La principal contribución de Renoir al movimiento del realismo poético francés
Las principales aportaciones del realismo poético;
En primer lugar, la actualización del concepto de "realidad"
Jean Mitry alguna vez expresó su opinión sobre la "verdad" del realismo italiano El concepto ha sido evaluado con extrema precisión. Señaló en "Historia del cine": "De hecho, en este estilo, el cineasta no repite ni copia la realidad. Desde la apariencia de la forma, Bona simplemente imita las actividades creadas por la vida, sus procesos emocionales y su movimiento interior. y la creación basada en esto, conserva sólo los aspectos más peculiares y distintivos, y la comprensión de la verdad sólo reside en expresar la "verdad del significado esencial"
2. Uso de lentes
Renoir, que insistió en la producción independiente, utilizó una gran cantidad de tomas de profundidad de campo en sus obras, formando un conjunto de gramática cinematográfica sistemática. Su práctica creativa proporcionó evidencia de la "escena" de Bazin. "teoría de programación". Y ha influido enormemente en la creación de las pantallas de cine modernas. El establecimiento y uso de lentes de profundidad de campo ha hecho una enorme contribución al desarrollo de la "ontología cinematográfica".
En tercer lugar,
El guión cinematográfico hizo brillar en la pantalla las películas francesas de "realismo poético", mostrando una vez más la vitalidad de la vida y el poder de la literatura cinematográfica, y desempeñó un papel importante. papel en la creación cinematográfica durante este período. Directores: Claire, Fidel y Begouel son guionistas de sus propias películas. Renoir y Dewey participaron en la escritura de sus propias películas. El éxito de Carnet, que comenzó como periodista. Por otro lado, su apreciación y capacidad de dirección se beneficiaron principalmente de las ventajas literarias del poeta surrealista Prevert. En la atmósfera surrealista del café "Two Butts" del Barrio Latino, Preve cultivó su talento. El temperamento poético y el talento formaron su alma creativa y se convirtieron en la columna vertebral de todas sus obras.
Esta alma está lejos de estar completamente resumida por el "pesimista" Eryu: “Esto. La oscuridad y la desesperación desde los crímenes del Sr. Ranch hasta Nightgate no son suficientes para reflejar su singularidad o incluso su unidad. La obra de Plevi comienza con una afirmación del pesimismo. Ya que la feroz batalla todo lo conquista y todo lo corrompe, ¿dónde encontrar la salvación sin volver a las raíces y a la infancia? En un sentido más profundo, el tema de Plevet es uno: sólo trascendiendo todo tipo de dificultades y encontrando la mirada de los niños podemos ganar confianza en la vida. Esta visión es poesía, la magia del lenguaje. Pero utilizó el lenguaje de la vida y de las costumbres, que es el lenguaje más popular. ”
En la creación del realismo poético, hay dos malentendidos destacados:
Primero, se ignora la naturaleza audiovisual del arte cinematográfico, lo que se refleja en algunas películas que enfatizan el diálogo. y el diálogo Los guionistas y el papel de la literatura a menudo ignoran que el cine es ante todo un arte visual y auditivo. Este malentendido es muy prominente en las películas de Parnell.
En segundo lugar, la influencia de los grupos artísticos en los individuos. Los guiones cinematográficos durante el período del realismo poético a menudo fueron escritos por varios grandes guionistas, como Presley, Spike y Gene Song, las obras tienden a mostrar cierta similitud. Todas se basan en el mismo modelo dramático, es decir, un sexo trágico. El modelo se trasladó a la realidad de la sociedad civil contemporánea. Los discípulos de Prewitt y Parnell irrumpieron. Estos imitadores mediocres estaban llenos de artesanía y aplanaron el arte del cine. Creación de singularidad e individualidad. Esto continuó durante muchos años hasta el surgimiento del ". Movimiento cinematográfico "Nueva Ola"
Jean Renoir fue un símbolo del realismo poético francés. El verdadero líder del realismo poético, y señaló en "Quince años de cine francés": "Durante la era decisiva de la preguerra En el cine sonoro, René Clair no estaba en Francia, y las obras de Jean Renoir se distinguían por su concepción única y su rico valor estético. Si bien ocupaban sin duda las filas del "realismo negro", fueron pioneros del cine y predijeron en muchos sentidos la evolución del cine. estilo cinematográfico tanto en forma como en contenido.
”
Hijo del famoso pintor impresionista Auguste Renoir, trabajó como guionista, director y actor. Pasó de ser un aficionado a ser un cineasta profesional y se dedicó a la carrera cinematográfica original de Renoir. El trabajo no tuvo éxito, pero tomó prestado de él para cultivar su propia pasión e inspiración creativas, y gradualmente formó un estilo cinematográfico de "juego" único.
En 1928, Renoir reflejó las emociones de los desempleados y marginados. La historia de Gucheng Sai" también fue una película muda. Desde el principio de la película dirigió "Abortion" (1931) y "Bitch" (1931), que le supusieron un éxito inesperado y se convirtieron en un punto de inflexión en su carrera cinematográfica. La creación de "Bitch" hizo que Renoir se diera cuenta claramente de que este era el comienzo de una nueva etapa, es decir, el comienzo del método y camino de creación realista. "Bitch" muestra a una empleada honesta de más de cincuenta años enamorándose de una. La prostituta también se enamora de él y mantiene una relación con los gánsteres de la ciudad, lo que finalmente lleva a la desgracia del empleado. Sin embargo, Renoir supera la interpretación de la novela en realismo. calles de París y las familias del héroe y la heroína El espacio narrativo es oscuro y la atmósfera es rica Esta descripción del lugar y entorno donde se desarrolla la historia, así como la destacada actuación de Michel Simon, un ciudadano parisino que. vive entre gánsteres, en 1932 se estrenó la obra maestra de Renoir "Boudou rescatado del agua" (también conocida como "Boudou rescatado del agua"), un tanto anárquica. La película comenzó a utilizar lentes de profundidad de campo muchas veces al expresar el entorno. De 1938 a 1934, "Tony" de Renoir tuvo una gran influencia en el cine italiano, presagiando su colaboración con Einstein. Escribió sobre la película "A partir de 1934 (Tony), Renoir utilizó sistemáticamente el "plano de profundidad de campo" que revolucionó el cine. Toda la gramática del cine. Sin embargo, no fue hasta la publicación de Ciudadano Kane en 1941 que las películas estadounidenses comenzaron a romper con los métodos tradicionales de edición cinematográfica. Es en este sentido que Roberto Rossini, de. Sika lo considera un pionero. El Tony también marcó el comienzo de las producciones independientes de Renoir. Allanó el camino para el cine económico y estético, logrando lo que el sistema cinematográfico no permitía, pero lo que el público esperaba.
En 1935, Renoir retrató la historia de empresarios viciosos y gente pequeña que se unen para organizar una "cooperativa" en "El crimen de Monsieur Longu" (escrita por Presley). y películas optimistas. La calidez, el encanto, la intimidad y el rico sentido del humor de la película compensan algunas de sus deficiencias técnicas. 1936, adaptación de la obra original de Maupassant "Outing". El siguiente episodio, "Un amor pastoral amargo y breve", también adaptado por Prevert, no fue filmado sino editado por los estudiantes de Renoir. La película no comenzó a proyectarse hasta 1945. Debido al enfoque impresionista, dejó una profunda impresión en la gente al mostrar el paisaje natural.
Entre las obras de Renoir, las dos más importantes son "La gran desilusión" (1938) y "Las reglas del juego" (1939). "La Gran Desilusión" es una obra maestra llena de pacifismo y un estudio microscópico de la historia europea de principios de siglo. Aunque la guerra creó "conflictos entre naciones, la gente de la misma clase se entendería". Meister, en su "Breve historia del cine", habló de la "acción superficial" de la película. Durante la Primera Guerra Mundial, dos soldados franceses finalmente escaparon de un campo de prisioneros de guerra. Su acción real es una metáfora de la desaparición de la antigua clase dominante europea de la aristocracia y el crecimiento de una nueva clase dominante de trabajadores y burguesía. Los prisioneros de guerra son un microcosmos de la sociedad europea descrita por Renoir. Había prisioneros de guerra, profesores, actores, técnicos y banqueros, aristócratas, capitalistas y trabajadores franceses, rusos y británicos. "
Vale la pena estudiar la estructura de la trama de "La gran desilusión". El propósito de la trama de la película para atraer la atención de los fanáticos es expresar el significado del tema. Por otro lado, Renoir diluyó o anuló el significado de la película al dramatizar el tema. Utiliza una forma poco convencional de involucrarnos en el contenido específico del diálogo de la película, lo que tiene el efecto de diluir la trama. Este enfoque se puede ver en muchos lugares de la película.
Y esto precisamente satisface sus necesidades de temas aristocráticos.
Hay dos escenas en las reglas del juego: una de caza, que muestra la muerte de pequeños animales. Después de los disparos, los animalitos cayeron y cayeron muertos. Esta era una danza de muerte y una belleza repugnante. En esta sección de la performance, Renoir la filmó casi en su totalidad utilizando métodos documentales. En segundo lugar, la fiesta aquí trata sobre otro tipo de muerte, sobre la muerte de la academia de danza. Los esqueletos volaban sobre el escenario, se disparó munición real desde el escenario y, finalmente, el piloto murió como un animal pequeño. Este es otro tipo de belleza terrible.
Estas dos escenas pesadas forman el núcleo del significado y la concepción artística de la película. Todo el dolor y la tristeza de la película son subproductos de vivir una vida feliz. También es causado por la filosofía de la clase media de la clase alta. Por ejemplo: dejar que los cazadores furtivos vengan a la villa; dejar a la amante del marido; llevar al piloto a la casa de su hermana, etc. Se puede decir que es un error moderado. La película en sí es un gran juego y todos siguen sus propias reglas en el juego. Todavía hay accidentes en el juego, y son solo accidentes. Nadie se lo toma en serio. Es sólo parte del juego. En cierto sentido, la película refleja el profundo dolor de Renoir. Heredó de su padre el verdadero amor por la vida, pero por otro lado se resistió a participar en el "juego". Lo profundo de esta película es que no acusa nada. Los personajes de la obra son amables y cada uno se comporta de buena fe según su propia naturaleza humana y sus limitaciones sociales. El dolor más profundo aquí es el dolor de la vida. Al mismo tiempo, el propio sentido de moderación de Renoir también se refleja en la película. En "Las reglas del juego", encarna esta actitud amable a través de personajes y tramas específicos. Sin embargo, en medio de una gran desilusión, la moderación ha producido otro resultado. Debido a la ambigüedad de Renoir en su tratamiento de cuestiones relacionadas con la política, las fronteras nacionales, la etnia, la clase y la amistad en los campos de prisioneros de guerra alemanes durante la Primera Guerra Mundial, Goebbels editó la película para convertirla en una película para Películas vistas por alemanes. Se dice que Renoir estaba extremadamente enojado, pero este fue el resultado inevitable del pensamiento "moderado" de su obra.
Las reglas del juego son las mismas que en otras películas rodadas por Renoir, en el sentido de que él mismo decidió el estilo de fotografía. En esta película, continúa con su estilo trabajador desde las zorras hasta las tomas de profundidad de campo, y concede gran importancia a la importancia de la puesta en escena en la película. En su amplio uso de la fotografía móvil, revela las complejas y dramáticas relaciones entre las personas. Esto resalta el humor y el humor francés únicos, así como la actitud artística del naturalismo y el realismo. La gente queda maravillada con el movimiento de la cámara de la película y el uso de lentes de enfoque profundo, que son claros tanto de cerca como de lejos. Porque este era un método de fotografía poco común en ese momento. Esta es también una razón importante por la que esta película a menudo ocupa el primer lugar y es aclamada como la mejor película. Bazin también señaló en "Quince años de cine francés": "Desde este punto de vista, "Las reglas del juego" es una película con un estilo de dirección magnífico, y todavía podemos aprender de sus aspectos técnicos. También dijo: "Especialmente son películas como "El crimen del Sr. Longi" o "Las reglas del juego" las que muestran la madurez del drama, la complejidad de la concepción, la delicadeza de la expresión emocional y la delicadeza de la caracterización. Se puede decir que a partir de Renoir, el cine se ha convertido en un género, un arte maduro que puede rivalizar con la novela."
Renoir nunca se repitió en sus creaciones. No sólo puede hacer películas exploratorias, sino que también puede hacer películas encargadas por el gobierno. Puede rodar películas realistas y películas de época; puede rodar en Francia o Estados Unidos.
Esto no significa que Renoir no sea serio, pero de hecho, sus películas a menudo contienen su contemplación y un fuerte contenido social.
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