Introducción a Lei Nai
La mayoría de las películas de Resnais se centran en los recuerdos de las personas y expresan la ansiedad interior a través de vídeos visibles. Esto probablemente explica por qué a menudo utiliza la estrategia narrativa de la inversión del tiempo y el espacio y técnicas de expresión relacionadas en sus creaciones. cierto misticismo. En un momento dado, durante una entrevista con la revista francesa Atelier, le preguntaron: "¿Siempre se ha considerado un ateo místico?". Renai respondió: "Robé esta cita de un filósofo alemán humorístico... Es una buena definición. Tenemos una sensación clara de que hay algo más allá de nosotros. Nos enfrentamos constantemente a problemas complejos como la composición de la naturaleza, los hábitos de los insectos y la reproducción de la vida... ¿Quién es el responsable de todo esto? La transición no es algo malo. Quizás tengamos que inventar todas las máquinas que nos permitan viajar en el espacio. Cuando pienso en todo esto, me vuelvo místico... No creo en la existencia de un Dios fantasmal, no creo en él. Dios o Jesucristo, y no estoy seguro de que todas las manifestaciones de la vida sean pura coincidencia”. Alain Lesnais nació en Brita el 3 de junio de 1922. Proviene de una familia de clase media en la pequeña ciudad de Vana, en Nigeria. Su padre es farmacéutico. A Resnais le encantaba leer cómics desde que era niño y le fascinaban las películas. Frecuentaba un cine llamado "Rabbit Forest". En 1935, cuando Resnais tenía 13 años, sus padres le regalaron una cámara de 8 mm como regalo de cumpleaños. Su primera película, Fang Thomas, fue una película muda de tres minutos basada en una novela popular de la época, protagonizada por niños de la ciudad de Vana. Ese mismo año también produjo un cortometraje llamado Las aventuras de Guy. Aunque no se completó, mostró el gran interés del joven Renai por el cine.
Renai era frágil y enfermizo desde que era un niño y vivió con una enfermedad toda su vida. Esta puede ser la razón por la que no pudo completar sus estudios con normalidad y luego hizo una pequeña cantidad de películas. Recordó: "Desde los cinco años tuve ataques de asma todas las noches... A veces los ataques duraban tres días y tenía que dejar la escuela y sentarme en un sillón todo el día. Ni siquiera podía acostarme, era ... Insoportable." Debido a razones físicas, Resnais ni siquiera pudo tomar el examen de graduación de la escuela secundaria. Cuando tenía 14 años dejó su ciudad natal y vino a la capital, París, principalmente a causa del asma, porque en comparación con Bretaña, París no es tan húmedo y los ataques de asma no son fáciles. Otro motivo por el que Renai vino a París fue que alejarse de casa también era importante para su recuperación. Al crecer en una familia católica, Renai no pudo evitar sentirse frustrada: "En la familia reinaba una atmósfera de catolicismo demasiado seria y tenían opiniones muy específicas sobre las películas que se proyectaban en París. Cuando vine a la capital para conocer gente en la industria del entretenimiento, tuve la sensación de una maravillosa sensación de libertad. Es un mundo donde las personas con diferentes opiniones pueden expresarse plenamente. Tienen curiosidad por todo y buscan constantemente algo nuevo... Sí, me encanta este círculo. ”
Al hablar de su sueño de niño, Resnais dijo una vez: "Quiero ser escritor y actor, pero siento que mi talento no es suficiente, o más importante, no lo soy. Saber cómo ser un buen actor en lugar de ser un mal actor es una preocupación terrible, después de todo, tomé lecciones de pronunciación con René Simon... a veces lo hacía bien y de repente no me iba bien en un estado tan caótico. Me sentí agotado y rápidamente abandoné la idea de convertirme en actor, así que comencé a trabajar como empleado en una librería en Busy Street. Pensé que pronto podría abrir una pequeña librería filmando películas en 16 mm en mi tiempo libre. Me siento muy satisfecho." Cuando trabajaba como amigo en una librería, un editor de cine le dijo que la Escuela Superior del Cine estaba a punto de crearse y le aconsejó que no se enterrara en la librería.
Del 65438 al 0944, Resnais ingresó en la recién nacida Escuela Superior de Cine de París para estudiar edición. Poco después de inscribirse, abandonó porque estaba decepcionado de que su enseñanza fuera demasiado teórica. Más tarde, un productor que Resnais conoció mientras trabajaba como asistente de edición accedió a dejarle realizar varios cortometrajes. A partir de 1946, Resnais realizó una serie de documentales que mostraban la vida del pintor y sus pinturas. Por ejemplo, Van Gogh (1948) reconstruyó de forma cinematográfica la vida del pintor a través de la razonable disposición de sus obras, y Guernica (1950) mostró la experiencia de Picasso en la creación de cuadros antifascistas como el famoso cuadro "Guernica", al igual que An. Relato de la Guerra Civil Española, Escultura Muere (1953).
El tipo de película realizada por Resnais se llamaba en Francia film d'art en ese momento, lo que puede traducirse literalmente como "película de arte" en chino. Debido a que este tipo de película toma la pintura como objeto de expresión, también se puede traducir como "película de pintura", y debido a que este tipo de película pertenece a la categoría de documental, también se puede traducir como "documental de pintura". Este tipo de documental tiene tres finalidades: crear una biografía o contar una historia del pintor, rodar una película poética y actualizar los medios de crítica de la pintura. Además, Resnais también realizó algunos otros documentales, como "Memoria del mundo" (1956) y "La canción de estireno" (1958). Durante este período, Resnais también participó como editora en la creación de películas de otros directores, especialmente "Short Point" (1954), creada por la directora Anise, conocida como la "Madre de la Nueva Ola". novedoso. La concepción artística única de esta película, como la interacción entre la conciencia, la pasión y el mundo real, inspiró directamente la inspiración creativa de Resnais. En 1955, Renai completó el rodaje del documental "Night and Fog", que se quejaba de las horribles atrocidades en los campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Siempre ha sido reconocido como una obra maestra del documental. Un crítico escribió: "Ninguna descripción, ninguna imagen puede capturar fielmente la verdadera dimensión de esos horribles acontecimientos: el terror interminable e implacable. Para hacer eso, necesitamos encontrar los colchones que esconden los restos de comida, y la gente que lucha por las mantas. los repetidos gritos y maldiciones que teníamos que dar, las constantes órdenes en varios tonos y las escenas en las que las SS aparecían repentinamente para realizar controles al azar o simplemente para burlarse de los prisioneros, solo podemos mostrarles los estantes vacíos y las sombras de En ese cuartel de ladrillos, también hay quienes estaban muertos de miedo. Sin embargo, Renai mostró con éxito las escenas crueles de ese momento a través de su técnica única.
Primero, combinó el pasado y el presente (es decir, el momento en que ocurrió la atrocidad) y Renai lo filmó (el momento de la película) está separado. El documental en blanco y negro filmado por Resnais durante la liberación del campo de concentración por las fuerzas francesas y aliadas muestra el pasado brutal, mientras. la película en color que rodó muestra la cara actual del mismo lugar: una escena tranquila de la vida cotidiana, bastante cálida, es difícil discernir las huellas de los horrores pasados. Estos fragmentos coloridos son como recordatorios del pasado en mapas turísticos y postales. , pero no reflejan gran parte de la verdad histórica. El público inevitablemente se preguntará: ¿Esta hierba verde y exuberante se nutre del fertilizante particularmente fértil que quedó del pasado?
En segundo lugar, se utiliza el punto de cruz. para mejorar el contraste entre los dos períodos, a menudo conectando algunas fotos estáticas y moviendo la cámara para enfatizar algunos detalles, al tomar la escena actual, la cámara se moverá continuamente, ahora estaba estancada; Es fluido y aún no se ha finalizado. La comprensión del pasado y el presente es muy insuficiente. Cuando Resnais pasa rápidamente del pasado al presente, los comentaristas a menudo hacen preguntas que muestran que tenemos poca memoria del pasado y poca comprensión del hoy. : "¿Quién puede hacer todo?" ¿No es inútil pedirnos que hagamos lo mejor que podamos para recordar el pasado? ¿Qué legado físico dejaron estos campos de concentración? ¿Las personas que construyeron los campos de concentración ignoraron esta cuestión? ¿Fue difícil de entender para las personas que fueron torturadas aquí? "Esta pregunta parece ser una de las pocas afirmaciones que probablemente sean aceptadas, porque puedes responderla de cualquier manera.
En tercer lugar, a través de explicaciones inspiradoras, despierta el pensamiento de la audiencia. Cuando las explicaciones enumeran espantosas Atrocidades, el director secuencia estas experiencias a través del montaje, tal como los nazis registraron cuidadosamente estos eventos en la película en blanco y negro que vemos.
Para mantener sus registros en orden, estos nazis etiquetaban a sus víctimas con estrellas doradas, patrones, triángulos rojos o las primeras letras de las palabras alemanas "noche" y "niebla" (la abreviatura NN en alemán significa persona con nombre desconocido). Incluso la sociedad de los campos de concentración estaba estrechamente organizada en una sociedad jerárquica claramente marcada: abajo estaban los prisioneros (la columna estaba dividida en muchos detalles, como las víctimas), luego los prisioneros que dirigían a los prisioneros y arriba estaban los SS; Oficial del ejército; en la cima está el comandante de las SS.
Sin embargo, esta jerarquía, dividida por un lenguaje cuidadoso, queda completamente socavada en la película. Lo que vimos fueron montones de cadáveres mutilados, dispersos y desnudos. No pudimos decir la edad ni el sexo de los fallecidos. Escuche la misma respuesta de quienes sirven como administradores en esta jerarquía: "¡No es mi responsabilidad!" El interno que administra a los internos dice: "¡No es mi responsabilidad!" "El oficial nazi dijo: "¡Esto no es mi responsabilidad! "Todos los involucrados lo dijeron... El narrador de la película es el único que plantea objeciones, que pueden expresarse significativamente como la pregunta: '¿Quién es entonces el responsable?'" "En 1959, Resnais completó el rodaje de "Hiroshima Mon Amour", que también fue su primer largometraje. La historia tuvo lugar durante la noche en Hiroshima, Japón. La heroína "ella" era una actriz francesa que vino a Japón para rodar una película. sobre la paz. El protagonista "Él" es un arquitecto japonés. Se conocieron el día anterior y ambos tenían una familia feliz, pero pronto se enamoraron de él en su casa. Fue durante la Segunda Guerra Mundial cuando ella se enamoró. Se enamoró de un soldado alemán en su ciudad natal de Naville, pero el soldado alemán fue asesinado el día que Naville fue liberado. Le afeitaron la cabeza. Debido a que se enamoró de un soldado alemán, sufrió humillación y se volvió loca por un tiempo. Más tarde, fue a París. Fue el día en que Hiroshima fue bombardeada con la bomba atómica. Después de romper con él, "ella" regresó al hotel porque no podía soportar la soledad y la soledad. , y se encontró con "él" vagando por la calle. Él le rogó que se quedara, pero ella no pudo olvidar su casa en París. Al final, los dos se despidieron llamándose con nombres simbólicos. ¡Hiroshima! "Él: "¡Naville!"
La película abandona por completo la historia tradicional y la estructura narrativa lineal. A través de una gran cantidad de "flashbacks" y voces en off, rompe los límites del tiempo, el espacio y lo externo. Descripción de la trama, y combina el pasado con el pasado, la experiencia y la descripción de la experiencia se entrelazan, mostrando la pesadilla provocada por la guerra en la discusión sobre la memoria y el olvido, la experiencia y el tiempo. La representación del pasado en la película no se limita a la memoria del pasado, sino que está profundamente "incrustada" en el presente, formando una estructura metafórica. La combinación del pasado y el presente constituye el tema temporal de la película. El amor entre los dos protagonistas, que tienen familias felices, obviamente no se entiende como amor en el sentido general, sino como un símbolo. Las experiencias personales de las chicas Neville no se pueden comparar con el impactante desastre de Hiroshima. Sin embargo, Resnais conectó deliberadamente los dos mundos con gran disparidad, enfatizando la crueldad de la guerra con un contraste único. Dos eventos que ocurrieron en diferentes lugares están conectados a través de pistas temporales ("ella" es el día en que "él" se encontró con el desastre en Japón después de la liberación de Francia), rompiendo así aún más los límites espaciales entre eventos y convirtiéndose en recuerdos humanos eternos.
En términos de expresar la "corriente de conciencia" interna de los personajes, se puede decir que "Hiroshima Mon Amour" es una película excelente. Margaret Dura, una famosa escritora de la Nueva Escuela de Novela francesa, proporciona una historia sólida para la película, y la técnica del "flash cut" (es decir, un flashback muy corto) creada por Renai muestra con éxito la profundidad de la conciencia del personaje. Flujo instantáneo. El recuerdo del pasado de la heroína altera por completo el orden cronológico, mostrando una gran aleatoriedad y saltos. Esta película es también un exitoso intento de combinar a la perfección literatura y cine. La hermosa narración fuera de campo y el tono lírico aportan un fuerte color literario y artístico a la película. Además, la exploración de Resnais de los temas de la memoria y el olvido en esta película también se convirtió en el tema de una serie de películas importantes de él posteriormente. En 1959, la película ganó el Premio de la Sociedad Internacional de Críticos de Cine en el Festival de Cine de Cannes (por alguna razón, no participó en la competencia por la Palma de Oro) y el Premio Merlière francés. En 1961, ganó el Premio Nuevo. Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de York a la mejor película en lengua extranjera. En 1961, Renai colaboró con Alain Robbe-Grillet, otro famoso escritor de la Nueva Escuela de Novela, para completar otra obra maestra, Marienbad del año pasado. La película cuenta la historia de un nutrido grupo de invitados reunidos en un lujoso edificio barroco.
Uno de ellos, el Sr. X, le dijo a una mujer llamada A que se conocieron el año pasado en un lugar llamado Marionbad. En ese momento, la Sra. A le prometió al Sr. X que dejaría a su marido M y se fugaría con él. Ahora que ha pasado un año, el Sr. X no está dispuesto a esperar más y convence a la Sra. A para que se vaya con él. Al principio, la Sra. A no podía recordar esos eventos pasados y se negó a admitir que había estado en contacto con X. Más tarde, después de repetidas persuasiones por parte de X, finalmente abandonó a M y se fue con X.
Otra película sobre la relación entre la memoria y el olvido, otra película sin un argumento coherente tradicional, un paso más allá de "Hiroshima Mon Amour", en la que se desvelan las identidades de los personajes y los lugares donde se desarrolla la historia. No son extremadamente confusos. Parece que Resnais está explorando en la película la relación entre realidad y fantasía, así como otras cuestiones filosóficas: las fronteras tradicionales entre realidad y fantasía, verdad y falsedad, presente y pasado, han desaparecido, todo está tan borroso y lleno de contradicciones. x nunca ha declarado claramente si el acuerdo con A en Marienbad el año pasado fue un recuerdo real o pura imaginación, y A nunca ha confirmado claramente que realmente sucedió. Los lugares de reunión mencionados por La relación entre A y M no está clara. Este hombre puede ser el marido de A, su amante o amigo, o incluso su hermano. Además, los lujosos edificios de la película también son un laberinto. La película parece mostrar que no existen límites claros entre la fantasía y la realidad, el pasado y el presente, la memoria y la imaginación; estas cosas se pueden convertir fácilmente entre sí, pero el lenguaje o el pensamiento humano pueden convertirse en realidad: es decir, X finalmente convence a A. y se fue juntos.
Escuchemos la explicación de Resnais: “Un hombre le cuenta el pasado a una mujer, y la mujer niega lo que dijo, y luego parece estar de acuerdo. Quizás, no hay reconocimiento. Podría usarse de varias maneras. Recuento de una frase. Este recuento suena realmente torpe. De hecho, esta es una película basada en imágenes visuales. No podemos decir lo que pasó hoy, ayer o hace un año. qué pensamiento pertenece a qué personaje Realidad y emoción, todo es dudoso, todo es incognoscible, ya sean cosas de la realidad o escenas de sueños... Todo parece un puro experimento también, pensé. Estábamos haciendo esta película en un momento en el que las películas francesas debían tratar sobre la guerra de Argelia. Pero una vez me pregunté si la atmósfera opresiva y cerrada de "Marion Bader" del año pasado no tenía nada que ver con estas contradicciones. ¿Están estrechamente relacionados? Las películas clásicas no pueden transmitir el ritmo real de la vida moderna. En un día, puedes hacer cientos de cosas diferentes, como ir a trabajar, ir al cine, tener reuniones de grupo, y todo el mundo puede sentir esto. La pintura y la literatura ya muestran esta característica. ¿Por qué esta discontinuidad no puede reflejarse en la película, insistiendo en la tradicional estructura unilineal, el presente y el futuro, la memoria y la fantasía, la realidad y la ilusión se entrelazan? las actividades psicológicas del protagonista, volviéndolas confusas y difíciles de desentrañar. Por lo tanto, estas dos películas se consideran la cúspide del cine sobre la corriente de la conciencia (esta última ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1961). Es precisamente debido a la amplia y profunda influencia de estas dos películas en la industria cinematográfica francesa e incluso en la industria cinematográfica mundial que Resnais es reconocido como uno de los directores modernos más destacados y ha tenido un impacto importante en el desarrollo del arte cinematográfico moderno. Se puede decir que lo más importante es que una gran cantidad de flashbacks y el entrelazamiento del pasado y el presente se han convertido en el vocabulario básico del arte cinematográfico.
Aunque el número de obras de Resnais no es grande, cada una es innovadora y la mayoría de ellas son obras maestras. Muriel (1963) aborda el tema de la Guerra de Argelia. La narrativa se intercala con el pasado (el período de la Resistencia) y el presente (el período de auge del capitalismo) de la ciudad portuaria francesa de Boulogne, y la protagonista Muriel nunca aparece en la pantalla. El fin de la guerra (1966) es una obra maestra limpia y perfecta. El protagonista es un viejo revolucionario español que viaja de ida y vuelta entre Francia y España para derrocar al gobierno del general Franco. El tema de la influencia del pasado en el presente vuelve a ocupar un lugar destacado en esta película, pero esta vez Resnais es completamente realista. Otras películas de Renai incluyen: Te amo, te amo (1968), Stavisky (1974), Destino (1977), Mi tío americano (1978), La vida es una novela (65438).
Quiero ir a casa (1989), Fumar/No fumar (1993), Todo el mundo puede cantar esta canción (1997). Entre ellos, "My American Uncle" fue elogiado por explicar el comportamiento humano desde una perspectiva biológica, y "Destiny" describe el conflicto entre el mundo interior y el mundo exterior cuando el escritor escribió la novela.
Renais se ha preocupado por el tiempo de principio a fin, y por el impacto del tiempo en la capacidad de las personas para controlar sus propias vidas. Es muy bueno utilizando métodos únicos de expresión cinematográfica para combinar la realidad con hechos y cosas que han cambiado en la memoria. Más que el trabajo de cualquier otro director de cine moderno, la narración cinematográfica de Resnais no sólo cuenta la historia directamente, sino que también se basa en más elementos inherentes a la forma cinematográfica. El teórico del cine estadounidense Lee R. Bobuk resume los elementos de las películas benévolas como: 1. El tema del tiempo: la influencia del pasado en el presente. 2. Utilizar guiones complejos y de alto valor literario creados por escritores famosos (Dura, Robbe-Grillet, Semplon). 3. Pistas de trama simples combinadas con exploración de temas complejos. 4. Confíe en gran medida en imágenes visuales y menos en diálogos claros. 5. Capte firmemente el ritmo y la velocidad. 6. El uso extremadamente exitoso de flashbacks subliminales, especialmente para crear contraste visual.
(Publicado originalmente en "China Screen", número 5, 2003)