Estilo artístico de Caravaggio
Desde finales del siglo XVI hasta principios del XVII, el realismo fue lo opuesto al arte manierista y al arte académico. La figura representativa más importante de este período fue Caravaggio, quien llevó el arte realista a una nueva etapa e incluso influyó en toda Europa. El arte de Caravaggio está lleno de ideas democráticas distintas. Esto estaba relacionado con el turbulento ambiente social en Italia en ese momento. Aunque Caravaggio es una figura olvidada hace mucho tiempo, no atrajo cada vez más la atención de los historiadores del arte a principios de este siglo. Sin embargo, su arte no sólo permite ver la diversidad y la lucha del arte italiano en el siglo XVII, sino que también muestra su personalidad. Su singularidad ha jugado un papel importante en generaciones posteriores de artistas, incluidos Rembrandt y Velásquez.
Michelangelo da Caravaggio (caravaggio, 1573-1610) nació en Caravaggio y murió en Porto Ercole. Su nombre original era Michelangelo Merisi, y más tarde nació en Name el lugar. Su padre era arquitecto. Se mudó a Milán a los 11 años y comenzó a estudiar pintura. De Milán a Roma en 1590-1592, pasó más tarde a Nápoles, Sicilia y Malta. Pintó algunas pinturas de género y naturalezas muertas en Roma. Una influencia importante en su arte fue la obra de los maestros del Renacimiento italiano. Fue un pintor revolucionario que inicialmente adhirió al realismo. Sus características quedaron establecidas por una serie de pinturas de estilo, las cuales estaban repletas de jóvenes vestidos con ropas extrañas y con un fuerte sentido de decadencia. En el período posterior, su estilo cambió drásticamente, con una alta conciencia moral y pinturas religiosas reemplazando los temas anteriores. Utiliza temas religiosos como forma, pero el contenido no es la Virgen María, el Niño y los santos adorados y alabados por los artistas occidentales, sino gente del campo con profundas arrugas, ropas andrajosas y pies sucios. En términos de realismo psicológico, también intentó entrar directamente en el escenario descrito en la Biblia sin modificaciones.
Las obras de Caravaggio enfatizan el cuerpo humano. Las personas en las pinturas son casi de tamaño natural y generalmente se colocan al frente de la imagen. La dramática postura retraída hacia adelante parece trascender la imagen. La característica más importante del arte de Caravaggio es que representa fielmente la naturaleza independientemente de si la gente piensa que es hermosa o no, por lo que la gente lo llama un pintor "naturalista". Incluso en pinturas que expresan temas religiosos, hizo todo lo posible para hacer lo antiguo. Los personajes del texto parecen más reales y palpables, e incluso los métodos claros y oscuros que utiliza ayudan a lograr este objetivo. Su luz no hace que el cuerpo parezca elegante y suave, pero resalta obstinadamente y fielmente toda la extraña escena.
"La adivina" (Figura 95) es una de las primeras pinturas al óleo de Caravaggio. Este cuadro muestra una escena habitual: la gitana que lee la palma de la mano es una persona de la calle de clase baja. No hay ningún elemento de vergüenza o idealización. La imagen del joven a quien le leen la palma también es directa. modelado por el artista. Dibujado por un amigo. La audaz exploración de la vida por parte de Caravaggio naturalmente despertará el descontento de algunos conservadores. Algunas personas atacan su arte como una representación del "hombre natural rudo" y falta de belleza e idealización. Sin embargo, este es el verdadero valor de su arte. Está abriendo una nueva era para el arte realista. A lo largo de su vida, ha sido un rebelde e innovador, desde la vida hasta el arte.
La vocación del apóstol Mateo (Fig. 96) es un retablo pintado por Caravaggio para la Iglesia de Luigi de Francia en Roma. En la pintura hay dos figuras de tamaño natural. Matthew parece un granjero, como si tuviera dificultades para escribir. Debido a que este personaje fue pintado de una manera muy vulgar y naturalista, despertó un fuerte descontento por parte del encargado. Lo más destacado de la imagen son los dos gruesos pies de Matthew de cara al público. Bellori, un teórico académico que trabajaba para el gobierno en ese momento, dijo: "La imagen de Mateo no tiene la sublimidad de la imagen del santo ni la gracia. Este hombre está sentado allí con los muslos presionando contra las pantorrillas, especialmente sus dos pies torpes. atraer al público”. Sin embargo, la comprensión de Caravaggio de la pintura religiosa es que los vagabundos, los agricultores y los pescadores deben ser introducidos en la iglesia sagrada. Este espíritu era sin duda progresista en aquella época. Aunque el estilo pictórico de Caravaggio fue ridiculizado y rechazado por la escuela académica "oficial", él siguió siendo el mismo y no retrocedió ante las burlas y los ataques.
Nuestra Señora es tan simple como la vida misma. La única cortina ligeramente magnífica del cuadro fue pintada según el deseo del encargado. Pinturas como ésta, que representan directamente la vida pobre, eran raras en la Italia de principios del siglo XVII. Esto también refleja el amor del autor por la clase baja. su estética simple y materialista. El contraste entre la luz y la oscuridad en esta pintura no es tan fuerte como en las pinturas anteriores, pero los personajes y el fondo están envueltos en una suave luz natural, lo que realza el realismo de la imagen. Precisamente por este evidente espíritu innovador, este cuadro fue atacado y difamado más que otras obras, e incluso el encargado se negó a aceptarlo. Rubens elogió mucho el cuadro y convenció al duque de Mantua para que lo comprara para poder conservar esta gran obra.