Escuelas de Historia del Arte Occidental
A principios del siglo XX, el arte moderno occidental comenzó a tomar forma y el movimiento artístico de vanguardia inicial fue el "animismo".
La palabra "bestia" se utiliza aquí para describir los impresionantes colores y las formas retorcidas de sus pinturas, que obviamente son completamente opuestas a las formas de la naturaleza.
Las obras de nueve jóvenes pintores encabezados por Matisse se exhibieron en el Salón de Otoño Francés del 65438 al 0905. El estilo de la pintura fue sorprendente y causó revuelo en la opinión pública. El comentarista Louis Walkseller vio una pintura con colores salvajes en el medio, pintada por Malgu, imitando el estilo del escultor italiano del Renacimiento temprano Donatello, y dijo casualmente: "Donatello estuvo rodeado por un grupo de bestias salvajes. A partir de entonces, este grupo". de pintores pasó a ser conocida como "Las Bestias Salvajes".
Este grupo de jóvenes pintores encabezados por Matisse no se conformaron con los misteriosos colores del simbolismo, sino que abogaron por una profunda purificación de los colores para expresar con mayor claridad los sentimientos del pintor. La expresión de la emoción es el propósito del pintor animista.
La definición del fauvismo del pintor fauvista Fritz es: "A través de la técnica sinfónica del color, se puede lograr el efecto de la luz del sol. La transferencia del fanatismo (el punto de partida es tocado por la naturaleza) establece la verdad en la búsqueda ardiente La teoría ”
El principio fundamental del brutalismo es utilizar el color como el papel de la luz para lograr el efecto de gestión del espacio. Todos utilizan pinturas planas sin formas ni ilusiones. debe ser purificado y simplificado, y la composición debe usarse para lograr expresión. Coherencia absoluta con la decoración, es decir, sugerencia de movimiento y orden interior. Matisse dijo: "La composición es el arte de disponer los diversos materiales utilizados por el pintor y utilizar métodos decorativos para expresar emociones".
Los pintores fauvistas utilizaron ampliamente temas toscos y colores fuertes para celebrar una expresión feroz de temperamento. basándose en principios estructurales, independientemente del volumen, los objetos y las luces y sombras, utilizando la monocromía pura en lugar de la perspectiva. El maestro de Matisse, Moreau, le dijo una vez: "Debes hacer que la pintura sea simple". Por lo tanto, como representante del animismo, Matisse restauró tenazmente el color a su poder, simplicidad y significado expresivo originales.
De 1905 a 1908 fue el Brutalismo, que posteriormente fue sustituido por el Cubismo.
Splash paint
El action paint, también conocido como action paint, es un arte expresionista abstracto.
El Black Mountain College de Carolina del Norte, EE.UU., ha adoptado el experimento más radical de la educación estadounidense. No tiene un plan de estudios prescrito. Entre las ideas de vanguardia importadas del Black Mountain College y de Europa se encontraba una teoría artística de la automatización surrealista practicada por el pintor español Miró. Roció pintura sobre el lienzo y luego movió el pincel mojado en pintura de un lado a otro por el lienzo. Esta automatización técnica inspiró directamente a los pintores activistas estadounidenses. El estilo de escritura de Masson es más relajado que el de Miró. Todo el lienzo es un estallido de líneas, una descarga de colores temblorosos. Tuvieron una influencia directa sobre Gorky y Pollock en Estados Unidos.
Durante este período, la filosofía existencialista era popular entre los pintores estadounidenses, creyendo que preferían correr el riesgo del fracaso y esforzarse por alcanzar nuevas alturas. Entonces hicieron un experimento audaz. Los pintores expresionistas abstractos defendieron que preferían deshacerse de toda estética tradicional antes que tener algún significado social. Abogan por la expresión personal arbitraria y espontánea, creando una especie de pintura automática inconsciente. El pintor representativo es Pollock.
Nuevo Realismo
El arte moderno presenta un patrón diversificado, con varias escuelas mostrando sus habilidades únicas. El arte realista, antes negado, ha vuelto a entrar en el mundo de la pintura en nuevas condiciones históricas. Pero debemos darnos cuenta de que esto no es en modo alguno un retorno a los conceptos y métodos creativos del pasado. Los pintores neorrealistas no son conservadores en términos de propósito creativo, conceptos pictóricos o métodos de expresión. Absorben los conceptos del arte moderno para crear. Se puede decir que son la continuación de otra forma artística del arte moderno. Como dijo el crítico estadounidense Hilton Kramer: "Una gran parte de este movimiento proviene directamente de la teoría y la práctica del arte moderno y es otra forma de modernismo". continuación de la forma. "Hoy en día, muchos pintores realistas sólo utilizan técnicas realistas para lograr el propósito de los modernistas de explorar la relación entre forma, color, línea y imagen. [/COLOR]
Simbolismo
Hay dos formas básicas de exploración artística en el mundo, a saber, imagen y símbolo; sentimiento intuitivo y expresión espiritual. A partir de 1885, simultáneamente en la literatura y las artes plásticas se inició una rebelión contra el idealismo en nombre del simbolismo.
Los pintores y escritores ya no se esfuerzan por expresar fielmente el mundo exterior, sino que expresan sueños ilusorios a través de imágenes simbólicas, metafóricas y decorativas para iluminar a las personas.
Según la definición de Simbolismo del crítico Albert Olivier en un artículo de marzo, una obra de arte debe ser: (1) espiritual, porque su único ideal es el Espíritu expresivo, (2) Simbolismo, porque expresa eso; espíritu a través de formas; (3) Integral, porque dibuja estas formas y marcas de una manera generalmente entendida; (4) Subjetivo, porque nunca trata el objeto no como un objeto, sino como un símbolo espiritual descubierto por el tema; 5) (resultado) Decorativa, porque la pintura puramente decorativa inventada por los egipcios, o muy probablemente por los griegos o los pueblos primitivos, es una expresión artística subjetiva, integral, simbólica y espiritual.
Los pintores representativos del Simbolismo incluyen principalmente a Moreau, Chavan y Redon. Los pintores simbolistas no crearon una nueva forma, sino que sólo se preocuparon por la expresión poética y la iluminación mística. La pintura simbolista es una exploración de nuevos contenidos basados en la emoción, no en la observación racional u objetiva, sino en el poder interior y la imaginación que trascienden la intuición superficial.
Arte moderno
La sociedad humana ha entrado en la etapa de desarrollo capitalista. La civilización industrial moderna ha cambiado la relación entre las personas, ha cambiado la forma de vida tradicional y ha acelerado el ritmo de vida. La entrada del arte en el mercado como mercancía ha traído una feroz competencia al desarrollo del arte. El desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas ha cambiado la relación entre el hombre y la naturaleza, y los ojos humanos se han extendido a los mundos macro y micro. Por tanto, los artistas modernos deben crear y elegir nuevos lenguajes artísticos para expresar el nuevo mundo que conocen. La filosofía moderna tiene un impacto directo en la creación artística moderna. El solipsismo y el voluntarismo de Schopenhauer conducen a la cognición intuitiva, que sublima el genio y la inspiración del artista hasta convertirlo en la base de la creación artística. Posteriormente, Nietzsche y Freud llevaron a cabo un análisis exhaustivo y una revelación del reino espiritual humano, que se convirtió en la fuente de la creación artística moderna. La "filosofía irracional" de Bergson es una completa negación y traición de los valores tradicionales negativos generados por la civilización industrial moderna. A partir de entonces, el arte ya no es un reflejo del mundo objetivo, sino una expresión del mundo subjetivo.
El surgimiento y desarrollo del arte moderno siguen leyes inevitables. El arte occidental se ha centrado en la practicidad y la reproducción material desde la antigüedad, y ha experimentado desarrollo y mejora en diferentes períodos, alcanzando su apogeo durante el Renacimiento europeo. Cuando se inventó la fotografía, la pintura realista representativa fue reemplazada parcialmente por la fotografía. La pintura tuvo que elegir otro camino, desde la representación hasta la expresión, desde escribir la forma de las cosas objetivas hasta expresar el espíritu interior del pintor. Desde la creación de la pintura, se ha creído que el propósito es servir a los demás, y la sociedad primitiva es práctica. Después sirvió a Dios, sirvió a la vida de las personas y sirvió a las luchas políticas. Los artistas occidentales afirman que ya no sirven a nadie y que el arte existe de forma independiente para perfeccionarse. De modo que los valores del arte están divorciados de la tradición. Todo esto está cambiando lentamente de cambios cuantitativos a cualitativos con el desarrollo de la sociedad y la evolución de las tendencias ideológicas. Los orígenes del arte moderno comienzan con el impresionismo.
La aparición del impresionismo es un hito que hace época en el arte occidental. Para expresar los ricos y fugaces cambios de luz y color en la naturaleza, ignora o niega la naturaleza inherente de las cosas objetivas, e incluso. Destruye o abandona miles de conceptos del arte occidental. El modelado riguroso que se había ido perfeccionando a lo largo de los años dio lugar a una serie de pintores y escuelas de pintura rebeldes. Cézanne fue el primero en romper con la tradición. Quería crear una pintura absoluta que ya no fuera una imitación de cosas objetivas, sino una forma eterna y una estructura sólida impregnada de la interpretación subjetiva del pintor. Al mismo tiempo, también hubo un pintor llamado Gauguin que analizó y sintetizó las impresiones y sentimientos de las cosas objetivas desde una fuerte perspectiva subjetiva, y creó pinturas simbólicas que rompieron las limitaciones del tiempo y el espacio. El holandés Van Gogh transmitió sus ardientes pensamientos con colores brillantes y líneas vibrantes. Juntos fueron pioneros en el arte moderno occidental, y muchas escuelas modernas se derivan de sus teorías.
Algunos pintores que siguieron a Cézanne confirmaron que la estructura de gestión del cuadro es la habilidad y el derecho del pintor. El pintor es el creador del cuadro y debe ordenar el cuadro a voluntad como Dios, formando el cubismo representado por. Picasso. Se cree que la pintura no debe ser esclava de los objetos naturales, ni debe ser simplemente la exquisita estructura del cuadro, sino que debe expresar el estado de ánimo y la voluntad del pintor, y debe ser la imagen externa de los sentimientos internos del pintor, dando origen así. al fauvismo francés y al expresionismo alemán.
Tras examinar este cambio en la pintura, el ruso Kandinsky se dio cuenta de que la pintura no se sustenta en objetos, sino en colores, líneas y formas que dominan todo el cuadro. Estos elementos pictóricos dan vida y belleza al cuadro, y fue el primero en crear pinturas abstractas. Las escuelas mencionadas son todas expresiones de exploración después de pensar en el arte.
El artista pensó en la sociedad y la civilización material moderna, y llegó a la conclusión de que la tradición estaba obsoleta y la modernidad era incompleta y enfermiza, lo que dio origen al dadaísmo, que todo lo destruyó y lo derribó todo. Querían construir una nueva civilización sobre una pizarra en blanco. Cuando los artistas se enfrentan a la vida, la conciencia humana ha sido decorada con demasiados conceptos. Sólo el reino subconsciente es el reino más real, que nunca se ha expresado. El pintor se interesó por este mundo espiritual y creó pinturas surrealistas, mostrando un mundo subconsciente poco conocido con una combinación de objetos e imágenes que expresaban un desafío a la lógica y al sentido común.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el centro del arte posmoderno se trasladó de París a Nueva York, Estados Unidos, y se iniciaron nuevas exploraciones y creaciones, que se caracterizaron más por prestar atención a los cambios de conceptos. El expresionismo abstracto surgió en la década de 1950. La pintura performance se centraba únicamente en el proceso de pintura e ignoraba los resultados y reflejaba la vitalidad de la creación libre estadounidense. Cuando la gente no estaba satisfecha con el desahogo accidental y el comportamiento subjetivo y desenfrenado en la pintura, abogaban por dejar que la imagen desarrollara todo su potencial, por lo que aparecieron pinturas de grandes campos de color, pinturas minimalistas, pinturas de bordes duros, etc. La mayoría de estas artes están decoradas con grandes bloques de colores, frescos y simples, sin ninguna expresión emocional. El arte pop se hizo popular por primera vez en los Estados Unidos en la década de 1960. Permitió que el arte penetrara en la civilización moderna, haciendo del arte un medio de comunicación más popular y estrechamente relacionado con la supervivencia de la gente moderna. Desde la década de 1970, el arte moderno ha entrado por completo en un patrón diversificado, en el que los artistas exploran el arte y la expresión artística en un nivel más amplio. A partir de entonces no se encontró más escuela de estilo. Se podría decir que una persona tenía su propia escuela, y los diseños eran novedosos e infinitos. Desde entonces, el arte occidental ha entrado en un mundo infinito y alejado del mundo del sentido común.
Arte Arquitectónico Moderno
A principios del siglo XX, el arte arquitectónico, al igual que la pintura y la escultura, también sufrió grandes cambios. Debido al desarrollo de la ciencia y la tecnología arquitectónicas, las estructuras y estilos arquitectónicos se modernizan rápidamente y presentan muchas características nuevas: el desarrollo masivo de edificios de gran altura y la aparición de nuevas tendencias de diseño arquitectónico y diversas formas arquitectónicas están de moda.
En la primera mitad del siglo XX, especialmente después de la Segunda Guerra Mundial, la arquitectura del Renacimiento clásico siguió siendo popular. A medida que se desarrollaron los edificios gubernamentales y monumentales, también lo hizo el surgimiento de edificios eclécticos que incorporaron estilos arquitectónicos de diferentes épocas, grupos étnicos y regiones. Debido al rápido desarrollo y los cambios de la vida social, los requisitos funcionales de los edificios se están volviendo cada vez más complejos, el número de pisos y el volumen de los edificios son cada vez mayores y los materiales y estructuras de construcción son muy diferentes de los de la antigüedad. veces. Por tanto, los arquitectos académicos tuvieron que transformar y simplificar los edificios tradicionales, y surgieron edificios modernistas innovadores.
La arquitectura involucra muchos aspectos como función, tecnología, industria, economía, cultura y arte, etc., y la innovación arquitectónica también es multifacética. En la primera mitad del siglo XX surgieron muchas escuelas y diferentes estilos de arquitectura. A principios del siglo XX surgió el expresionismo en Alemania y Austria. Todo surge de la expresión subjetiva del artista y está diseñado para despertar emociones en el público. Los arquitectos de esta escuela suelen utilizar formas arquitectónicas extrañas y exageradas para simbolizar cierto espíritu de la época. El arquitecto alemán Mendelssohn (1887-1953) diseñó algunos edificios expresionistas en la década de 1920, el más representativo de los cuales fue el Observatorio Einstein de Potsdam construido en 1919-1920. Las casas del expresionismo holandés incluso tienen un aspecto que recuerda a la ropa tradicional holandesa y a los zuecos de madera.
El futurismo es un género literario y artístico que apareció por primera vez en Italia antes de la Primera Guerra Mundial. Se deleita con el movimiento, el cambio, la velocidad y el ritmo de la vida moderna. Negaban todas las leyes y tradiciones literarias y pretendían crear un nuevo arte futuro. El futurista italiano Santa Ilia (1888-1917) diseñó un edificio alto y escalonado con ascensores fuera del edificio y vagones de diferentes alturas debajo del edificio y vías de tren. Dijo: "La construcción urbana moderna debería transformar las ciudades ocupadas como los grandes astilleros.
Los representantes de De Stijl y el constitucionalismo incluyen al arquitecto holandés Oded Rietveld. Creen que lo mejor es El arte de De Stijl es la combinación y la composición de figuras geométricas básicas, a veces llamado "New De Stijl", que se expresa en formas y decoraciones arquitectónicas.
La silla diseñada por Rietveld, al igual que el cuadro de Mondriaan, representa mejor las características del estilo, utilizando líneas horizontales y verticales para formar los tres colores: rojo, amarillo y azul. También diseñó una famosa residencia en Utrecht, Países Bajos, utilizando cubos simples, líneas verticales y horizontales, vidrio y otras construcciones. Esta escuela está interesada en los efectos compositivos del espacio geométrico y el color.
Después de la Primera Guerra Mundial, la tarea de crear arquitectura moderna se puso en la agenda y surgió un grupo de arquitectos con pensamiento rápido y cierta experiencia arquitectónica. Basándose en las prácticas innovadoras de sus predecesores, propusieron ideas de reforma arquitectónica más sistemáticas y exhaustivas, inspiradas en Gropius, Ludwig Mies van der Rohe de Alemania y Le Corbus de Francia como representante.
La obra representativa de Gropius es el edificio de la escuela alemana Bauhaus diseñado y construido en 1926. "Bauhaus" es la abreviatura de una escuela técnica que cultiva nuevos talentos en diseño. Fue fundada en Weimar por el arquitecto moderno alemán Gropius. Esta escuela adoptó un conjunto único de nuevas políticas y métodos educativos, cultivó un grupo de destacados artistas modernistas y fue la cuna de las escuelas de arte radicales occidentales. La característica principal de la arquitectura de la escuela Bauhaus es tomar la función práctica del edificio como punto de partida para el diseño arquitectónico e interconectar cada parte de acuerdo con los requisitos prácticos, resaltando sus respectivas posiciones y formas. También utiliza técnicas de contraste de diversas formas como tamaño, longitud, realismo, transparencia y opacidad, espesor, etc. , produciendo una estética fresca y vivaz, simple y cambiante, dando a las personas una impresión única.
Después de la Segunda Guerra Mundial, las actividades arquitectónicas y las ideas arquitectónicas han sufrido grandes cambios y evoluciones. Debido a las diferentes tradiciones políticas, económicas y culturales de los distintos países, las actividades arquitectónicas y las tendencias ideológicas también son muy inconsistentes y el desarrollo es extremadamente desigual. Europa Occidental y Estados Unidos han hecho nuevas contribuciones a la exploración y creación continua de la modernización arquitectónica, y otras regiones y países también han entrado en la modernización.
En la década de 1950, surgió una nueva barbarie en Gran Bretaña, representada por la Institución Smithsonian. En la década de 1960, una escuela de pensamiento llamada Akigramm, representada por Kirk, propuso el concepto de una futura ciudad utópica: una estructura gigante de acero y hormigón armado que aborda de manera integral diversos y cambiantes requisitos de diseño.
Después de la guerra en Francia, la "arquitectura moderna" reemplazó al academicismo como estilo principal de la arquitectura francesa. El edificio de apartamentos de Marsella diseñado por Le Corbusier y, más tarde, la iglesia de Ronchamp conmocionaron al mundo de la arquitectura. Después de la Segunda Guerra Mundial, Francia continuó innovando en tecnología de la construcción. La sala de exposiciones del Centro Nacional de Tecnología Industrial fue construida en 1958 y tiene una luz de 218 metros. Es la estructura espacial más grande y la estructura de capa delgada más grande hasta la fecha. La Torre Montparnasse, construida en 1973, tiene 229 metros de altura y es el edificio más alto de Europa. Posteriormente, el Centro Pompidou recibió más atención.
Alemania resultó gravemente dañada por la guerra y luchó por reconstruirse después de la guerra. Durante el reinado de Hitler sólo se permitían estilos arquitectónicos eclécticos, pero después de la guerra se insistió en la arquitectura moderna, especialmente la Bauhaus. Más tarde aparecieron muchos edificios modernos con estándares internacionalmente avanzados, como la sala de conciertos Erle de Berlín diseñada por Salon y el apartamento Romeo y Julieta en Stuttgart.
Italia es más diversa y variada en conceptos de diseño que otros países. La antigua tradición nunca ha cesado en Italia y las tendencias modernas han tenido una fuerte influencia. Después de la guerra, se embarcó en el camino de la arquitectura moderna, promovió el neorrealismo en Roma y Turín y abogó por una estrecha integración con la vida cotidiana de la gente, representada por el diseño de Rodolfo del distrito de Tepotino en Roma. No hay duda de que el arquitecto italiano con mayor renombre internacional es Nervi, cuyos diseños para el Palazzo delle Sport en Roma y la Torre Pirelli en Milán son reconocidos como obras maestras internacionalmente avanzadas.
Estados Unidos tiene una gran fortaleza material y técnica, un sólido equipo de personal técnico y una gran cantidad de grandes propietarios que se especializan en la construcción de viviendas. Juntos modernizaron rápidamente la arquitectura estadounidense. El desarrollo de edificios altos es un aspecto importante de la arquitectura estadounidense. En 1974, la Torre Sears de Chicago tenía 110 plantas y una altura de 443 metros, lo que la convertía en el edificio más alto del mundo hasta la fecha. En términos de arte y arquitectura, cualesquiera que sean las nuevas tendencias en Europa que estén a punto de influir en los Estados Unidos, varias tendencias de pensamiento y diversas escuelas y estilos arquitectónicos se reflejarán en los Estados Unidos.
La Ópera de Sídney en Australia es un edificio emblemático y lleno de personalidad. Fue diseñado por el danés Wu Zhong en 1957 y terminado en 1973. La Ópera está situada en la isla de Beniland, frente al mar. El arquitecto lo diseñó como un gran barco, lo cual es muy simbólico.
Diseño artesanal moderno
En el siglo XX, el centro del diseño artesanal moderno occidental se trasladó a Alemania, especialmente la Bauhaus, conocida como la cuna del diseño moderno, lo que abrió un camino claro. para el diseño artesanal moderno. En general, el diseño artesanal moderno tiene las siguientes características: primero, establece la idea de diseño "orientado a las personas" y enfatiza que el propósito del diseño son las personas y no los productos; segundo, rompe la distinción entre "arte puro" (pintura y arte puro); escultura) y "práctico" La división tradicional de "arte" (arquitectura y tecnología modernas, en tercer lugar, el arte y la tecnología han logrado una nueva unidad, construyendo así un puente entre "arte" e "industria"; en cuarto lugar, el diseño artesanal moderno es; una parte importante de la vida moderna, La cristalización del arte moderno y la ciencia moderna. No intenta establecer un modelo inmutable, sino que seguirá evolucionando con los tiempos.
Arte escultórico moderno
El desarrollo de la escultura occidental ha experimentado tres picos: la antigua Grecia y Roma fueron el primer pico, Fidias fue el primer pico; el Renacimiento italiano es el segundo pico; , con Miguel Ángel en la cima. El tercer pico fue Francia en el siglo XIX, y Rodin fue un maestro que vivió en el pico. El arte creado por Fidias, Miguel Ángel y Rodin es la cristalización de la sabiduría humana y encarna los mayores logros de la civilización clásica.
Rodin puso fin al arte escultórico tradicional. Desde entonces, la escultura occidental ha entrado en una nueva era: la era de la escultura moderna. El llamado "arte escultórico moderno" se refiere al arte escultórico occidental posterior a Rodin y Mayor. Los escultores intentan deshacerse de las limitaciones de la escultura clásica, perseguir nuevas ideas y valores y adoptar nuevas formas de expresión. Este movimiento artístico se conoce colectivamente como Modernismo. Los artistas modernos se alejan de la racionalidad y se acercan a la sensibilidad. Ya no imitan la naturaleza, sino que comienzan a "romper con la naturaleza", "ordenar la naturaleza", "expresar la naturaleza", "diseccionar la naturaleza", "sentir la naturaleza" e integrarla. ellos mismos en la naturaleza.
En general, los artistas modernistas conceden gran importancia a la expresión espiritual interna perceptiva y subjetiva, sustituyen la observación por el sentimiento, utilizan la síntesis, la abstracción y la semiabstracción en lugar de la concreción y ya no expresan la forma de la existencia objetiva. , pero esfuércese por explorar la forma de su propia alma, negar la naturaleza utilitaria del arte y creer que el arte es solo una forma significativa. El arte moderno es el desarrollo inevitable del arte tradicional y el producto de la reflexión de la sociedad moderna sobre el espíritu del artista.
Si analizamos las tendencias básicas de la creación artística occidental en el siglo XX, podemos distinguir tres grandes tendencias: la expresión, la abstracción y el simbolismo. Entre estos artistas, Brancusi es el que más destaca, teniendo tanta influencia en la escultura moderna como Matisse y Picasso en la pintura moderna.
Futurismo
El 20 de febrero de 1909, el poeta italiano Marinetti publicó "La creación y el Manifiesto del futurismo" en "Le Figaro". Por un lado, la declaración elogió la civilización industrial moderna, la ciencia y la tecnología, y cambió por completo el concepto tradicional de tiempo y espacio. "El mundo magnífico ha adquirido un nuevo tipo de belleza: la belleza de la velocidad", por lo que defiende que la literatura y el arte futuros deben reflejar la civilización mecánica moderna, la velocidad, el poder y la competencia; por otro lado, maldice todas las viejas culturas tradicionales; arrasa con el antiguo Todo el patrimonio cultural ya que Roma aboga por la destrucción de todos los museos, bibliotecas y academias. Gritaron: "¡Hagámoslo! ¡Ilumina las estanterías de la biblioteca! Dibuja un río e inunda todo. ¡Las galerías de los museos! ¡Qué feliz es ver esas pretenciosas pinturas antiguas desgarradas y descoloridas y flotando en el agua!" y el martillo y destruir los castillos que son adorados como dioses sin piedad."
El 8 de marzo de 1910, los pintores Boccuni, Carla y Balla también publicaron el "¡Manifiesto de los pintores futuristas!"", y A principios de abril, también publicaron el "Manifiesto sobre técnicas de pintura futuristas", indicando que sus técnicas de pintura procedían esencialmente del cubismo. Agregaron elementos de velocidad y tiempo a las múltiples perspectivas del cubismo.
El futurismo de la escultura lo logró Boccioni. El 11 de abril de 1912 publicó el "Manifiesto de la escultura futurista", declarando que "debemos abandonar absoluta y completamente los contornos externos y las esculturas cerradas, y abrir el cuerpo humano e incluir su entorno".
El 19 de julio de 2004, Santa María publicó el "Manifiesto de la Arquitectura Futurista", que abogaba por la sustitución de los materiales de construcción tradicionales por estructuras mecánicas y nuevos materiales, y que la planificación urbana debía ser complementaria a la concentración de la población y al transporte rápido. , creando un plan de “ciudad del futuro” que incluye ferrocarriles subterráneos, pasarelas deslizantes y una red de carreteras con intercambiadores. Utilice acero, vidrio y tela en lugar de ladrillos, piedras y madera para obtener la luz y el espacio ideales.
También hay manifiestos de ropa futurista, que piden a la gente que abandone la ropa con colores apagados y líneas rígidas y la reemplace con ropa nueva con colores brillantes y líneas en movimiento.
Al final de la guerra de 1918, este género realmente había desaparecido.
Separación
En la "Asociación de Artistas" creada a finales del año 19 en el mundo del arte de Viena, algunos artistas jóvenes con diferentes visiones artísticas volvieron a fundar la "Asociación Austríaca de Artes Plásticas". en 1897. Pronto, ocho jóvenes artistas, entre ellos Klimt, se retiraron de la asociación debido a diferentes puntos de vista y el 3 de abril formaron otro grupo de artistas en 1897 en Viena. No tenían un programa artístico claro, pero sí ideas creativas similares, formando la llamada Secesión de Viena. Los pintores secesionistas se opusieron al arte académico clásico, abogando por la separación de él, abogando por la innovación y persiguiendo la "practicidad" y la "racionalidad" de las funciones expresivas. No sólo enfatizan la individualidad en el estilo, sino que también hacen todo lo posible para explorar la combinación con la vida moderna y crear nuevos estilos. El secesionismo fue un nuevo movimiento artístico que influyó en la pintura, las artes decorativas y el diseño arquitectónico. Aunque es bueno utilizando líneas rectas en la forma, su espíritu fundamental radica en oponerse al arte normativo tradicional y abogar por el contacto con la cultura moderna y la integración con la vida moderna. Los pintores de esta escuela son unánimes en su oposición a la antigua forma de arte académico, pero siempre son diversos en tendencias y estilos artísticos, por lo que no tiene un programa unificado claro y tiene una gran influencia en Alemania.
Los Nabis
Es universalmente reconocido que Cézanne, Van Gogh y Gauguin fueron los fundadores del arte moderno en el siglo XX. Su influencia fue limitada mientras estaban vivos o muertos. Los Nabis, una pequeña escuela de artistas, heredaron sus ideas y las transmitieron a los pintores de vanguardia del siglo XX.
En el verano de 1888, Serusier, de 24 años, conoció a Gauguin que estaba pintando allí en el Pont Aven en Bretaña, al noroeste de Francia. Gauguin acababa de terminar de pintar "Jacob y el ángel", y el color simbólico subjetivo y misterioso conquistó al joven pintor. Más tarde, siguió a Gauguin para dibujar en un bosque llamado "Bosque del Amor". Gauguin señaló el misterio del color: "¿De qué color debe ser el árbol? ¿Ves más o menos rojo? Bueno, añade rojo a esa parte de la foto. ¿Qué pasa con la sombra? Estaría bien si hubiera un poco de azul". ¡Entonces pones el azul más hermoso en la paleta!" Serusier escuchó y dibujó un pequeño cuadro de paisaje en una caja de cigarrillos según las instrucciones de Gauguin. Llevó el cuadro a la Académie Julian de París, donde estudiaba. Entre los espectadores se encontraban Bonnard, Weir, Ranson y Vallotton. De repente se convirtieron en Gauguin, llamando a este pequeño cuadro de Selusier "talismán", y al grupo que tuvo la suerte de recibir este evangelio lo llamaron "Nabi", que en hebreo es "profeta". Este es el origen de los Nabis.
Los Nabis aceptaron la influencia artística de Gauguin y llevaron a cabo nuevas exploraciones y desarrollos: la teoría integral de Gauguin condujo al estilo decorativo solemne, simplificado y deformado del simbolismo, es decir, trasplantando la naturaleza al reino de la sabiduría y la imaginación. Hay dos tipos de la llamada deformación: la deformación objetiva basada en un concepto puramente estético y decorativo y algunos principios técnicos de coloración y composición; deformación subjetiva que permite que los propios sentimientos del pintor entren en la expresión de la pintura.
Los Nabis comenzaron con "El amuleto" de Sérusier y terminaron con "Homenaje a Cézanne" de Denis. Esto demuestra que el valor de la Escuela Nabi en sí reside únicamente en clarificar los métodos visuales de Cézanne y Gauguin. Este es un método de observación que pone más énfasis en la autoobservación.
Más tarde, los Nabis se dividieron en Secesión, Síntesis y Neotradicionalismo.