Conocimientos de edición y dirección del lenguaje de lentes.
Normalmente podemos saber la intención del fotógrafo a través de las imágenes capturadas por la cámara, porque podemos sentir lo que el fotógrafo quiere expresar a través del objetivo a partir de los cambios de tema. e imagen. Este es el llamado “mi lente puede hablar”, también conocido comúnmente como “lenguaje de la lente”.
La mayoría de los principiantes todavía se encuentran en la etapa de "aprender a hablar" y no pueden expresar claramente lo que quieren decir a través de "palabras", e incluso pueden ser incoherentes y confundidos. Por lo tanto, siempre que comprenda el "lenguaje de la lente", podrá "hablar libremente" y explicar claramente lo que quiere expresar en pocas palabras, para que la gente ya no se sienta confundida. Utilizando el "lenguaje" como metáfora, muestra que la fotografía es como hablar, la belleza de las palabras es secundaria y la comprensión de las personas es lo más importante. Por lo tanto, necesitas expresar un evento a través de la lente para que otros puedan ver fácilmente lo que expresa tu película. Por ejemplo, si tomas una fotografía de la puerta del Salón Conmemorativo de Chiang Kai-shek, todos lo entenderán tan pronto como vean la imagen, pero algunas personas temen que no la recuerdes. Es como un anciano con la enfermedad de Alzheimer repitiendo las mismas palabras en tu oído. ¿Estás cansado de eso? Mucha gente toma fotografías de naturalezas muertas, como flores, utensilios, cuadros, etc. , pero para un tema hermoso pero no muy vívido, la cámara se detuvo durante mucho tiempo. Era como explicar algo claramente en pocas palabras pero usando un discurso largo. Por supuesto, ya no tendrás paciencia para escuchar más. De manera similar, en el mundo del vídeo, aunque la forma de expresión es diferente a la de hablar en tiempos normales, el propósito es el mismo, por lo que cuando disparas, imaginas que estás contando una historia, para que tu cabeza no esté vacía y No sabrá qué disparar y qué hacer.
En primer lugar, las escenas de películas y programas de televisión.
El paisaje, según la distancia y el ángulo de visión, generalmente se divide en:
Primer plano extremo : extremadamente lejos El paisaje en la lente de la cámara, los personajes son tan pequeños como hormigas.
Foresight: Un paisaje de lente de gran alcance, con personajes que ocupan sólo una pequeña posición en la imagen. El amplio campo de visión se divide en tres niveles: campo de visión grande, campo de visión largo y campo de visión pequeño (medio campo de visión) según la distancia de la escena.
Panorama: Imagen que incluye todo el sujeto y su entorno. Suele utilizarse para introducir el entorno de obras de cine y televisión, por eso se le llama lente más amplia.
Panorama: Imagen cinematográfica y televisiva que captura el cuerpo completo de un personaje o una pequeña escena, equivalente a la escenografía en el "cuadro escénico" de un teatro de teatro o de canto y danza. En una panorámica, puedes ver claramente los movimientos de los personajes y su entorno.
Pequeño panorama: El actor es "inquebrantable" y tiene un tamaño mucho más reducido que el panorama, aunque mantiene unas especificaciones relativamente completas.
Plano medio: Comúnmente conocido como “plano en siete partes”, se refiere a un plano que capta la parte superior de la pantorrilla de un personaje, o un plano utilizado para rodar una escena equivalente a esta. una escena común en las escenas de actuación.
Escena de mediometraje: Comúnmente conocida como “escena de mediometraje”, se refiere a la escena desde la cintura hasta la cabeza, también conocida como “primer plano”.
Plano cercano: se refiere a una escena de cine y televisión rodada por encima del pecho, a veces se utiliza para mostrar una determinada parte de la escena.
Primer plano: Se refiere a la fotografía, donde una cámara toma un primer plano de un objeto. Por lo general, la cabeza por encima de los hombros del cuerpo humano se utiliza como referencia de encuadre para resaltar una determinada parte del cuerpo humano, o los detalles correspondientes del objeto, detalles de la escena, etc.
Primer plano: También conocido como “primer plano detallado”, se refiere a la parte de la cabeza que resalta, o un determinado detalle del cuerpo y objetos, como cejas, ojos, cerrojos, desencadenantes, etcétera.
2. Fotografía, movimiento de la cámara (modo de disparo)
Empujar: empuja la lente, empuja la lente, es decir, el sujeto no se mueve y la máquina de disparo avanza hacia disparar. El rango de disparo cambia de grande a pequeño y se divide en empuje rápido, empuje lento y empuje fuerte, que son esencialmente diferentes del empuje con zoom.
Tirar: El sujeto no se mueve y la máquina de disparo tira hacia atrás. El rango de visión cambia de pequeño a grande y también se puede dividir en tracción lenta, tracción rápida y tracción repentina.
Jitter: Al tomar fotografías, la cámara no se mueve, se mueve hacia arriba y hacia abajo, hacia la izquierda y hacia la derecha, y gira sobre el chasis del trípode, haciendo que el público mire a su alrededor y vea las personas u objetos a su alrededor. , como si estuvieran parados en el mismo lugar.
Móvil: también llamado disparo móvil. En términos generales, todo tipo de métodos de tiro deportivo son tiro móvil.
Pero la fotografía móvil en el sentido habitual se refiere a colocar fotografías y cámaras en vehículos para capturar objetos mientras se mueven a lo largo de un plano horizontal. La combinación de panorámica y panorámica puede formar un modo de fotografía panorámica.
Seguir: se refiere a seguir y disparar. El seguimiento es de un tipo, y hay seguimiento, seguimiento, seguimiento, seguimiento, etc. , se combinará con más de 20 métodos de disparo, como dominadas, batidos, movimientos hacia arriba y levantamientos. , simultáneamente. En resumen, las técnicas de seguimiento de fotografías son flexibles y diversas, de modo que los ojos del público están siempre fijos en el cuerpo humano y los objetos que se siguen.
l: Fotografía y videografía.
Estudiante: poco a poco fotografía y vídeo.
Arco: el arco y la flecha se utilizan a menudo para expresar la apariencia general del entorno y la ocasión a nivel macro.
Yang: El estilo Yang suele significar alto y solemne.
Swing: Plano oscilante, es decir, plano de barrido, se refiere a la transición repentina de un sujeto a otro como medio de cambio de escena sin rastro alguno de edición.
Suspensión: Fotografía en suspensión, incluyendo en ocasiones fotografía aérea. Tiene una amplia gama de capacidades expresivas.
Plano aéreo: También conocido como plano aéreo y plano de escena, se refiere a un plano de escena puro sin personajes de la obra (ya sean humanos o animales relacionados).
Corte: El nombre general de la lente de conversión. Cualquier edición de metraje es una "edición".
Integral: se refiere al rodaje integral, también llamado planos integrales. Combina varios métodos de disparo, como empujar, tirar, sacudir, mover, seguir, subir, bajar, inclinarse, inclinarse, girar, lanzar, colgar y volar en una sola lente para disparar.
Corto: se refiere a un plano corto. Las películas generalmente se refieren a imágenes de 30 segundos (24 fotogramas por segundo) y 15 metros de longitud; la televisión se refiere a imágenes continuas de 30 segundos (25 fotogramas por segundo) y unos 750 fotogramas o menos.
Longitud: se refiere a una lente larga. El cine y la televisión se pueden definir como imágenes continuas de más de 30 segundos.
No existe un "estándar" reconocido internacionalmente para la distinción entre lentes largas y lentes cortas, y los estándares anteriores son generales. "Rope" de Hitchcock tiene un plano largo de 10 minutos, que es tan largo como un libro (en referencia a la copia de la caja de hierro), y un plano corto de una película de guerra, tan corto como dos fotogramas, que representa la sombra del fuego y el cañón. .
Contraataque: Se refiere a la cámara, que dispara en diferentes direcciones al filmar una escena con dos personas. Por ejemplo, cuando fotografíes a un hombre y una mujer sentados y hablando, primero fotografíe al hombre desde un lado, luego fotografíe a la mujer desde el otro lado (primer plano, primer plano, busto) y, finalmente, realice una edición cruzada para formar un edición completa.
Disparo con zoom: Fotografía, la cámara no se mueve, mediante el cambio de la distancia focal de la lente, puedes ver claramente personas u objetos en la distancia, o puedes cambiar el rango cercano de claro a borroso.
Disparos subjetivos: también llamados planos subjetivos, es decir, planos que muestran la mirada y la visión subjetiva de las personas de la obra, desempeñando muchas veces el papel de descripción psicológica visual.
3. Técnicas de procesamiento de imágenes de cine y televisión
Fade in: también llamado fade in. Se refiere al aumento gradual del brillo desde cero hasta la intensidad normal en el primer plano de la siguiente escena, como la "apertura" de un escenario.
Desvanecimiento: también llamado desvanecimiento. Se refiere a la última escena de la última escena que se atenúa gradualmente desde el brillo normal a cero, como el "final" del escenario.
Transformación: También conocida como "disolución", significa que la imagen anterior simplemente desaparece y la segunda imagen aparece al mismo tiempo. Ambos completan el reemplazo del contenido de la pantalla en el estado "disuelto". Sus usos: ① Se utiliza para la conversión del tiempo; (2) Expresar sueños, imaginación y memoria (3) Los paisajes son impredecibles y vertiginosos (4) Se realizan transiciones naturales y la narrativa es fluida y fluida; Este proceso suele tardar unos tres segundos.
Superposición: También conocido como "sobreimpresión", significa que las imágenes frontal y trasera no desaparecen, sino que una parte de ellas "permanece" en la imagen o pantalla. Expresa la conexión entre personajes dividiendo la pantalla y favorece el desarrollo de la trama.
Pai: también conocido como “rema de entrada y salida”. Es diferente de fundir y superponer, pero es una técnica que utiliza líneas o figuras geométricas para cambiar el contenido de la imagen, como círculos, rombos, cortinas, triángulos, polígonos, etc. Si usa "círculo", también se llama "círculo dentro de un círculo afuera"; "cortina dentro de la cortina afuera" también se llama "cortina dentro de la cortina afuera", que es como una persiana enrollable que cambia el contenido de la toma.
Pintura: se refiere al personaje que ingresa al visor de la máquina de disparo, que puede estar arriba, abajo, izquierda y derecha.
Pintura: Se refiere a personajes que salen de la pantalla de disparo por arriba, abajo, izquierda o derecha.
Fotograma congelado: se refiere al uso de medios técnicos para agregar varios fotogramas de la misma película o imagen a un determinado fotograma de una película o imagen de televisión para lograr el propósito de mantener la imagen fija. Por lo general, cada segmento de una película o imagen de televisión comienza con un cuadro congelado, cambia de estático a estático y termina con un cuadro congelado y cambia de dinámico a estático.
Imagen invertida: Tomando la pantalla o la línea central horizontal de la pantalla como eje, gire la imagen original de invertida a adelante o de adelante a atrás 180 grados.
Voltear la pantalla: tomando la línea central vertical de la pantalla como eje, gire la pantalla 180 grados para hacer que la pantalla desaparezca y pase a la siguiente toma. En general, muestra el fuerte contraste entre lo nuevo y lo viejo, los pobres y los ricos, la alegría y la tristeza, el presente y el pasado.
Fotograma inicial: se refiere a la primera imagen de fotografía y videografía.
Imagen izquierda: se refiere a la última imagen antes de que se detenga la cámara.
Flashback: Una forma de mostrar las actividades internas de los personajes del cine y la televisión. Es decir, de repente se inserta una escena en una imagen muy corta para expresar las actividades psicológicas y los altibajos emocionales del personaje en este momento. La técnica es extremadamente simple y brillante. El contenido del "flashback" suele ser escenas que aparecieron en el pasado o cosas que sucedieron. Si se usa para expresar la imaginación del personaje y la premonición del futuro o eventos venideros, se llama "flash forward", y los "flash back" juntos se llaman "flash back".
Montaje: La transliteración francesa de montaje, que originalmente significa combinación y edición, se refiere a la disposición y combinación de una serie de tomas tomadas en diferentes lugares, diferentes distancias, diferentes ángulos y diferentes métodos. una creación cinematográfica Uno de los principales medios narrativos y de expresión. Se puede dividir a grandes rasgos en "montaje narrativo" y "montaje escénico". El primero tiene como objetivo principal expresar eventos, y el empalme paralelo y el empalme cruzado en general (también conocidos como montaje paralelo y montaje cruzado) entran en esta categoría. El "montaje escénico" tiene como objetivo mejorar la expresión artística y el atractivo emocional, y generar nuevas connotaciones que originalmente no estaban disponibles a través de la conexión de tomas "irrelevantes" o la comparación mutua de contenido.
(Representado por Gran Bretaña y Estados Unidos, se llama edición cinematográfica. Montaje, representado por Sufa, se refiere a la combinación o edición de tomas en la traducción al chino).
Edición: Proceso de producción de cine y televisión Uno, también se refiere al personal de tiempo completo que realiza este trabajo. Una vez finalizada la filmación de las obras de cine y televisión, de acuerdo con los requisitos de desarrollo y estructura de la trama, las imágenes y bandas sonoras de cada toma se seleccionan, organizan y cortan, y luego se combinan de acuerdo con el principio de montaje y el orden más artístico. para convertirse en una película completa y artística. Infecciosas obras de cine y televisión. El montaje es la descomposición y reorganización de materiales audiovisuales cinematográficos y televisivos, así como la recreación durante el proceso de rodaje.
4. Otros términos involucrados en este libro
Primer plano: la persona u objeto cerca del frente o frente al sujeto en la lente. En la lente, se utiliza para realzar el sujeto o formar parte del entorno dramático, mejorar la profundidad espacial de la imagen, equilibrar la composición y embellecer la imagen.
Backshot: Persona u objeto cerca de la espalda o detrás del sujeto en la toma. El fondo es a veces el cuerpo principal o el acompañamiento de la actuación en la toma, pero sobre todo es parte del entorno dramático, a veces formando directamente el fondo.
Plano medio: la parte media de la fotografía. Generalmente, el sujeto aparecerá en la escena intermedia o entre las escenas frontal e intermedia.
El primer plano, el plano medio y el fondo son los niveles básicos de la composición fotográfica, que pueden hacer que la imagen esté llena de capas y profundidad. Los niveles de algunas imágenes son aún más detallados. Por ejemplo, muchas composiciones de imágenes en "Salvar al soldado Ryan" de Spielberg pueden alcanzar los niveles siete u ocho.
Interior: también llamado “interior de caseta”. Se refiere a las escenas montadas en el estudio (incluidas escenas interiores o escenas exteriores).
Escenas exteriores: escenas exteriores al estudio, incluyendo escenas reales como entorno natural y entorno de vida, así como escenas interiores construidas fuera del estudio. Su ventaja es que es real, natural y lleno de vida.
Estudio: edificio especial utilizado especialmente para el rodaje de obras de cine y televisión. El área de los estudios más grandes es generalmente de más de 400 metros cuadrados a 1000 metros cuadrados y la altura es de más de 8 metros. Hay parches de cielo que pintan el fondo alrededor del cobertizo y está equipado con diversas instalaciones de iluminación, condiciones de sonido, aislamiento acústico, ventilación, regulación de temperatura, drenaje y otros equipos. En el estudio se pueden configurar varias escenas de rodaje en interiores y exteriores.
Lenguaje estilístico: Tradicionalmente, se refiere a la suma de los medios y técnicas de categorías artísticas como la pintura y la escultura que utilizan ciertos materiales materiales para crear imágenes visualmente intuitivas. Para cine y televisión, diversos medios y técnicas de artes plásticas visuales (como líneas, colores, efectos de luz, tonos, composición, reglas de perspectiva, estructura material, procesamiento espacial, etc.) y factores de modelado sonoro (volumen, timbre, tono, etc.) .), acción, orientación, distancia, etc. ) constituyen en conjunto su sistema de lenguaje plástico.
Voz en off: se refiere al uso de sonidos fuera de la pantalla en obras cinematográficas y televisivas, es decir, el sonido no es emitido directamente por las personas u objetos en la pantalla, sino que proviene del exterior de la pantalla. . La narración, el monólogo y el comentario son las principales formas de locución. El uso de sonidos fuera de la pantalla también es una forma importante de voz en off. La voz en off libera al sonido de su posición subordinada a la imagen y refuerza la función de integración audiovisual de las obras cinematográficas y televisivas.
¿Qué es un plano largo en cine y televisión?
Un plano largo se refiere a un plano que filma continuamente la siguiente escena, escena o plano para completar una secuencia relativamente completa de planos sin destruir la coherencia espacial y temporal en el desarrollo del acontecimiento.
Al realizar tomas largas, el movimiento de la lente crea el efecto de múltiples ángulos y múltiples lentes, creando una imagen.
La realidad y la sensación general del espacio se integran de una sola vez.
Originalmente era una tecnología de filmación de películas que se produjo en la década de 1920. Cuando se inventó el cine, la tecnología de edición no estaba disponible.
Cuando se convirtió en un método de producción especial, la mayoría de las escenas de las películas se rodaron con lentes largos.
Lo más fundamental de un plano largo es el documental creado por la profundidad de la escena en el plano, y el estilo realista reflejado en el cambio de ritmo de toda la película. Por supuesto, en términos relativos, enfatizar la programación de escenas dentro de la profundidad de campo hará que las tomas sean más largas y el ritmo más lento. Esto resulta obvio cuando se miran las películas de directores taiwaneses, como Hou Hsiao-hsien.
En 1941, el estadounidense Orson Welles utilizó con éxito pasajes de lentes largos y tomas de profundidad de campo, fotografía deportiva y estructuras narrativas de múltiples perspectivas en su película clásica "Ciudadano Kane". La película ha sido calificada como "un hito en el cine moderno".
¿Cómo expresar emociones a través de planos generales?
El estilo del lenguaje visual de una obra debe estar determinado por el estilo y el contenido emocional de la historia, porque el lenguaje visual les sirve completamente.
Los planos largos se utilizan principalmente para expresar dos emociones: planos largos y silencio (o ambos)
Consulte lo siguiente:
Planos largos, en También Conocidos como planos segmentados en el cine y la televisión, se refieren a los planos continuos tomados por la cámara después de un largo período de movimiento continuo. Algunos planos largos pueden durar más de varios minutos.
La teoría del plano largo fue propuesta por primera vez por el teórico del cine francés André Bazin. Él cree que el movimiento de la lente y la profundidad de campo pueden evitar limitar estrictamente el proceso de percepción de la audiencia, centrarse en el movimiento verdadero, normal y completo de las cosas, garantizar el respeto por el tiempo y permitir que la audiencia vea la imagen completa. del espacio de visualización y la conexión real de las cosas. Su importancia no sólo puede reducir en gran medida el número de montajes, sino que también desempeña un papel importante en el desarrollo y estudio del potencial artístico del montaje dentro de la lente. Especialmente las emociones que deben expresarse constantemente, las tomas que deben ser coherentes y coherentes y las tomas que deben introducir continuamente espacios amplios, todas tienen su propio valor artístico especial.
Pero Bazin absolutaiza el significado estético de los planos generales, enfatizando sólo la realidad e ignorando la esencia artística de las técnicas de montaje externo. A través de la técnica de combinación de montaje, se seleccionan tomas típicas que representan * para crear nuevas tomas que abarcan el tiempo y el espacio y acortan el espacio sin sentido, para que el público pueda recibir su efecto artístico en lugar de simplemente copiar y observar el tiempo objetivo. Las series de televisión nacionales utilizan muchos planos generales, lo que a menudo da a la gente una sensación de arrastre y no son tan intensos como los de Hong Kong, Taiwán u Occidente.
La teoría de planos generales y las habilidades de actuación son parte del arte cinematográfico y televisivo y pueden complementar las habilidades de montaje de montajes. Pero no podemos abusar de ello, especialmente en largometrajes y MTV. Podemos usarlo apropiadamente en documentales, películas educativas o algunos noticieros para mostrar algunos detalles.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el teórico del cine francés Bazin se opuso al papel del montaje, creyendo que el montaje imponía el punto de vista del director a la audiencia y limitaba la ambigüedad de la película. Abogó por el uso de la profundidad de visión. -Lentes de campo y programación de escenas Disparo continuo, pensando que solo así se puede mantener la integridad del espacio argumental y el flujo en tiempo real. Sin embargo, el poder del montaje es innegable. Los artistas cinematográficos siempre han utilizado el montaje y las tomas largas para crear películas. Algunas personas piensan que los planos largos en realidad utilizan el movimiento de la cámara y la programación de los actores para cambiar el alcance y el contenido de las tomas, lo que se denomina "montaje interno"
Planos de profundidad de campo
Bazin llamó tiros largos. Es una lente de profundidad de campo. Una lente de profundidad de campo es una lente larga (no un teleobjetivo). Los objetivos largos y los teleobjetivos son dos conceptos completamente diferentes. Una es una cuestión creativa y la otra son las lentes ópticas con zoom y las imágenes con zoom. Por lo tanto, una lente larga no puede denominarse lente de distancia focal larga.
Montaje
El elemento básico de la película es la lente, y la principal forma y medio de conectar las lentes es el montaje. Se puede decir que el montaje es un método de expresión único. arte cinematográfico.
Dado que la unidad más pequeña de una película es la lente, ¿cuál es el elemento básico de esta película: la lente? ¿Qué tiene que ver con el montaje? 7 Sabemos que una lente es una pieza de película filmada desde diferentes ángulos, diferentes distancias focales y diferentes tiempos, y que ha sido procesada de manera diferente. De hecho, el montaje se ha utilizado desde el inicio del rodaje.
En lo que respecta al objetivo, disparar desde diferentes ángulos tiene naturalmente diferentes efectos artísticos. Como disparo frontal, inclinación de ciprés, disparo hacia arriba, disparo lateral, retroiluminación, filtrado, etc. , el efecto es obviamente diferente. Para lentes de la misma distancia focal, los efectos son diferentes. Por ejemplo, plano general, panorama, plano medio, plano cercano, primer plano y primer plano extremo tienen efectos diferentes. Además, las lentes procesadas de forma diferente también producirán efectos artísticos diferentes. Además, debido al uso de espacios, abreviaturas, mejoras y otras técnicas, también se logran diversos efectos artísticos específicos. Además, debido a los diferentes tiempos de disparo, hay lentes largos y lentes cortos, y la longitud de la lente también tendrá efectos diferentes.
Al mismo tiempo, al conectar escenas y párrafos, puedes optar por utilizar diferentes métodos de conexión según diferentes cambios, diferentes ritmos y diferentes necesidades emocionales, como: hablar, cambiar, cruzar, cortar, y envolver, pellizcar, empujar, tirar, etc. En resumen, qué tipo de tomas se deben tomar y qué tipo de tomas se deben organizar juntas. ¿Qué método se debe utilizar para conectar las tomas dispuestas juntas? El método y los medios del cineasta para resolver esta serie de problemas es Meng Daqi. Si las imágenes y la acústica son el "vocabulario" que utiliza un director de cine para comunicarse con el público, entonces utilizar imágenes y acústica para formar tomas y utilizar combinaciones de lentes para formar métodos de montaje de reglas cinematográficas es la "gramática" del director.
Para un director de cine, dominar estos principios básicos no significa dominar la "gramática". El montaje suele adoptar múltiples aspectos dependiendo del contenido específico y las búsquedas estéticas de cada película.
Para el público, el montaje es de punto a punto. Para el director, el montaje primero se divide en partes, luego se edita y luego se divide en partes, es decir, se combina. La unidad más pequeña de montaje es el plano, por lo que el director tiene que escribir un guión gráfico. Como público, ¿cómo deberíamos apreciar el arte del director desde la perspectiva del montaje? Después de todo, el montaje es una forma que tiene el director de contar una historia; el público siempre espera que la historia sea fluida, vívida y contagiosa, y que pueda despertar su asociación e interés. Estos requisitos se aplican enteramente al montaje. El público no se contenta sólo con entender la trama. O comprender aproximadamente la idea de la película, pero requerir una percepción clara y fluida de cada vínculo y detalle del proceso narrativo de la película. El montaje de una película primero debe ser comprendido por el público.
Hoy en día, un largometraje contemporáneo suele constar de aproximadamente entre 500 y 1.000 planos. La escena, el ángulo, la duración, la forma de la acción y la combinación de imágenes y sonidos de cada toma contienen elementos de montaje. Se puede decir que el montaje comienza con la cámara. Al mismo tiempo, el ángulo, la distancia focal y la longitud de la lente ya contienen la voluntad, la emoción, los elogios y el ingenio del fotógrafo.
La disposición, combinación y conexión entre tomas reflejan más claramente la intención subjetiva del fotógrafo.
Debido a que cada plano no existe de forma aislada, su forma debe estar relacionada con los planos superior e inferior conectados a él. Diferentes relaciones producirán diferentes efectos artísticos como coherencia, salto, fortalecimiento, debilitamiento, paralelismo y contraste. Por otro lado, la combinación de planos no sólo desempeña un papel al describir vívidamente el contenido del plano, sino que también genera nuevos significados que un solo plano puede no ser capaz de expresar. El primer intento de montaje de Griffith en la historia del cine fue combinar imágenes de un hombre varado en una isla desierta con un primer plano del rostro de su esposa esperando en casa. Después de tal "combinación", el público sintió "espera" y "dolor" y creó imaginaciones nuevas y especiales. Otro ejemplo es organizar un grupo de tomas cortas y conectarlas con un método de corte rápido. Su efecto artístico es muy diferente al del mismo grupo de planos dispuestos y conectados entre sí mediante un método "lumínico" o "químico".
Para otro ejemplo, si los tres planos A, B y C siguientes están conectados en diferente orden, aparecerán diferentes contenidos y significados.
a. Una persona se ríe; b. Le apuntan con un arma; c.
¿Qué impresión dan al espectador estos tres primeros planos?
Si se conecta en el orden A-B-C, el público sentirá que esta persona es un cobarde y un cobarde. Ahora, los disparos siguen siendo los mismos, si simplemente cambias el orden de los disparos anteriores, llegarás a la conclusión opuesta.
c, el rostro de un hombre mostrando un patio, b, un arma apuntando; a, el mismo hombre riendo.
Si los conectas en el orden C-B-A así, la cara del hombre se verá horrorizada porque hay un arma apuntándole. Sin embargo, lo pensó y decidió que no era nada, así que sonrió... ante la muerte. Por lo tanto, da al público la impresión de un hombre valiente.
De esta manera, cambiar la secuencia de planos de una escena, sin cambiar cada plano en sí, cambia completamente el significado de una escena, llega a la conclusión opuesta y recibe efectos completamente diferentes.
Esta disposición organizativa coherente es el uso del montaje exclusivo del arte cinematográfico. Esto es también lo que llamamos el problema estructural del cine. En los ejemplos anteriores, podemos ver la importancia de esta estructura de permutación y combinación, que es un medio importante para organizar materiales para expresar ideas cinematográficas. al mismo tiempo. Debido a la diferente disposición y combinación, se producen diferentes efectos artísticos como positivo, negativo, profundo, superficial, fuerte y débil.
El maestro del cine soviético Eisenstein creía que el plano A más el plano B no es una simple síntesis del plano A y el plano B, sino que se convertirá en el nuevo contenido y concepto del plano c. Señaló claramente: "El plano c. diferencia entre las dos tomas del montaje La concatenación no es la suma de dos números, sino más bien el producto de dos números; este hecho era cierto antes y todavía parece serlo hoy. La razón por la que es más como el producto de dos. números que dos. La suma de los números se debe a que el resultado del arreglo es cualitativamente (o "dimensionalmente" si quiero usar términos matemáticos) muy diferente de cada uno de sus componentes individuales. Un cuadro, el duelo de una mujer: esto también es un cuadro; estos dos cuadros pueden expresarse en especie. La "viuda" producida por la yuxtaposición de estas dos imágenes ya no es algo que pueda expresarse en especie, sino una especie de. Una nueva representación, un nuevo concepto, una nueva imagen”.
Se puede ver que el uso del montaje puede dar un nuevo significado a la conexión de planos, enriqueciendo enormemente el poder expresivo del arte cinematográfico. Aumenta el atractivo del arte cinematográfico. En este tema también podemos inspirarnos mucho en un fenómeno de la física: como todos sabemos, el carbono y el diamante son dos sustancias. En cuanto a su composición molecular, ocurre lo mismo. Pero uno es sorprendentemente crujiente y el otro inusualmente duro. ¿Por qué los resultados de las investigaciones científicas demuestran que la enfermedad se debe a diferencias en la disposición molecular (estructura de los caracteres)? En otras palabras, los mismos materiales, debido a diferentes disposiciones, pueden producir resultados completamente opuestos, lo que realmente invita a la reflexión.
El teórico del cine húngaro Béla. Balazs también señaló: "Una vez conectado el último disparo, el significado inusualmente rico escondido en cada disparo se emite como una chispa eléctrica. Se puede ver que este significado similar a una "chispa eléctrica" está formado por una sola lente". "al acecho" y la gente no se da cuenta.
Sólo mediante la "combinación" la gente puede tener una imaginación nueva y especial. Cuando decimos montaje, nos referimos primero a la relación de combinación entre planos, incluida la relación de combinación entre tiempo y espacio, sonido e imagen, imagen y color. y los significados y efectos producidos por estas conexiones.
En definitiva, el montaje es la forma en que se conectan las películas. Toda la película tiene una estructura, y cada capítulo, párrafo y párrafo también debe tener una estructura. En el cine, este tipo de conexión se llama montaje. De hecho, se trata de combinar las tomas en un clip, luego combinar los clips cortos en una sección grande y luego organizar la sección grande en una película. No hay misterio ni truco en este proceso. Se ajusta a la lógica de la razón y la emoción, la lógica de la vida y la visión. Parece "suave", "razonable", rítmico y cómodo. Es un montaje brillante y viceversa. "No existe una explicación y elaboración tan simple y fácil de entender como el montaje.