Red de conocimientos turísticos - Conocimientos sobre calendario chino - ¿Qué software se suele utilizar para modelar personajes de anime? MAYA es un software 3D de alta gama y 3dsmax es un software de gama media que es fácil de aprender y usar, pero sus funciones son muy inferiores a MAYA en términos de algunos requisitos avanzados (como caracteres animación/simulación cinemática). 3dsmax está dirigido principalmente a animación arquitectónica, recorridos arquitectónicos y diseño de interiores. La interfaz de usuario de MAYA también es más amigable que la de 3dsmax. Las aplicaciones de software MAYA se utilizan principalmente en producción de animación, producción de películas, empaquetado de programas de televisión, comerciales de televisión, animación de juegos, etc. La aplicación de software 3dsmax se utiliza principalmente para producción de animación, animación de juegos, renderizado arquitectónico, animación arquitectónica, etc. MAYA tiene un nivel básico más alto, mientras que 3dsmax es más poderoso que MAYA. El nivel básico de MAYA es relativamente alto y 3dsmax es un software 3D popular. Si tienes las condiciones, por supuesto que puedes aprender MAYA. Las funciones CG de Maya son muy completas e incluyen modelado, sistemas de partículas, generación de cabello, creación de plantas, simulación de ropa y más. Se puede decir que cuando los usuarios de 3dsmax están ansiosos por encontrar complementos de terceros, los usuarios de Maya ya pueden trabajar con tranquilidad de antemano. Se puede decir que desde el modelado hasta la animación y la velocidad, Maya es excelente. Maya se desarrolla principalmente para aplicaciones de cine y televisión. Según el proceso de producción real, la producción de una animación cinematográfica y televisiva completa generalmente se puede dividir en tres partes: preproducción, producción de segmentos de animación y post-síntesis. 1. La preproducción se refiere a la planificación y el diseño antes de utilizar las computadoras para producir dibujos animados, que incluye principalmente: creación de guiones literarios, creación de guiones secundarios, diseño de modelado, diseño de escenas, etc. Los guiones literarios son la base de las caricaturas. Requieren la visualización de expresiones escritas, es decir, el contenido descrito en los guiones se puede expresar en imágenes y están prohibidas las descripciones sin características de imagen (como descripciones psicológicas abstractas, etc.). Los guiones literarios para películas animadas se presentan en diversas formas, como cuentos de hadas, novelas de ciencia ficción, cuentos populares, etc. Se requiere que el contenido sea saludable, positivo, claro en contexto y lógicamente riguroso. El guión dividido es un paso importante para visualizar aún más el texto. Es la recreación del director sobre la base del guión literario, que refleja el concepto creativo y el estilo artístico del director. El guión dividido tiene la estructura de: imágenes + texto, y sus formas de expresión incluyen tipos de lentes y movimientos, composición y luces y sombras, métodos de movimiento y tiempo, música y efectos de sonido, etc. Cada imagen representa una toma y el texto se utiliza para describir la duración de la toma, las líneas y acciones de los personajes, etc. El diseño de modelado incluye modelado de personajes, modelado de animales, modelado de utensilios, etc. El contenido del diseño incluye diseño de apariencia de personajes y diseño de acciones. Los requisitos de diseño de modelado son relativamente estrictos, incluidos dibujos de modelado estándar, dibujos de superficies giratorias, dibujos estructurales, dibujos de proporciones, accesorios y vestuario. dibujos de descomposición, etc., logrados a través del diseño de las acciones típicas de los personajes (como varias acciones artísticas del personaje para reflejar la personalidad del personaje y las acciones típicas), y con descripciones de texto. La multimedia sugiere que los edificios, además del modelado, pueden exagerarse adecuadamente para resaltar las características de los personajes, y los movimientos deben ajustarse a las reglas. El diseño de escena es la fuente del paisaje y el entorno en toda la caricatura. El diseño de escena más riguroso incluye planos de planta, diagramas estructurales, diagramas de atmósfera en color, etc., que generalmente se expresan con una imagen. 2. Edición de producción: De acuerdo con el diseño preliminar, los clips de animación se producen en la computadora a través del software de producción relevante. El proceso de producción incluye modelado, materiales, iluminación, animación, control de lentes, renderizado, etc. Modelado significa que los animadores dibujan modelos de personajes en la computadora a través de software de modelado basado en diseños preliminares. Este es un trabajo muy laborioso en animación, que requiere modelar los personajes y objetos que aparecen en la escena. El alma del modelado es la creatividad, el núcleo es la concepción y la fuente es la alfabetización artística. El software de uso común incluye 3DSMax, AutoCAD, Maya, etc. Los métodos de modelado comúnmente utilizados incluyen: modelado de polígonos: los modelos complejos se representan combinando pequeñas caras triangulares o cuadriláteros (no suaves después de la ampliación); modelado spline: utilizando varias curvas spline** **, define una superficie lisa caracterizada por transiciones suaves; sin bordes pronunciados ni arrugas. Esto lo hace ideal para modelado y animación de objetos o personajes orgánicos. Modelado de subdivisión: un método de modelado que combina las ventajas del modelado de polígonos y el modelado de splines. El modelado no se trata de precisión, sino de arte, como los modelos de dinosaurios en "Jurassic Park". El mapa de materiales, que es la textura del material, le da al modelo características vívidas de la superficie, que se reflejan específicamente en el color, la transparencia, la reflectividad, la intensidad de la reflexión, la autoiluminación y la rugosidad del objeto. El mapeo se refiere a pegar imágenes bidimensionales en el modelo mediante cálculos de software para formar detalles y estructuras de la superficie.
¿Qué software se suele utilizar para modelar personajes de anime? MAYA es un software 3D de alta gama y 3dsmax es un software de gama media que es fácil de aprender y usar, pero sus funciones son muy inferiores a MAYA en términos de algunos requisitos avanzados (como caracteres animación/simulación cinemática). 3dsmax está dirigido principalmente a animación arquitectónica, recorridos arquitectónicos y diseño de interiores. La interfaz de usuario de MAYA también es más amigable que la de 3dsmax. Las aplicaciones de software MAYA se utilizan principalmente en producción de animación, producción de películas, empaquetado de programas de televisión, comerciales de televisión, animación de juegos, etc. La aplicación de software 3dsmax se utiliza principalmente para producción de animación, animación de juegos, renderizado arquitectónico, animación arquitectónica, etc. MAYA tiene un nivel básico más alto, mientras que 3dsmax es más poderoso que MAYA. El nivel básico de MAYA es relativamente alto y 3dsmax es un software 3D popular. Si tienes las condiciones, por supuesto que puedes aprender MAYA. Las funciones CG de Maya son muy completas e incluyen modelado, sistemas de partículas, generación de cabello, creación de plantas, simulación de ropa y más. Se puede decir que cuando los usuarios de 3dsmax están ansiosos por encontrar complementos de terceros, los usuarios de Maya ya pueden trabajar con tranquilidad de antemano. Se puede decir que desde el modelado hasta la animación y la velocidad, Maya es excelente. Maya se desarrolla principalmente para aplicaciones de cine y televisión. Según el proceso de producción real, la producción de una animación cinematográfica y televisiva completa generalmente se puede dividir en tres partes: preproducción, producción de segmentos de animación y post-síntesis. 1. La preproducción se refiere a la planificación y el diseño antes de utilizar las computadoras para producir dibujos animados, que incluye principalmente: creación de guiones literarios, creación de guiones secundarios, diseño de modelado, diseño de escenas, etc. Los guiones literarios son la base de las caricaturas. Requieren la visualización de expresiones escritas, es decir, el contenido descrito en los guiones se puede expresar en imágenes y están prohibidas las descripciones sin características de imagen (como descripciones psicológicas abstractas, etc.). Los guiones literarios para películas animadas se presentan en diversas formas, como cuentos de hadas, novelas de ciencia ficción, cuentos populares, etc. Se requiere que el contenido sea saludable, positivo, claro en contexto y lógicamente riguroso. El guión dividido es un paso importante para visualizar aún más el texto. Es la recreación del director sobre la base del guión literario, que refleja el concepto creativo y el estilo artístico del director. El guión dividido tiene la estructura de: imágenes + texto, y sus formas de expresión incluyen tipos de lentes y movimientos, composición y luces y sombras, métodos de movimiento y tiempo, música y efectos de sonido, etc. Cada imagen representa una toma y el texto se utiliza para describir la duración de la toma, las líneas y acciones de los personajes, etc. El diseño de modelado incluye modelado de personajes, modelado de animales, modelado de utensilios, etc. El contenido del diseño incluye diseño de apariencia de personajes y diseño de acciones. Los requisitos de diseño de modelado son relativamente estrictos, incluidos dibujos de modelado estándar, dibujos de superficies giratorias, dibujos estructurales, dibujos de proporciones, accesorios y vestuario. dibujos de descomposición, etc., logrados a través del diseño de las acciones típicas de los personajes (como varias acciones artísticas del personaje para reflejar la personalidad del personaje y las acciones típicas), y con descripciones de texto. La multimedia sugiere que los edificios, además del modelado, pueden exagerarse adecuadamente para resaltar las características de los personajes, y los movimientos deben ajustarse a las reglas. El diseño de escena es la fuente del paisaje y el entorno en toda la caricatura. El diseño de escena más riguroso incluye planos de planta, diagramas estructurales, diagramas de atmósfera en color, etc., que generalmente se expresan con una imagen. 2. Edición de producción: De acuerdo con el diseño preliminar, los clips de animación se producen en la computadora a través del software de producción relevante. El proceso de producción incluye modelado, materiales, iluminación, animación, control de lentes, renderizado, etc. Modelado significa que los animadores dibujan modelos de personajes en la computadora a través de software de modelado basado en diseños preliminares. Este es un trabajo muy laborioso en animación, que requiere modelar los personajes y objetos que aparecen en la escena. El alma del modelado es la creatividad, el núcleo es la concepción y la fuente es la alfabetización artística. El software de uso común incluye 3DSMax, AutoCAD, Maya, etc. Los métodos de modelado comúnmente utilizados incluyen: modelado de polígonos: los modelos complejos se representan combinando pequeñas caras triangulares o cuadriláteros (no suaves después de la ampliación); modelado spline: utilizando varias curvas spline** **, define una superficie lisa caracterizada por transiciones suaves; sin bordes pronunciados ni arrugas. Esto lo hace ideal para modelado y animación de objetos o personajes orgánicos. Modelado de subdivisión: un método de modelado que combina las ventajas del modelado de polígonos y el modelado de splines. El modelado no se trata de precisión, sino de arte, como los modelos de dinosaurios en "Jurassic Park". El mapa de materiales, que es la textura del material, le da al modelo características vívidas de la superficie, que se reflejan específicamente en el color, la transparencia, la reflectividad, la intensidad de la reflexión, la autoiluminación y la rugosidad del objeto. El mapeo se refiere a pegar imágenes bidimensionales en el modelo mediante cálculos de software para formar detalles y estructuras de la superficie.
Para pegar una imagen específica en una ubicación específica, el software utiliza el concepto de mapeo de coordenadas. Generalmente, existen métodos de mapeo plano, cilíndrico y esférico, que corresponden respectivamente a diferentes necesidades. El material y la textura del modelo deben ser coherentes con las propiedades del objeto real. El objetivo de la iluminación es simular al máximo los tipos de luz natural y artificial. Las luces del software generalmente incluyen reflectores (fuentes de luz que emiten luz desde todos los lados, como el sol, velas, etc.) y luces direccionales (fuentes de luz con direcciones de irradiación, como reflectores, linternas, etc.). La iluminación juega un papel importante al iluminar una escena, proyectar sombras y agregar atmósfera. Generalmente se utilizan tres métodos de configuración de la fuente de luz: luz principal, luz de relleno y luz de fondo. La luz principal es la fuente de luz básica con mayor brillo. La luz principal determina la dirección de la luz. La sombra del personaje es producida principalmente por la luz principal. Generalmente se coloca a 3/4 del camino frente a la luz. carácter, 45 grados hacia la izquierda o hacia la derecha. El propósito de la luz de relleno es suavizar las sombras creadas por la luz principal, especialmente en las áreas faciales, y generalmente se coloca cerca de la cámara. La función de la luz de fondo es fortalecer al personaje principal y mostrar su contorno, haciendo que el personaje principal se destaque del fondo. La luz de fondo generalmente se coloca a 3/4 de la parte posterior. Control de lentes, utilizando herramientas de cámara en software de animación según principios de fotografía, para lograr los efectos de lentes diseñados en el guión. La estabilidad y suavidad de la imagen son los primeros elementos del uso de la cámara. La función de cámara sólo se utiliza cuando la trama lo requiere, no todo el tiempo. Los cambios en la posición de la cámara también pueden crear efectos dinámicos en la pantalla. La animación, basada en el guión de la toma y el diseño de la acción, utiliza las formas diseñadas en el software de producción de animación para producir clips de animación. Los cambios en acciones e imágenes se realizan a través de fotogramas clave. La imagen principal de la animación se establece como un fotograma clave y la computadora completa la transición entre fotogramas clave. La mayoría del software representa la información de la animación como curvas de animación. El eje horizontal de la curva de animación es el tiempo (fotograma) y el eje vertical es el valor de la animación. Desde la curva de animación, puede ver los saltos rápidos, lentos, suaves y hacia arriba y hacia abajo de la configuración de la animación. Como el editor de curvas de animación de 3DSMax. El movimiento de animación es una tecnología. Los cambios en la forma de la boca del personaje al hablar, las expresiones de alegría, enojo, tristeza, movimientos al caminar, etc., deben ajustarse a las leyes de la naturaleza. La producción debe ser lo más delicada y realista posible. , por lo que los animadores deben especializarse en estudiar los movimientos de varias cosas. Si es necesario, puedes crear animaciones basadas en los cambios en la voz, como hacer cambios en la forma de la boca según la voz que habla para coordinar los movimientos con la voz. Para los cambios en los movimientos del cuerpo humano, el sistema proporciona herramientas esqueléticas para unir el modelo a los huesos mediante tecnología de desollado, lo que facilita la creación de movimientos que se ajusten a las leyes del movimiento humano. Renderizar se refiere a configurar la escena, darle a los objetos materiales, texturas, luces, etc., y usar el programa para dibujar una imagen o animación completa. La animación debe renderizarse antes de poder generarse, y el objetivo final del modelado es obtener efectos de renderizado estáticos o animados, lo que requiere el renderizado para completarse. El renderizado se completa con un renderizador, que incluye escaneo de líneas (como el 3dsMAX integrado), trazado de rayos (Ray-tracing) y renderizado de radiación (Radiosity (como el software de renderizado Lightscape)), etc., y su renderizado. La calidad aumenta en secuencia. La calidad de renderizado aumenta a su vez, pero también el tiempo requerido. Mejores renderizadores son MetalRay de Softimage y RenderMan de Pixar (el software Maya también admite la salida de renderizado de RenderMan). Normalmente el resultado es un archivo de vídeo tipo AVI. 3. Post-síntesis La post-síntesis de la animación cinematográfica y televisiva implica principalmente editar los clips de animación, sonidos y otros materiales creados previamente mediante software de edición no lineal de acuerdo con el guión diseñado y, finalmente, generar archivos de animación cinematográfica y televisiva. La producción de animación es producto de la integración multidisciplinaria de la literatura, la estética, la dinámica, el arte cinematográfico y televisivo, etc. utilizando como herramientas las computadoras multimedia.