunos OVA tienen avances con fines promocionales, pero estos avances son más de naturaleza promocional y tienen menos que ver con contenido de censura.
Desde la planificación hasta el lanzamiento, las obras de animación deben ser empaquetadas y comercializadas por empresas de publicidad antes de que puedan ser vistas por el público. Cuando se trata de marketing y promoción, hay algunas cuestiones económicas reales que deben abordarse y, volviendo a los costos de planificación y producción mencionados en las partes uno a tres de este módulo, se necesita mucho dinero para producir una película de 26 minutos. dibujos animados. Cuesta decenas de millones de yenes producir una animación de 26 minutos, mientras que la versión cinematográfica cuesta ocho cifras en yenes. Por lo tanto, ya sea un proyecto de una distribuidora cinematográfica o una productora de animación, en las primeras etapas de financiación de la producción de una versión televisiva o cinematográfica de una animación, sin el apoyo de patrocinadores, es difícil producir una animación. por tu cuenta. La mayoría de los patrocinadores involucrados en el negocio de producción de animación son grandes empresarios familiarizados con la industria de la animación, como editoriales, estaciones de televisión, compañías de cine y televisión y, a veces, el sector financiero. Cuando un proyecto de animación busca patrocinadores para cooperar, es probable que el patrocinador reciba varios derechos y condiciones en el acuerdo. Esto se debe a que, aunque el coste de inversión inicial es enorme, si las ventas son buenas, las ventas de los productos relacionados (ratings de televisión = ingresos por publicidad, DVD, CD, juguetes...) serán mayores. Por supuesto, debido a la alta tasa de retorno, a veces los patrocinadores interesados en proyectos de animación se ofrecen a participar en el proceso de producción. "Comité de Producción" (o "XX Magic Company", "Grupo 00", "## Proyecto...") aparece a menudo en la etiqueta de derechos de autor de las obras animadas ("Comité de Producción" (o "XX Magic Company", ". 00 Group", " ##Plan"..., según el nombre de la obra de animación) es un grupo de sociedades inversoras que financian y poseen los derechos de autor de la obra. Además, algunas emisoras tienen sus propios canales de distribución y algunos no lo hacen, por lo que cooperarán con grandes distribuidores. Es por eso que puede ver la diferencia entre empresa de "distribución" y empresa de "ventas" en el paquete del DVD de animación. El editor es el propietario de los derechos de autor y de venta de la animación. trabajo, y también es el principal financiador y patrocinador del trabajo de animación. La productora, mientras que el distribuidor es el agente general (la empresa que trata con los minoristas).
El grupo inversor tiene poca influencia sobre. la producción real de la caricatura, pero tiene una gran influencia en el proceso de promoción y ventas. Por ejemplo, si uno de los financiadores es una estación de televisión, puede tener un impacto en la decisión de transmitir la caricatura, el formato de la caricatura. , y el contenido de la historia. Esto está relacionado con el tamaño de cada estación de televisión y la audiencia que permiten algunas estaciones de televisión. Hay un cierto nivel de insinuaciones sexuales e intensidad audiovisual en los dibujos animados durante determinadas franjas horarias y en algunas televisiones. Las estaciones tienen estándares más estrictos para sus franjas horarias y algunas estaciones de televisión no transmitirán animaciones dirigidas a fanáticos del anime para adultos, dependiendo de sus estándares. Es una estación de televisión con estándares relativamente flexibles. El anime para fanáticos de la animación para adultos solo se puede transmitir entre 1: De 00 a 3:00 de la noche, pero no entre las 6:00 y las 8:00 de la noche o de 7:00 a 9:00 de la mañana. Además, cada emisora tiene un horario de televisión diferente, por lo que es fácil. adivinar qué emisora transmitirá la caricatura en qué franja horaria, y también es fácil adivinar cuándo se transmitirá la versión teatral en qué sala se estrenará
8. promover la animación, ya sea una obra original o una animación original, una vez que se decide la producción (se recaudan los fondos y se prepara el personal de producción), la compañía de transmisión de cine y televisión, la animación El sitio web de la compañía y todos los chismes relacionados con la animación. Se publican. Este es el primer paso en la publicidad. Si se trata de una versión cinematográfica, las obras de animación que se pueden convertir en largometrajes ya son bastante famosas. Las revistas de animación a veces toman la iniciativa o cooperan con las empresas de radiodifusión para preparar artículos especiales. (como entrevistas con directores, productores, estilistas de personajes o mecánicos, actores de doblaje, etc.) se utilizan para promocionar la película y aumentar el deseo de compra de los espectadores leales. Las series de televisión también se podrán ver a través de diversos medios en las primeras etapas de producción. Para atraer la atención de la audiencia, en medio de la producción, las compañías distribuidoras de cualquier tipo de anime exhibirán carteles (como se muestra arriba) en eventos grandes, harán videos promocionales, invitarán al personal de producción a aparecer en el escenario o pedirán a los grupos de chicas que asistan. En términos de promoción de posproducción, además de los anuncios habituales en televisión y otros medios, los productores suelen vender DVD de vista previa. y productos relacionados con la animación (pegatinas, camisetas, etc.).
La cantidad de fondos afectará inevitablemente la eficacia de la publicidad. Cuantos más fondos, más oportunidades habrá para las apariciones en los medios y mejor será el efecto publicitario. Pero no todas las obras cuentan con grandes sumas de dinero para gastar en promoción. Es raro que una obra de un director de fama mundial se transmita en horario de máxima audiencia como un especial de anime.
9. Hablando de ventas, no se ha emitido ninguna serie de televisión para promocionar los DVD en una década o dos. En los primeros tiempos, los únicos medios para transmitir animación eran la televisión o las salas de cine. No había tantos canales para acceder a la animación como en los "viejos tiempos". Las revistas y la televisión (a las 11 ya es tarde) son los principales medios a través de los cuales los niños pueden ver dibujos animados. Por supuesto, el contenido de los dibujos animados también está sujeto a las correspondientes restricciones. La aparición del VHS en la década de 1980 abrió el mercado para las series OVA y cambió los hábitos de la gente a la hora de ver dibujos animados. En la década de 1980, vender cintas VHS sin transmisiones televisivas era un gran desafío para la publicidad y los vendedores porque no había precedentes, no sabían cómo ponerle precio y no sabían si había mercado para ello. Sin embargo, las animaciones OVA que no estaban limitadas por la escala de la televisión fueron inesperadamente populares. Gracias al VHS, los OVA marcaron el comienzo de un período dorado desde los años 80 hasta mediados de los 90. Además, con la aparición de las grabadoras de vídeo domésticas, la cultura de "esperar la transmisión televisiva" de las estaciones de televisión ha cambiado hacia el hábito audiovisual de "grabar primero y mirar después", y un modelo de ventas de lanzar cintas de vídeo después. ha surgido la transmisión de televisión ha terminado. A medida que cambian los tiempos, los LD que consumen mucho espacio son cosa del pasado y han sido reemplazados por el último medio, el DVD. Durante el período de transición de VHS, LD a DVD, la industria de la animación finalmente se dio cuenta de que el efecto publicitario y de conciencia pública del lanzamiento directo de cintas de video aún no era tan bueno como el de las obras animadas transmitidas por televisión. se lanzará en televisión más tarde para aumentar la popularidad de toda la obra. En lugar de lanzar series OVA primero, la industria está pasando directamente a producir series de televisión y luego lanzarlas en DVD y CD relacionados. Cuando la popularidad de la serie siga creciendo, harán una versión teatral o complementarán la historia con OVA. En cuanto a las redes de banda ancha, la industria está adoptando una actitud de esperar y ver qué pasa debido a la falta de casos exitosos y al impacto negativo causado por muchas descargas ilegales y casos de infracción.
Cuando una animación comparte muchos derechos con diferentes financiadores al comienzo de la producción, las operaciones posteriores de publicidad y ventas a menudo quedan fuera de la jurisdicción o control de la productora de animación. Sin embargo, como se menciona repetidamente en este módulo, una buena animación es el resultado de un buen trabajo en equipo. La división del trabajo en el marketing de posproducción no es sólo una decisión política o económica, también es una decisión basada en consideraciones profesionales.
Después de que el último episodio de una obra se vende en Japón, solo queda a la venta la versión doblada/subtitulada en el extranjero. Debido a la "súper popularidad" de "Pokémon" en todo el mundo, los mercados fuera de Japón han recibido gradualmente la atención de la industria japonesa y sus actitudes hacia los mercados extranjeros también han cambiado. No solo se esfuerzan activamente por proyectos de animación extranjeros, sino que también cambian gradualmente el contenido de la animación para adaptarlo a las necesidades extranjeras. Sin embargo, debido al descuido a largo plazo del potencial de los mercados extranjeros (el contenido se produce enteramente para el mercado japonés) y a los diferentes niveles de madurez de las leyes de derechos de autor en distintos países (la piratería prevalece), sin un grado considerable de protección legal y una falta de comprensión de las condiciones nacionales de cada país, Japón La industria no se atreve a invertir tanto dinero y energía en derechos de autor y producción de animación en el extranjero. De hecho, todo el mundo sabe que la animación japonesa tiene una gran audiencia en otros países asiáticos. Sin embargo, debido al diferente reconocimiento y escala de distribución de las obras de animación formales en diferentes países, la industria todavía está estancada en producir animaciones adecuadas a las condiciones nacionales de Japón. luego requiere familiaridad. El agente responsable de las condiciones nacionales del país es responsable de vender o editar una versión adecuada a las condiciones nacionales del país.