¿Cómo se desarrolló el arte moderno?
Entre las escuelas de arte europeas de los siglos XVII y XVIII, los estilos barroco y rococó tuvieron la mayor influencia.
La palabra "barroco" tiene su origen en el portugués y significa "perla fuera de redondez", y luego se extendió a varios significados como "anormal", "exagerada" y "grotesca". Se originó en la arquitectura italiana de finales del siglo XVI, se hizo popular en Europa desde el siglo XVII hasta principios del XVIII y alcanzó su apogeo en Francia a mediados de siglo. Como estilo artístico, se manifestó primero en las artes plásticas, aportando nuevos estilos a la arquitectura, la escultura y la pintura, y luego influyó en la creación de la literatura y la música.
El estilo artístico del Barroco es opuesto a la seriedad, la implícita y el equilibrio del Renacimiento en su apogeo, tiende a ser hermoso, lujoso y exagerado. Persigue impulso, altibajos. y parece libre, vivaz, emocional y lleno de vitalidad. Refleja el lujo y la riqueza de los monarcas y nobles autocráticos, así como el disfrute de la burguesía.
Caravaggio (1573-1610) es considerado el fundador del arte barroco. Sus técnicas creativas fueron principalmente naturalistas, y sus obras fueron en su mayoría pinturas de género de la vida social de esa época. Las personas en las obras de Caravaggio siempre están rodeadas por una sombra para resaltar el drama del paisaje y la miseria de las personas en la pintura. Su arte puede describirse como "verdad despiadada". La obra "La Virgen Muerta" fue rechazada por la iglesia porque la presentaba como demasiado vulgar. El estilo pictórico de Caravaggio, que se centraba en el contraste de luz y oscuridad, tuvo una gran influencia en su creación artística posterior.
La figura más influyente del arte barroco es el italiano Bernini (1598-1680). Es arquitecto, escultor y pintor. Rompe los límites entre arquitectura, escultura y pintura, permitiéndoles penetrar y mezclarse entre sí, creando un híbrido de arquitectura, escultura y pintura. Este tipo de arte "ni burro ni caballo" fue ridiculizado como "barroco" (grotesco) por artistas de la tradición clásica, de ahí el nombre.
La Basílica de San Pedro en Roma construida por Bernini es una obra maestra del estilo artístico barroco. Prestó atención a la decoración, enfatizó la sensación de movimiento y utilizó una gran cantidad de curvas onduladas, columnas ovaladas, columnas en espiral y esculturas desmoronadas para hacer que este magnífico edificio sea majestuoso y hacer que la gente sienta que todo el edificio gira y se eleva, deslumbrante y Deslumbrante Estimula la imaginación de las personas. Otros edificios barrocos famosos incluyen el Palacio de Versalles en Francia, la Catedral de San Pablo en Inglaterra y el Pueblo Pushkin en Rusia.
La figura representativa del arte barroco en la pintura es Rubens (1577-1640), un flamenco conocido como el "Rey sin corona" de la pintura europea. No solo tiene extraordinarias habilidades para pintar, sino que también domina siete idiomas y es bueno en la diplomacia. Se ha desempeñado como embajador y se autodenomina "embajador aficionado". Rubens fue un pintor prolífico. Sus obras son ricas en contrastes de color, majestuosas y apasionadas, y son buenas para expresar escenas emocionantes a través de estructuras dinámicas. Las obras famosas incluyen "Robbing Risip's Daughter" y "Susan Furman".
Todo el cuadro "Robando a la hija de Risip" estaba alborotado. En la obra, dos caballos, dos hombres y dos mujeres, están entrelazados. Las cabezas y las patas de los caballos salen disparadas en todas direcciones como flores en flor, dando a la gente una sensación de humor. El retrato de Susan Furman muestra a Furman con una figura regordeta y ojos grandes, realistas y llenos de energía. Al mismo tiempo, con la ayuda del cabello suelto, las plumas que adornan el sombrero y los pliegues de la ropa, se crea la tendencia dinámica exclusiva del arte barroco.
La escuela de pintura holandesa representada por Rembrandt (1606-1669) en el siglo XVII tiene un estilo único. Holanda fue la primera república burguesa de Occidente, con más libertad de pensamiento y creación, lo que hizo que la Escuela de Pintura Holandesa fuera más democrática y realista. Los artistas utilizan principalmente la vida popular como tema y crean creaciones basadas en los intereses y pasatiempos de la gente corriente. Paisajes y naturalezas muertas europeas. La pintura de género generalmente comienza con la Escuela de Pintura Holandesa. Además de Rembrandt, sus representantes son Hals y Vermeer.
La característica de las pinturas de Rembrandt es que es bueno usando el contraste entre la luz y la oscuridad para resaltar el tema, representar el mundo interior de los personajes y hacer que toda la forma se sienta pesada. Sus obras representativas incluyen "Night Watch" y "La lección de anatomía del profesor Thorpe". Autofotos y más.
Hals (1580-1666) fue un retratista.
Rompió con los temas y formas tradicionales de sus predecesores y utilizó a ciudadanos de clase media y baja como protagonistas de sus cuadros. Las chicas pescadoras, los soldados comiendo y los borrachos en la posada son diferentes a las imágenes majestuosas y de aspecto delicado del pasado, pero han quedado inmortalizadas en sus obras. Jane Vermeer (1632-1675) fue una pintora personalizada. Los temas de sus pinturas eran muy limitados y todos eran escenas cotidianas triviales. Pero hay magia en lo ordinario. El pintor hizo que el cuadro fuera muy pacífico y armonioso a través de una maravillosa combinación de colores y contrastes, mostrando especialmente el mundo interior meditativo de la persona en la pintura. Esto es más prominente en la historia del arte. Las obras incluyen "Mujer leyendo una carta" y "Mujer de cocina".
Tras entrar en el siglo XVIII, el arte rococó, que se centraba en la decoración interior, comenzó a sustituir al estilo barroco, que enfatizaba la belleza exterior. La palabra rococó proviene del francés y significa "forma de concha". El significado de "torcido y retorcido" se utilizó por primera vez para describir el estilo de decoración arquitectónica francesa a finales del siglo XVII. En el siglo XVIII, los aristócratas franceses que buscaban el placer lo llevaron al extremo. Se caracteriza por su tamaño pequeño, exquisitez y elegancia, esbeltez y ligereza, decoración hermosa y complicada, y le gusta usar curvas en forma de C, S o de remolino y colores claros y suaves. Este estilo artístico fue muy elogiado por Luis XV y también se conoce como "estilo Luis XV". Fue popular en varios países europeos y se convirtió en un estilo artístico popular.
El arte rococó alcanzó sus logros más significativos en la arquitectura, la pintura y la tecnología. El pintor francés Hua Tuo (1684-1721) representó bien las fiestas aristocráticas, los romances, el canto y el baile, y fue considerado el fundador del estilo rococó. Las obras de Hua Tuo tienen un estilo elegante. Durante este período, uno de los edificios que mejor encarna el estilo artístico rococó es el salón de la Residencia Supes en París, Francia, diseñado por el arquitecto Beauforon. Se centró en la decoración interior, y toda la habitación parecía imaginada más que construida.
El pintor rococó más respetado de aquella época fue Boucher (1703-1770). Fue el pintor principal de la corte de Luis XV y era conocido como la "Gloria de París". Sus obras tienen temas llamativos, colores suaves y delicados y técnicas sofisticadas. Pintó muchos cuadros de amor desnudos con temas de la mitología griega y romana para satisfacer las necesidades de placer de príncipes y nobles.
Cuando el arte rococó se hizo popular en Europa, fue duramente criticado por los pensadores de la Ilustración, especialmente Diderot. Bajo la influencia de la Ilustración, surgieron uno tras otro un grupo de artistas con conciencia democrática y tendencias realistas. Chardin (1699-1779) es uno de los representantes destacados. Sus personajes son simples y las tramas realistas. Su obra maestra "Orando por el almuerzo" muestra a una madre preparando el almuerzo y observando a sus hijos orar con preocupación, reflejando la vida diaria de los ciudadanos.
El arte europeo en el siglo XIX Desde finales del siglo XVIII hasta finales del siglo XIX, la situación política en Europa fue cambiando, surgieron luchas revolucionarias y surgieron varias tendencias artísticas una tras otra. El neoclasicismo, el romanticismo y el realismo aparecieron uno tras otro, y el impresionismo se hizo rápidamente popular. La escuela de arte neoclásica que surgió en Francia parece estar restaurando y preservando el espíritu de las antiguas Grecia y Roma, pero en realidad persigue una especie de idealismo. Aunque sus obras se basan principalmente en temas clásicos, el espíritu plasmado en sus obras es muy contemporáneo. Louis David (174-1845) es el principal representante de los pintores neoclásicos. Simpatizó y participó en la Revolución Francesa. Utilizó técnicas artísticas clásicas para expresar el tema de la revolución y logró resultados positivos. Su "El juramento de los hermanos Horacio" es una obra maestra que defiende el heroísmo en vísperas de la Revolución Francesa. "El juramento del tenis" y "La muerte de Marat" son obras maestras que reflejan directamente los principales acontecimientos históricos de aquella época.
"El juramento de los hermanos Horacio" representa la escena en la que los tres hermanos Horacio están dispuestos a sacrificar sus vidas para defender Roma. El pintor evidentemente alaba el patriotismo y muestra un espíritu revolucionario acorde con los tiempos. El estilo de la imagen es simple y pesado, pero expresa la idea revolucionaria simple y clara de que todos deben unirse para oponerse a la tiranía. "La muerte de Marat" tiene un estilo de escritura digno y una imagen trágica, y tiene la "belleza pura y tranquila" que persigue el clasicismo. La primera mitad de la pintura es el espacio y la segunda mitad es el escenario del asesinato de Mara. La expresión facial del difunto era noble y solemne.
El pintor clásico más influyente después de David fue Ángel. Es bueno en la pintura de figuras y en la pintura meticulosa, centrándose en la perfección de la forma y las líneas claras y prolijas. Su obra maestra es "Primavera".
El romanticismo, que aparece como una oposición al clasicismo, se caracteriza por su énfasis en la expresión individual, el énfasis en la exageración y la ilusión y el entusiasmo desenfrenado.
Entre sus representantes se encuentran el español Goya (1746-1828) y el francés Delacroix (1798-1863). La "Fotografía de los ciudadanos de Madrid" de Goya y "La libertad guiando al pueblo" de Delacroix son reconocidas como obras maestras del romanticismo.
"Ejecución" es el escenario donde los voluntarios españoles fusilaron a Napoleón. Toda la imagen está llena de crueldad y horror en el momento del rodaje. "Maha desnuda", "Maha vestida" y "Rapsodia sobre grabado en cobre" son también obras representativas de Goya. Estas obras inspiraron y alimentaron no sólo el romanticismo sino también el realismo del futuro.
La pintura romántica francesa se guía por la representativa obra “La balsa de Medusa” del joven pintor Sirico (1791-1824). Esta pintura está basada en el transatlántico francés "Medusa" hundido en 1818. En este famoso cuadro, la balsa que se eleva con las olas está inclinada, de la que sobresalen dos triángulos opuestos: el hombre se inclina hacia adelante y el mástil de la vela hacia atrás. El conflicto entre las dos fuerzas crea una sensación de tensión. Aquí la gente no puede ver la elegancia, la tranquilidad y la belleza de la escuela clásica, pero lo que muestra es la turbulencia, la pasión, la lucha y la lucha a vida o muerte.
Siguiendo a Sirico, Delacroix llevó el arte de la pintura romántica a su apogeo. Su pensamiento tiende a ser democrático y libre, y su logro artístico es alto. Se le conoce como el "león romántico". Guiar al pueblo hacia la libertad se basa en la "Revolución de Julio" llevada a cabo por el pueblo francés en 1830 para derrocar a la dinastía Borbón. En el cuadro destaca la imagen de la Estatua de la Libertad sosteniendo en alto la bandera tricolor, que simboliza la revolución burguesa francesa y el poder político. En términos de técnica, Delacroix absorbió la experiencia del arte "barroco" al expresar escenas turbulentas y recurrió al efecto de claroscuro y las técnicas de modelado de la fotografía de Goya. Su sombra apareció de repente en el cuadro "Medu" de Schricco. tiene el poder de conmover los corazones de las personas. Sólo hay siete u ocho figuras en toda la pintura, pero debido a que se cubren entre sí, no hay nada más que realidad, creando una gran atmósfera de guerra y humo.
A mediados del siglo XIX surgió la pintura realista. Entre los pintores famosos se encuentran los franceses Millet, Corot, Courbet y el ruso Repin. Miller (1814-1875) es conocido como el gran pintor campesino. Nació en una familia de campesinos. Después de convertirse en pintor, todavía vivió la vida de un campesino y se dedicó al trabajo. Las obras representativas incluyen "La espigadora", "El sembrador", "El leñador", etc. , describe la dura lucha de los trabajadores contra la pobreza y la naturaleza. "Volga Tracker" de Repin muestra la trágica vida del pueblo ruso y su anhelo de una vida mejor.
Corot (1796-1875) y los pintores de Barbizon son representantes de la pintura de paisajes realista. Durante las décadas de 1930 y 1950, un grupo de pintores innovadores tomó como base creativa el pueblo de Barbizon, cerca de la zona forestal de Fontainebleau, en los suburbios del sur de París, y se dedicó a la creación de pinturas de paisajes rurales y pinturas de género rural. Esto trajo la pintura de paisajes francesa. a una etapa sin precedentes. Estos pintores recibieron el nombre de Escuela de Barbizon, de la que Corot fue un destacado representante. Las pinturas de paisajes y figuras de Corot son realistas y románticas. En el círculo de la pintura se le considera un "poeta lírico". "El camino bajo los árboles primaverales" y "La memoria de Montfontaine" son sus obras maestras.
Gustave Courbet (1819-1877) fue también un gran pintor realista francés del siglo XIX. Las obras representativas incluyen "O-Nan's Funeral", "Masonry", "Studio", etc. , muestra verdaderamente la vida de los trabajadores y tiene un profundo significado social.
La aparición del Impresionismo se inició en Francia en los años 60 y posteriormente afectó a toda Europa. El arte impresionista se inspiró en los logros de las ciencias naturales de aquella época y prestó especial atención a la innovación de la luz y el color basándose en la realidad. Basándose en los experimentos de física de la época, los impresionistas defendían que el espectro solar era rojo, naranja, amarillo y verde. El cian, el azul y el violeta se utilizan como colores primarios para expresar una impresión momentánea de la naturaleza. Utilizan bloques de colores con pincel para formar imágenes que expresan la "luz exterior" de la naturaleza, tratando de crear una sensación vívida de "luz" y "color" en la imagen. El impresionismo se puede dividir a grandes rasgos en dos períodos. En el período inicial estuvo representado por Manet y Monet, y en el período posterior estuvo representado por Cézanne.
Edouard Manet (1832-1883) es considerado un pionero del Preimpresionismo. Tomó la iniciativa en realizar innovaciones audaces en las técnicas de expresión pictórica, haciendo que sus obras lograran efectos de colores brillantes, pinceladas suaves y efectos novedosos y expresivos. Su obra maestra es "Almuerzo sobre la hierba".
La obra representativa de Claude Monet (1840-1926) es "Impresión del amanecer".
Esta pintura muestra un hermoso amanecer: el sol brillante atraviesa la espesa niebla y se eleva hacia el cielo, el río brilla y hay una hilera de casas borrosas al otro lado. Basándose en esta pintura, un crítico los ridiculizó como "impresionistas", de ahí el nombre de "impresionismo".
Paul Cézanne (1839-1906) es un destacado representante del postimpresionismo. Además de la luz, presta más atención al peso, el volumen, la estabilidad y la grandeza de los objetos. Utilice bloques de color para transmitir tema y profundidad a los objetos. Debido a la innovación de Cézanne en el lenguaje artístico, las generaciones posteriores lo llamaron el "Padre del Arte Moderno". Entre los postimpresionistas, hay dos pintores famosos que ocupan un lugar en la historia del arte mundial: Van Gogh de Holanda y Gauguin de Francia.
Música clásica La música occidental moderna se originó en Italia a finales de los siglos XVI y XVII. En el siglo XVIII, el centro musical se trasladó a Austria y Viena se convirtió en la ciudad musical de Europa, con muchos músicos clásicos de fama mundial.
En el siglo XVII se forman en el campo de la música la Escuela Veneciana y la Escuela de Nápoles. La Escuela de Música de Venecia fue la primera en experimentar con conjuntos instrumentales, utilizando por primera vez los conceptos de "sonata" y "sinfonía". La escuela napolitana influyó en toda Europa con sus vívidas óperas líricas. En Francia, Lurie (1633-1687), conocido como el "padre de la ópera", combinó el sabor italiano con la tragedia clásica francesa para crear las características de la ópera francesa. En Alemania, el compositor Bach (1685-1750) combinó sus creencias religiosas con su amor por la música para perfeccionar la música religiosa. Por eso, a Bach se le conoce como el "padre de la música alemana".
La Escuela de Música Clásica de Viena se formó a finales del siglo XVIII. Entre sus fundadores y principales representantes se encuentran Haydn (1732-1810) y Mozart (1756-1791).
Haydn es conocido como el "Padre de la Sinfonía". Creó una gran cantidad de obras a lo largo de su vida, sentando las bases para la formación del estilo sinfónico clásico. Mozart era un músico talentoso. En su corta vida, *** creó más de 600 obras. Sus obras musicales destacan la acusación y la resistencia contra el autoritarismo, y expresan un lenguaje, pensamientos y sentimientos musicales extremadamente profundos y amplios.
Después de Haydn y Mozart, el alemán Beethoven (1770-1827) se convirtió en el músico más grande del mundo, integrando la música clásica. Compuso nueve sinfonías y una gran cantidad de música para piano y acordes a lo largo de su vida. Beethoven no sólo representa el mayor logro de la música clásica, sino que también fue pionero en la música romántica y tuvo un gran impacto en el desarrollo de la cultura musical occidental.
La Quinta Sinfonía de Beethoven, también conocida como la Sinfonía del Destino, expresa la lucha de la humanidad contra la desgracia con un impulso único y encarna vívidamente el espíritu indomable de la humanidad y su victoria final sobre el destino. Su Novena Sinfonía utiliza técnicas musicales difíciles y exquisitas de diversas maneras para expresar el anhelo de la gente por el futuro. En el movimiento final, la "Oda a la alegría" de Schiller termina con un coro de letras, rompiendo la tradición de la sinfonía y enriqueciendo la interpretación orquestal añadiendo voces humanas.
Música romántica 65438+A principios del siglo IX surge la música romántica. La música romántica se centra en la expresión de emociones personales, fantasías y sentimientos subjetivos, se esfuerza por explorar diversas formas de expresión musical, resalta la naturaleza lírica de la música, tiene muchas innovaciones desde géneros hasta medios de expresión específicos y ha producido una gran cantidad de músicos destacados.
El alemán Weber (1776-1826) y el austriaco Schubert (1797-1828) fueron músicos románticos de la misma generación que Beethoven.
La ópera de Weber "Die Freud", escrita en 1812, es conocida como "la primera ópera romántica, que marcó el nacimiento de la ópera nacional alemana". Schubert fue un gran compositor que compuso más de 600 canciones. Su estilo musical es a la vez clásico y puro, romántico y armonioso, apasionado e imaginativo, lo que lleva sus canciones a un estado más perfecto. Por eso, a Schubert se le conoce como el "Rey de la Canción".
En la década de 1930 la música romántica entra en una nueva etapa, con los músicos alemanes Mendelssohn (1809-1847) y Schumann (1810-1856) como principales representantes.
La obra más destacada de Mendelssohn es “El sueño de una noche de verano”. Esta es la banda sonora de la comedia de Shakespeare del mismo nombre, que lleva al público a la atmósfera onírica y lúdica de las obras de Shakespeare a través de una fantasía poética romántica. Schumann es el sucesor más destacado de la música romántica de Schubert. Entre sus principales obras se incluyen "Carnival" y "Butterfly".
A mediados del siglo XIX, la música romántica alcanzó su apogeo, y surgieron un gran número de destacados músicos de varios países europeos, como Chopin en Polonia, Liszt en Hungría, Berlioz en Francia, Wagner en Alemania. y Bra Meuse et al.
Chopin (1810-1849), conocido como el "piano poeta", dedicó su vida a la creación pianística. Liszt alguna vez fue famoso por sus interpretaciones de piano, incluida la Rapsodia húngara.
Es una ópera que expresa plenamente el espíritu romántico de la música del siglo XIX. El centro de creación y actividad de la ópera se encuentra en Italia, representada por Rossini y Verdi.
Las obras de Rossini tienen hermosas melodías y magníficas técnicas. Es el creador del bel canto. Verdi llevó la creación de la ópera romántica italiana a su apogeo. Compuso 27 óperas, entre las que "La Traviata" y "Otelo" son sus obras inmortales. Los logros en la creación de ópera del francés Bizet también son muy altos, y su mejor obra es "Carmen".
En la segunda mitad del siglo XIX, la música ligera surgió por primera vez en la vida musical austriaca, y sus principales representantes fueron la familia Johann Strauss, famosa por componer el "Vals de Viena".
El fundador del vals vienés es Johann Strauss padre (180-1849), y el más destacado es Johann Strauss hijo (1825-1899). El vals de Strauss el Joven tiene un ritmo brillante y elástico, una melodía melodiosa y suave, ligera, hermosa y llena de vida. Creó más de 400 obras a lo largo de su vida, entre ellas "El Danubio azul", "El sonido de la primavera", "La historia de los bosques de Viena", "El hermoso mayo" y otros valses. Strauss el Joven es conocido como el "Rey del Vals".
A mediados y finales del siglo XIX, con el despertar de la conciencia democrática nacional en los países de Europa del Este, los productores literarios y artísticos progresistas tenían un fuerte deseo de deshacerse del dominio cultural extranjero y crear su propia cultura nacional. cultura. Muchos de ellos se dedicaron al resurgimiento de la música étnica y fundaron escuelas de música étnica. Rusia tiene los mayores logros en la creación musical nacional. Tchaikovsky (1840-1893) es el compositor más destacado de la escuela nacional de música rusa.
Las obras representativas de Tchaikovsky incluyen "Obertura fantástica de Romeo y Julieta", ballet "El lago de los cisnes", "La bella durmiente", ópera "La dama de picas", etc. Las imágenes melódicas vívidas, profundas y vivaces creadas por estas obras tienen un atractivo incomparable y se han convertido en un tesoro de la cultura musical rusa e incluso mundial. Tchaikovsky es conocido como el "Maestro de la Melodía". Entre los músicos famosos del Conservatorio Nacional de Música se encuentran Shkrop, Smetana y Dvořák de la República Checa, Eike Zhi de Hungría y Zalinski de Polonia.