¿Podrías presentarnos al director de cine japonés Suzuki Kiyojun?
El estilo básico y las características de Suzuki Seijun, así como su importante experiencia en la industria cinematográfica, han sido descritos en otro artículo publicado por Vientiane, "El mundo de los sentidos - Viajando en Japón a Reflejar imágenes" Elaborar. No hay necesidad de desperdiciar palabras aquí.
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Mi amigo Pang Nu (interpretado por Li Zhaoxing) señaló sucintamente el clásico de Susan Sontag en el artículo "King of Camp Movies Suzuki Kiyojun" El artículo "Camp Notes" (ver "Hong Kong Economic Daily" del 17 de julio de 1996) es la única manera de entender el mundo de Suzuki Kiyoshun. Las características estéticas del camp: artificialidad, exageración e interpretación estilizada pueden citarse en las películas de Suzuki Kiyoshi. Ya sea el escenario de Seijun Suzuki en "Tokyo Drifter" (1966) o el bar occidental en "Tattoo" (1965), reflejan plenamente la comprensión del director sobre el arte del diseño e incluso sobre todos los elementos de decoración visual. Coincide con el olor del camping. Estos elementos superficiales del estilo visual son bien conocidos y no requieren mayor análisis.
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Son los diversos significados materiales y espirituales detrás de la estética camp. Creo que será más esclarecedor comprender el mundo de Suzuki Kiyoshi. Como señaló Susan Sontag, el sabor camp sólo puede aparecer en sociedades ricas o arraigarse en ciertos círculos que pueden experimentar los efectos psicopáticos de la opulencia. El estado de exceso que acompaña a la riqueza no sólo se refiere al nivel material, sino que también incluye el nivel cultural y espiritual. Suzuki Seijun vivió en una era de sobresaturación cultural con el cine como medio. Una vez mencionó "Battle Elegy, 1966" en su artículo "Imágenes del fin del siglo" (Literatura china, volumen 22, número 8), que parecía ambiguo. Ante esta situación, Suzuki Kiyojun sólo puede lamentar que las películas del pasado lo envuelvan como gusanos, que son razonables y difíciles de explicar.
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Pero es precisamente debido a esta saturación cultural que resulta ser el mejor terreno para el crecimiento de la estética camp. La estética tradicional persigue el objetivo final, respeta la dignidad y la seriedad de la cultura de la clase alta y toma la armonía como dirección. Después del bautismo de los artistas del siglo XX (como Rimbaud y Kafka), el arte puede convertirse en una representación de la creación constante de conflictos y del uso de la violencia para lidiar con luchas espirituales internas. Lo que Camp afirma es sólo una sensibilidad que valora el fracaso, una expresión dramática de la experiencia, basada puramente en la estética y que no implica juicio moral. Suzuki Kiyoshi heredó el sistema de director de estudio (compárese con "To Matsutake" de Ozu Yasujiro, "To Kurosawa" de Kurosawa y "Toho" de Naruse Mikio), y no tiene ninguna posibilidad de ser como la generación anterior. El director utiliza los lazos familiares personales como tema. para mostrar su mundo. Pero al mismo tiempo, no hay pares ni rezagados de edad similar, como Nagisashima, Imamura Shohei, Yoshida Yoshige y Shinoda Masahiro, que compitan por el primer lugar en el experimento. En una posición atrapada, Suzuki Kiyoshun cumple con su deber como director de películas de entretenimiento producidas por estudios japoneses y regresa a la esencia de la estética camp: partiendo del disfrute y la apreciación en lugar de juzgar y evaluar primero. Un amor por la humanidad, incluido un vívido; muestra de gusto vulgar.
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¿La mayoría de las películas yakuza de Seijun Suzuki se estrenaron como "extras" de dos tomas en las décadas de 1950 y 1960? Audiencia en vivo. Curiosamente, el "lector modelo" y el "lector empírico" de la obra misma (ver "Seis paseos por el bosque ficticio" de Umberto Eco para una explicación) son obviamente muy diferentes. Los "lectores experimentados" que realmente aprecian este lote de obras en el tiempo y el espacio deberían ser los que deambulan por los callejones, ¿verdad? Gente sana. La manipulación de los personajes por parte del director de la película casi se convierte en una burla paralela a los "lectores experimentados" del teatro. Por supuesto, en la superficie, la representación humorística de los héroes en las películas de gánsteres puede ser una falta de respeto a la experiencia habitual de ver películas de los "lectores experimentados", pero en esencia, devuelve al protagonista al nivel de un perro ahogado; Todo tipo de cosas indescriptibles en perspectiva. Las peculiaridades del habla y las debilidades de la naturaleza humana se vuelven a poner en el texto, permitiendo que la obra recupere el terreno de la realidad. Irónicamente, los "lectores ejemplares" de la obra que descubrió los tiempos cambiantes resultaron ser un grupo de intelectuales, personas que realmente entendieron y disfrutaron la estética cinematográfica camp del mundo de Suzuki. Suzuki Kiyojun trabajó duro durante toda su vida para resistir cualquier intento de institucionalizarse, e incluso ridiculizó su propio "Kanto Wanderer" (1963) como sólo algunas de las llamadas "ideas" que eran esencialmente inferiores a las de otros directores japoneses (como Kato Yasushi). película de gánsteres.
"No hay duda de que Kanto Wanderer tiene ideas, pero también refleja que una vez que tienes una idea para un trabajo, no tienes que prestar atención a lo aburrida que es la película. Este es el peligro de la orientación académica". Consulte "Branded to El libro "Thriller: Suzuki's So Pure and Delirious Film", ICA, 1994, "Suzuki on Suzuki") Desafortunadamente, el destino siempre le enseñó a asociarse con intelectuales. En 1967, Suzuki Kiyojun fue despedido por el presidente de Nippon Life, es un grupo de personas que se manifiestan para "vengarse" de él.
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Mirando hacia atrás, es una parodia o incluso una subversión del género. Las obras de Suzuki Seijun desde esta perspectiva no son unilaterales. De hecho, en sus primeras películas de detectives, generalmente seguía las normas del género y agregaba técnicas e ideas únicas a tomas y escenas individuales, haciendo más atractivas sus obras desde La voz sin una. Shadow, 1958) hasta The Youth of the Beast, 1963) Posteriormente, añadió elementos alternativos a sus obras, proceso que se repitió muchas veces: como que "Tokyo Wanderers" fue encargado por "Daily Life", porque Seijun Suzuki se fue. demasiado lejos con La generación tatuada La consideración más profunda es que el juego de Seijun Suzuki con el género en sí es esencialmente el mismo que el concepto de plaza pública de Bakhtin, la norma de la película tradicional de gánsteres. Es una fuerza centrípeta dominante, y los elementos de Suzuki Seijun. que no se ajustan a la norma, como una gran cantidad de colores primarios (como "La puerta de la carne", "Tokyo Wanderers"), fuertes vientos no provocados (la historia de Haru Girl y Kawachi Carmen), Los cambios (Tokyo Wanderers) se condensan todos en una fuerza centrífuga. La fuerza centrífuga es un desafío a la fuerza centrípeta, pero no pretende subvertir ni reemplazar, sino enriquecer el orden original y encarnar un espíritu de progreso sino de afirmación de convivencia. En este sentido, el trabajo diario de Suzuki Seijun se posiciona de manera diferente a la de los directores generales de la Nueva Ola japonesa que intentan destruir el sistema organizativo y establecer un nuevo orden. Esto es fundamentalmente diferente de la actitud de Suzuki Seijun. desarrollar y celebrar la cultura de élite a toda velocidad; Suzuki Kiyoshi está preocupado por el diálogo entre la cultura de élite y la cultura popular (tenga en cuenta que de ninguna manera es una cultura anti-élite), lo cual es consistente con la teoría del posmodernismo
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Quizás la risa en el trabajo de Suzuki Kiyoshun sea más reveladora. Ian Burma es un cineasta excéntrico. Imagination cree que la risa en las películas de Seijun Suzuki es una forma de afrontar el miedo a la violencia. tranquilidad." (ibid., citado en ICA. Libro) Sucedió que entendió a Seijun Suzuki sólo al pie de la letra. Sonríe. De hecho, la risa en las obras de Suzuki Kiyojun tiene la ambigüedad y la dualidad de la risa en la teoría del carnaval de Bakhtin. En "Carnival", la risa contiene tanto sarcasmo como broma, así como alegría y tranquilidad, una combinación de elogios y culpas y SHISHIDO JO es la base principal para que Suzuki Kiyoshun exprese la ambigüedad de la risa. El ídolo de Suzuki Kiyoshun, Yukiko Yuanbao, parece feo e insignificante en comparación con los ídolos juveniles populares (como Seishiro Ishigaki, Asahi Kobayashi, Tetsuya Watari e incluso Hideki Takahashi). Pero a menudo aparece como un "hombre sabio" en sus obras. Su risa silenciosa se convirtió en la única pista que dejó el asesino. Detective Bureau 2-3: ¡Vete al infierno, bastardo! , 1963) y "La juventud de la bestia" están llenas de risas y aumentan el placer de luchar con oponentes Branded Killing, 1967) es más complicado; En la competencia con el asesino número uno, la alegría y el ridículo (incluso hacia él mismo) conviven en la risa, y él afronta con calma la situación de ser un peón en el juego designado. En otras palabras, la sonrisa del dueño de la cueva se burla constantemente de sus oponentes (los oponentes en la pantalla y la audiencia fuera de la pantalla), y también disfruta plenamente del placer y la relajación del éxito (aunque sea de corta duración). Los héroes que interpreta (ya sean leales o traicioneros) a menudo disfrutan enfrentando los desafíos de la realidad y buscan placer en los juegos; la pista oculta es que los "hombres sabios" (élites) están plenamente involucrados en la vida de la cultura pop, que siempre conduce a Diálogo y no confrontación.
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Susan Sontag dividió el campo en el campo inocente y el campo deliberado: el primero es involuntario, pero los árboles dan sombra (como los artesanos del Art Nouveau); Estos últimos lo hicieron deliberadamente para debilitar el efecto disuasorio del campo. Ciertamente hubo un elemento deliberado en el campamento de Suzuki Kiyojun; sin embargo, su poder no se vio comprometido en el proceso de "acampar". Creo que es porque tiene el elemento central del campamento: la seriedad. Su seriedad respecto de la frivolidad, el fracaso, la inmoralidad y el placer, naturalmente, no se expresaba de manera formal. Como dije, Suzuki Seijun amplió la gramática del lenguaje de la película policial y los chistes te harán reír cuando los escuches.
Sin embargo, dado que todo está dialécticamente unificado, el mundo cinematográfico de Suzuki Kiyoshi es de hecho una especie de "dulce cinismo".
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La paradoja más profunda es que Suzuki Kiyoshi estableció el orden estético del rey de las películas camp con películas de gánsteres, manipulándolas vívidamente con escritura de juegos y mentalidad de broma. Al mismo tiempo, el porno suave se puede utilizar para rendir homenaje a las mujeres, y la forma que siempre se ha utilizado para explotar a las mujeres se puede inyectar con nueva vida. Entre ellos, Nogawa Yumiko es una importante pieza de ajedrez en sus manos para transmitir emociones. Sus obras en esta área incluyen "La era de la desnudez" (1959), "Nada sale como quieras" (1960), "La puerta de la carne" (1964) y "La historia de una niña de primavera". Entre ellas, las escenas de sexo generalmente son manejadas y nunca satisfarán a la audiencia; entre ellas, "Body Gate" es más famosa y es la segunda adaptación de la historia. Ya en 1948, Mumaya-Kino Masahiro ya había adaptado esta famosa obra de Tamura Taijiro. Ese mismo año, Mizoguchi Kenji también publicó "La mujer de la noche" (1948), una novela sobre prostitutas. Las dos obras encontraron diferencias. La primera es casi imposible de copiar, pero la segunda es famosa en la historia; la nueva versión de Suzuki Kiyoshi en 1964 no pretendía corregir su caso. Más importante aún, Suzuki Seijun rompió la antigua y conservadora tradición de las películas japonesas; las mujeres no deberían disfrutar del sexo. En "Body Gate", Yumiko Nogawa asume la responsabilidad de la felicidad con total autonomía (habiendo visto antes el sufrimiento de sus predecesores). Suzuki Seijun dividió a las cuatro prostitutas en cuatro colores (rojo, amarillo, verde, azul), entre los cuales el verde domina el vestido de Maya, interpretado por Yumiko Nogawa, y el verde es exactamente el símbolo de la paz en el sistema simbólico de Suzuki Seijun.
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La estética camp a menudo tiende a despolitizarse, y Suzuki Kiyoshi básicamente no es una excepción, sólo "The Legend of Spring Girl" y "Elegy of Violence" tienen más política; Al leer significados, también mostró desconfianza hacia el camino imperial japonés. "La leyenda de la muchacha de primavera" plantea la cuestión de la lealtad al país a través de la deserción de los soldados. Como resultado, el soldado interpretado por Kawachi Minio eligió a Yu Zhong y no obtuvo buenos resultados. Por un lado, "La leyenda de Spring Girl" critica fuertemente la hipocresía del militarismo, al mismo tiempo, a través de la transposición de hombres y mujeres, Nogawa Yumiko destaca a las mujeres como héroes en la guerra; Pero el mensaje político de "Elegía por la violencia" no es tan obvio como el de "La leyenda de la muchacha de primavera". El guión de "Elegía de la violencia", escrito por otro famoso director japonés, Shindou Kaneto, era originalmente como una obra que representaba la juventud, la violencia y el sexo. KIROKU, interpretado por Hideki Takahashi, está enamorado de Michiko, la hija del dueño, su deseo físico no tiene dónde desahogarse, por lo que lo convierte en puños para compensarlo; Su amor puro por Michiko está disperso, lo que en realidad es un reflejo paralelo de la hermosa visión de violencia y poder. Al final de la película, se presagia la admiración de Kioku por la profesora de haiku MISA. MISA fue originalmente la teórica revolucionaria japonesa Kita Iggy. La admiración de KIROKU por él simplemente satisface sus fantasías sobre sexo y poder al mismo tiempo: Kita Ikki no sólo es el ídolo en los corazones de los jóvenes soldados, sino que también tiene una aventura con una hermosa camarera en un pequeño pueblo, el sexo y el poder son perfectos; unificado en él. Es una pena que tanto KIROKU como Michiko murieran en vano, lo que demuestra que su deseo de poder también es una imaginación ilusoria y que eventualmente terminará en ser traicionado. Para entender el significado de la película, tenemos que explicar a Kita Ikki. Kita Ikki fue un teórico apoyado por la generación más joven de oficiales militares (1883-1937). Ya en 1919, publicó el "Esbozo del proyecto de ley de reforma japonés", defendiendo que el gobierno nacionalizara todo. El objetivo no es perseguir el productismo, sino consolidar las bases de la política nacional y servir al emperador. Tuvo mucha suerte y planeó el famoso Incidente del 26 de febrero de 1936. Animó a la familia real a enviar oficiales militares para llevar a cabo un golpe armado, exigiendo que mataran a un grupo de ministros y que se estableciera una dictadura militar para el emperador. Desafortunadamente, sin la aprobación del emperador, se le ordenó reprimir el golpe tres días después y Kitaki fue condenado a muerte como jefe de estado. De hecho, Yoshida rehizo posteriormente este incidente en Justicia militar (1973) y se convirtió en la inspiración que obtuvo de Amor y masacre (1969). El final de la trilogía. La mayor revelación de todo el incidente del 26 de febrero es que Kita Ikki se sintió traicionado por el emperador porque no apoyó el levantamiento en nombre del emperador. El joven oficial también creía que Corea del Norte lo había traicionado porque no había estado a la altura del idealismo que predicaba. En cuanto a la última escena de "Elegía de la violencia" de Suzuki Seijun, insinúa que KIROKU irá a Beijing para seguir a Corea del Norte. Esto no sólo presagia su futuro trágico final, sino que también expone los sueños de la infancia que han sido erosionados por los adultos. fin de la hipocresía y los fines políticos.
Un canto fúnebre de violencia que incluía, pero antes de que pudiera conquistar, estaba muerto.
Suzuki Kiyojun ()
Nació el 24 de mayo de 1923 en Tokio. Después de graduarse de la escuela secundaria de la prefectura de Aomori, fue admitido en el recién creado Departamento de Cine Kamakura Gakuin y luego se unió a Matsutake como asistente de dirección. No fue hasta 1954 que pasó al trabajo diario y lanzó una impresionante estética de ilusión artificial. Desafortunadamente, en 1968, el entonces presidente de Nishou Horizo pensó que Suzuki Kiyojun acababa de hacer algunos "trabajos incomprensibles" y lo despidió. Después de manifestaciones masivas de la comunidad cultural, Xizi acordó disculparse y ofrecer una compensación. Al entrar en la década de 1980, Suzuki Kiyojun comenzó la creación de la "Trilogía Taisho" (Wanderer's Song, Sunset y Dream II), enfocándose en mostrar su mundo de sueños.
Cronología de las obras cinematográficas de Suzuki Seijun
1956 "Brindis por Hong Kong. La victoria está en mis manos" (Harbor Toast: La victoria está a nuestro alcance
(中)
La pura emoción del océano.
El pueblo de Satanás.
1957 “Floating Grass Inn”
Ocho horas de terror.
Desnudez y armas.
1958 La Belleza del Inframundo
"La Primavera Nunca Llega"
Senos Jóvenes (Senos Jóvenes)
1959 "Sin Sombras" Sonido "
Carta de Amor (Love Letter)
Pasaporte a la oscuridad.
La era de la desnudez (La era de la desnudez)
1960 Apuntando al coche de policía
El sueño de la bestia.
Línea Cero Secreta
Todo puede salir mal.
"¡Vete al infierno! Gangsters" (Lucha contra los delincuentes juveniles).
El grupo de Viento Juvenil viaja en el tiempo.
Yamaguchi)
Caballeros de Tokio de 1961
El gran jefe que no necesita un arma.
Hombre empuñando una escopeta.
El agua color rojo sangre en el canal.
"Million Dollar Smash and Robbery"
1962 Teenage Gangs
La gente que apostó a que yo ganaría.
1963 “Dragón y Serpiente” (Juego Decisivo 23. ¡Vete al infierno, bastardo!)
La juventud de la bestia.
Ese bastardo
KANDO Wanderer
Marcado para matar
1964 "Flores y olas furiosas"
El Puerta de carne.
Nuestra sangre no lo permite.
La historia de una prostituta en 1965
La historia de un hijo ilegítimo.
Una mala estrella)
"Generation Tattoo"
1966 "Carmen de Kawauchi"
Tokyo Drifter
Elegía de batalla
Una historia triste
1980 Canción de gangster (ZIGEUNERWEISEN)
1981 Teatro Heat Haze
1985 "Las lágrimas de Capone"
1991 YUMEJI