Tutorial completo sobre técnicas de fotografía de paisajes.
Desde que aprendiste fotografía de paisajes, ¿has acumulado algo de experiencia y luego las has juntado para pensar en seis preguntas?
Proposición 1: ¿Por qué elegiste la fotografía de paisajes? ¿Cuál es el significado de la fotografía de paisaje?
Para mí, esta propuesta es la razón por la que la fotografía de paisaje tiene prioridad sobre otras fotografías. De hecho, tiene sentido elegir cualquier tema fotográfico. Sólo hay malas obras, no malos temas. Cuando comencé a aprender fotografía, probé la fotografía de retratos, pero no encontré el sentimiento ni la motivación para seguir fotografiando.
En los días en que no podía viajar muy lejos para fotografiar paisajes, también intentaba fotografiar obras humanísticas y conceptuales. Me esforzaré mucho en fotografiar el cuerpo humano en el futuro, pero hasta ahora, ¿qué pienso realmente? ¿Sentir? El campo sigue siendo la fotografía de paisajes.
Entonces, ¿en serio? ¿Sentir? , se ha convertido en mi prioridad para la fotografía. Por supuesto, la premisa implícita es que lo mejor es probar tantos géneros diferentes como sea posible para poder comparar y saber lo que realmente te gusta. De hecho, al final no nos pueden gustar todos los temas e invertir la misma cantidad de dinero. Definitivamente todos le prestarán atención.
Doy prioridad a la fotografía de paisajes como un pasatiempo personal a largo plazo, y también encontré esta razón auxiliar para mí:
Al tomar fotografías de paisajes, puedes disfrutar del paisaje salvaje. por cierto;
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Para fotografiar paisajes, hay que llevar decenas de kilogramos de equipo para escalar montañas y chapotear en el agua, lo que también influye en la forma física.
¿Para qué? ¿Sentir? Esto es lo que digo sobre mí:
¿Tengo el equipo y las habilidades fotográficas necesarias para fotografiar un sujeto así?
¿He dominado los criterios y métodos comunes de evaluación de trabajos en este campo?
¿He estudiado suficientes obras representativas en el campo para juzgar si mi trabajo puede cruzar el umbral mínimo de reconocimiento popular y profesional?
¿Qué más puedo conseguir además de dinero por fotografiar este tipo de sujetos?
¿Estoy seguro de que incluso si no hay recompensa financiera en el futuro, seguiré dedicándome a fotografiar este tipo de temas durante mucho tiempo, o incluso me volveré desconocido?
Proposición 2. ¿Qué etapas debe atravesar la fotografía de paisaje?
Divido la fotografía de paisajes en tres etapas:
La primera etapa: dominar las habilidades clave necesarias.
En esta etapa, la clave es equiparse con los equipos y sistemas necesarios, poder exponer según sus propias intenciones, obtener fotografías claras, aprender a utilizar los filtros necesarios y dominar la imagen necesaria. habilidades de procesamiento.
La segunda etapa: aprender a leer imágenes
En esta etapa, aprenda a examinar y juzgar las obras desde una perspectiva profesional y utilice conscientemente estos estándares para guiar su propia filmación.
La tercera etapa: dispara como un maestro
¿Esta etapa es la más larga y no tiene final? A menos que te rindas a mitad de camino. Después de ingresar a esta etapa, debe establecer sus propios ideales fotográficos, establecer sus propios conceptos fotográficos, aclarar sus propios objetivos fotográficos, formular planes de rodaje viables y hacer esfuerzos persistentes para lograr los objetivos de cada etapa.
Proposición 3. ¿Cuáles son las habilidades clave necesarias para la fotografía de paisajes?
Basándome en mi propia experiencia fotográfica, analizaré aquí algunos aspectos clave de la fotografía de paisajes.
1. Exposición: de precisa a correcta
En la mayoría de los casos, mi método para medir la luz es:
Bloquear la composición primero;
Mida la luz más alta con detalle y el valor de exposición más oscuro con detalle en la imagen por turno, y guárdelos por separado;
Observe la diferencia entre los dos valores;
Si el diferencia No excede el ancho de la película (generalmente 5 pasos para películas invertidas y 7 pasos para películas en blanco y negro), luego tome el valor promedio y use este valor promedio para la exposición. En la mayoría de los casos, ¿verdad? ¿Es exacto? Sí;
¿Para conseguirlo? ¿Correcto? El promedio debe ajustarse según las condiciones de iluminación del sujeto y la proporción de áreas claras y oscuras en la composición. En circunstancias normales, si el sujeto está en la oscuridad o hay muchas áreas oscuras en la imagen, la exposición debe aumentarse adecuadamente (1/3 a 1/2 y viceversa (1/3 a 1); Cabe señalar que el sentido de esta compensación es opuesto al caso de la dosificación multiárea en máquinas, ya que en estas últimas el factor de área ya está calculado.
Si se excede la capacidad de carga de la película, es necesario ver si se puede usar un espejo gris degradado para suprimir las partes brillantes y reducir la relación de luz. De lo contrario, solo puedes elegir entre partes claras y oscuras, y ver qué parte de blanco muerto o negro muerto no afecta la intención creativa de la obra.
2. ¿Cómo obtener imágenes claras?
Enfoca con precisión y manualmente si es necesario;
En muchos casos, los trabajos de paisajes requieren una claridad total, por lo que cuanto más corta sea la distancia focal del objetivo y menor sea la apertura utilizada, más útil Cuanto mayor sea la profundidad de campo, más clara se verá la imagen. El uso de cámaras técnicas de gran formato presenta mayores ventajas en este sentido. Sin embargo, hay un dicho que dice que la calidad de la imagen disminuirá con la apertura mínima, por lo que cuando busco la máxima profundidad de campo, suelo utilizar la penúltima apertura. Por ejemplo, para una lente con una apertura mínima de F/32, utilizo. dispara a F/22.
A menos que sea necesario, se recomienda utilizar menos filtros y utilizar más filtros con precaución. En particular, no se recomienda disparar siempre con una lente UV para proteger la lente
Utilice un parasol tanto como sea posible
Si la cámara tiene un reflector pre-levantado; función, úselo cada vez, no hay necesidad de molestarse;
Insista en el control remoto del obturador/disparador del cable y desarrolle el hábito de llevar una copia de seguridad antes de salir (a veces los amigos pueden tocar su luz);
Compruebe con frecuencia si la conexión entre el cardán y el trípode es firme. Lleve un cardán y un trípode como respaldo;
Elija un trípode resistente. Cuando lo utilice, dé prioridad a la expansión de secciones de tubería con diámetros más grandes y no eleve el eje central a menos que sea absolutamente necesario;
Al instalar un trípode, elija un punto de apoyo sólido (si es un terreno fangoso, es mejor usar piedras y ladrillos);
Presione la contraventana cuando el viento sea fuerte y presione la contraventana cuando haya tráfico 200 metros antes o después del paso.
3. Utiliza los filtros de forma adecuada para conseguir el efecto deseado.
Ya sea una cámara de cine o una cámara digital, los polarizadores siguen siendo un filtro imprescindible. Úselo para:
Reducir el reflejo de la superficie del agua y profundizar el color de la superficie del agua;
Fotografiar claramente peces, piedras, ramas muertas, etc. Bajo el agua;
Profundiza el azul del cielo;
Reduce el impacto de la niebla en la imagen.
Elimina los reflejos en las superficies de objetos no metálicos; como hojas, y profundizar su saturación de color.
Para las cámaras de película, los espejos grises degradados también son indispensables, porque hay muchas ocasiones en las que la relación de luz excede la tolerancia de la película. Si no fuera en este momento, nos habríamos arrepentido en vano de este viaje.
4. Tecnología de posprocesamiento necesaria
Actualmente, para los trabajos de película inversa, existen las siguientes rutas y enlaces para el posprocesamiento y la salida:
Ruta 1: Desarrollo> ;& gt& gtEscanear> & gt& gtProcesamiento de imágenes> & gt& gtImprimir
Ruta 2: Enjuague>;& gt& gtDiagrama de descarga directa
En primer lugar, no importa cuál camino, El proceso de limpieza de la placa de inversión es muy importante. Se deben boicotear resueltamente las imprentas con los siguientes malos antecedentes:
Provocar rayones continuos en la película
No cambiar las soluciones químicas entre películas de diferentes fabricantes, lo que provoca la decoloración de la película; o deterioro (desafortunadamente, esto no se puede determinar de antemano sin perder dinero, y se recomienda a los principiantes que consulten a fotógrafos más experimentados).
5. Selección de equipo/película o digital
En cuanto a la selección de equipo, personalmente quiero hacer buenos trabajos. El equipo es sólo mi herramienta, por lo que nunca estoy casado con una marca. Por supuesto, para los amigos calificados e interesados, no hay nada de malo en comprar equipos de marca de alto precio. Los equipos de marca pueden mejorar su confianza y tienen el valor de jugar y coleccionar. ¿por qué no? Sin embargo, los amigos que no necesitan esto no tienen por qué sentirse avergonzados. La buena noticia es que las obras maestras del pasado rara vez están etiquetadas y a pocos les importa con qué equipo fueron filmadas.
Mi sistema principal son dos juegos de cuerpos Pentax 645, seis lentes (30, 35, 45-85, 120, 200, 2x), Fotoman617 y Nikon SW90/4.5, excepto el cuerpo 617. Es el segundo. -artículos de mano. La razón por la que elegí la Pentax 645 como mi sistema principal para fotografía de paisajes es porque logra un equilibrio perfecto en términos de tamaño de fotograma, adaptación del sistema, portabilidad y rentabilidad.
Proposición 4. ¿Cómo leer un mapa?
Ya sea que esté apreciando las obras de otras personas, fotografiando mis propias obras o reseñando mis propias obras, me obligo a medirlas desde las cuatro dimensiones de concepción, composición, iluminación y color.
Puede haber algunas opiniones diferentes, pero casi todas pueden resumirse en estas cuatro direcciones.
1. Concepción
Entiendo que el concepto significa que antes de decidir empezar a rodar una obra, por muy larga o corta que sea el tiempo, el autor debe dejarlo claro en parte. o completo:
¿Qué tiene esta escena que me conmueve?
¿Cuáles son los elementos centrales? ¿Cuáles son los elementos auxiliares indispensables?
¿Qué sensación tengo?
¿Se puede sublimar este sentimiento intuitivo en un tema visual?
¿Estarían otros interesados en un tema así?
Si decidiera grabar y entregar este tema, ¿esta escena sería suficiente para expresarlo?
Existe un proceso de autoverificación. Puedes permitir que algunas personas tengan diferentes interpretaciones de tu trabajo durante un período de tiempo, pero no puedes permitir que todos nunca lo comprendan.
A continuación se muestra un ejemplo de fotografía de un paisaje marino para ilustrar el proceso.
Una vez concerté una cita con dos viejos amigos en Shenzhen para tomar fotografías del paisaje marino de la península de Dapeng. Por cierto, compré la cámara 617 que compré durante medio año y nunca tuve tiempo de probarla. ¿él? ¿Primera novela? . Todo el proceso es el siguiente:
Diseño de tema fotográfico: ¿Estoy seguro de que puedo crear uno? ¿Un paisaje marino de arrecife borroso y de cuento de hadas? ;
Determinación del método de implementación: este efecto solo se puede producir mediante el contacto prolongado con rocas y olas;
Selección del clima y ubicación de la toma: elija un día soleado al amanecer. , la superficie de la península de Dapeng Para la playa que sobresale hacia el este, quédese localmente la noche antes de disparar y familiarícese con el terreno y la ruta al lugar de rodaje de antemano;
Horario de rodaje: el amanecer en esta temporada es alrededor de las 5:50-6:00, el cielo junto al mar se vuelve blanco más temprano. En base a esto, es necesario configurar la cámara y completar los preparativos para la filmación antes de las 5:00, 15 desde el alojamiento hasta la playa cerca del punto de filmación, se necesitan unos 15 minutos para caminar en la oscuridad a lo largo de la sección escarpada del arrecife; del mar (incluido el punto de disparo seleccionado) 30 minutos, así que finalmente decidí levantarme a las 4 en punto y salir alrededor de las 4:40;
El proceso de rodaje real: comencé a las 5: 15, tomando la primera foto con una combinación de F/8 y 16min, y luego, cuando el sol haya salido del agua, toma algunas fotos más según la situación. Uno de los trabajos populares es la combinación de F/22 y 1/8seg;
Trabajo: Fueron necesarios varios días de desarrollo para ver los resultados. Como película de prueba, sentí que era aceptable. El que tuvo mayor tiempo de exposición básicamente logró el efecto deseado. Entonces, ¿naturalmente esta vez consideré este trabajo como mi propia colección? ¿creación? producto, y las otras películas filmadas esta vez son todas mías? ¿Registro? Los productos son el resultado del azar. En términos de intenciones de disparo, sus posiciones en mi opinión son completamente diferentes.
El escaneo es un archivo TIF de 50 MB, utilizando un escáner de rodillo, 300 ppp, aproximadamente 6400 píxeles en el lado largo. Además, la anticipación de esperar a ver su propia película revelada es también uno de los placeres de utilizar una máquina cinematográfica.
2. Composición
Ya existen muchas monografías sobre técnicas de composición, por lo que no necesito entrar en detalles. Permítanme compartir aquí algunos sentimientos acumulados durante el proceso de filmación:
Desarrollar los hábitos de pensamiento anteriores durante el proceso de concepción será de gran ayuda para la composición. Por ejemplo, distinguir los elementos centrales y los elementos auxiliares en la escena puede ayudarnos a extraer con éxito al sujeto y sus acompañantes. De hecho, muchas veces, concepción y composición están sincronizadas o intercaladas;
La posición del tema (centro de interés) debe ser destacada. ¿Puedes ponerlo? ¿La sección áurea? En la intersección, también se puede colocar en el centro del cuadro o en otros lugares, según la intención creativa.
Conserve sólo los acompañantes necesarios para que la imagen sea concisa y ordenada;
Preste atención al equilibrio general de la imagen. Por supuesto, algunos temas necesitan crear una sensación de desequilibrio, que no están incluidos;
Es bueno usando elementos como primer plano y fondo, profundidad de campo y líneas guía visuales que guían la vista del espectador. al sujeto para crear una sensación tridimensional en la imagen. El primer plano a veces puede desempeñar un muy buen papel a la hora de equilibrar la imagen;
La composición no debe ser demasiado completa. En la mayoría de los casos de fotografía de paisajes, la imagen se deja en blanco;
Pague. atención a la posición de las líneas horizontales en la imagen, ya sea en estado horizontal;
Para las escenas que creo que son buenas, normalmente tomo al menos una composición horizontal y vertical para diferentes propósitos;
Desde el principio me he exigido tener una composición rigurosa, nunca fotografío al azar y lo edito después. ¿Porque quieres poder compartir tus fotos con amigos directamente usando un visor de películas o un proyector de diapositivas? El producto terminado, por muy bueno que sea, ¿al menos no? ¿Producto semiacabado? .
No quiero no estar dispuesto o avergonzado de explicarles a los demás en este momento: De hecho, ¿qué pasaría si estas partes de esta película fueran cortadas y vistas? ¿Sigue siendo aconsejable?
3. La luz se agota
La mayoría de los trabajos con buenos efectos de luz, sombra o tono se pueden seguir:
Aprovechar bien las mañanas y las mañanas. luz del atardecer para crear imágenes de baja temperatura de color y bajo contraste, como obras con puesta de sol temprana y tiempo de exposición prolongado;
Aproveche la retroiluminación o la retroiluminación lateral para delinear la escena o crear un efecto de silueta para mejorar. el sentido tridimensional de la imagen;
Haga buen uso de objetos no lisos. La diferencia de luz y oscuridad causada por la luz lateral en la superficie resalta la textura del objeto;
Haz un buen uso de la luz de fondo para resaltar el brillo y la saturación de las hojas rojas y amarillas, así como la textura de las hojas;
Utiliza luz enfocada para pasar a través de nubes o espacios en un objeto para iluminar al sujeto, dándole conseguirás un efecto similar a la iluminación del escenario. Por ejemplo, en los pequeños pueblos de la meseta occidental, a menudo se encuentran escenas en las que las luces iluminan el pueblo y las montañas circundantes quedan ocultas bajo la sombra de las nubes y la niebla;
Uso inteligente del reflejo de los objetos en el agua;
Ampliar el tiempo de exposición con una puerta lenta o un filtro reductor de luz hará que los objetos en movimiento tengan un efecto de arrastre. El agua tendrá un aspecto satinado, las salpicaduras de agua aparecerán brumosas y rápidas. -Las nubes en movimiento se verán borrosas y las luces nocturnas formarán franjas de luz. Espera un momento.
Estas técnicas de iluminación no son más que preocuparse por la temperatura del color (color), la dirección (ángulo de incidencia, directa/refracción/reflexión), la intensidad, el flujo luminoso y el rango de irradiación de la luz.
4. Color
En el caso de las fotografías en color, la composición cromática de la obra es otra dimensión importante de evaluación. Al evaluar la composición del color, existen dos direcciones de evaluación completamente diferentes.
¿Por un lado, las imágenes con colores fuertes y contrastantes son más atractivas? ¿Aviso? . Los colores contrastantes suelen referirse a colores complementarios, como cian y rojo, magenta y verde, amarillo y azul. Cada par de colores complementarios será acromático (es decir, blanco) cuando se mezclen.
Otra pregunta es: ¿Queda mejor un cuadro con colores armoniosos? ¿Agradable a la vista? . La armonía del color generalmente se refiere a la situación en la que los colores contenidos en la imagen son similares en los tres atributos de color (es decir, tipo de color), pureza (es decir, brillo) y luminosidad (es decir, la posición entre blanco, gris y negro):
Los colores son casi iguales. Por ejemplo, dos colores de una misma serie roja son fáciles de armonizar;
La pureza es casi la misma. Por ejemplo, dos colores con pureza media son más armoniosos que un color con mayor pureza y otro con menor pureza;
el brillo es aproximadamente el mismo. Por ejemplo, dos colores claros son más armoniosos que un color claro y un color oscuro.
Además, algunos factores psicológicos también afectan la percepción del color por parte de las personas. Por ejemplo,
El tamaño, la forma y la distribución de áreas de color
Cuando se ven como formas abstractas o como representaciones de objetos reconocibles, varios del mismo color;
La edad y el nivel de educación artística del espectador;
Ver durante mucho tiempo producirá un efecto de adaptación, confundiendo así la sensación de atracción por TINT;
Los anuncios guiar a las personas para que juzguen si TINT está de moda, etc.
En el caso de una fotografía en blanco y negro, sólo existe uno de tres atributos de color: la luminosidad. Está relacionado con si los detalles son ricos (especialmente los detalles en partes brillantes u oscuras), si los niveles/transiciones son delicados y el contraste.
De los cuatro elementos básicos anteriores, ¿cuál refleja mejor el profesionalismo del autor?
Intención: Se trata de una cuestión estética y filosófica, respectivamente relacionada con la realización artística del autor y del apreciador. No existe un estándar estricto y rápido, así que puedes intentarlo primero.
Usado: los trabajos con un desbordamiento obvio de luces y sombras (excepto para algunas necesidades especiales) ciertamente no están dentro del alcance de nuestra discusión;
Color: ¿depende principalmente de? ¿idea? , siempre y cuando la combinación no sea demasiado vulgar.
Entonces mi opinión es: ¿Son diferentes los niveles de escritura? ¿Estándares profesionales? ¿aún? ¿Nivel aficionado? cuenca. Por supuesto, ¿qué estoy diciendo aquí? ¿Importante? ,?¿aficionado? Independientemente de la carrera.
En una película, por muy buena que sea la escena, por muy bonita que sea la iluminación y los colores, si hay fallos en la composición, seguirá habiendo fallos. ¿Nivel aficionado? obras.
Proposición 5: ¿Cómo disparar como un maestro?
Personalmente nunca he sido supersticioso con los maestros, pero tengo mucho miedo.
Así que aspirar a convertirse en maestro no es en absoluto algo vergonzoso, sino un signo de una sociedad prometedora. Por supuesto, ¿aquellos que son ambiciosos pero nunca actúan, o aquellos a quienes ocasionalmente otros les gritan? ¿Dueño? Los que se dejan llevar no están incluidos.
Aquellos que realmente se dedican a la fotografía, incluso si no pueden convertirse en maestros, deben disparar como maestros. No estamos seguros de lo que podemos llegar a ser, pero podemos estar seguros de lo que queremos hacer y cómo queremos hacerlo.
1. Punto de partida: Utiliza los estándares del máster para exigirte.
¿Cuáles son los criterios para ser un maestro fotógrafo? Mi entendimiento es: del pensamiento a la técnica. En otras palabras, piensa y actúa como un maestro.
Para comprender el pensamiento de los maestros, recomiendo especialmente la lectura de "Los diálogos de los fotógrafos" de Frank Horvath. La editorial todavía tiene una pequeña cantidad de existencias.
Existen innumerables libros sobre técnicas. Se recomienda leer más libros y álbumes de fotógrafos nacionales y extranjeros.
No basta con leer. Tienes que hacerlo tuyo y practicarlo.
2. Punto final: Establece tu propio objetivo de tiro.
¿Las personas que pueden convertirse en maestros tienen sus propios ideales de fotografía? ¿Qué quieres hacer en fotografía y qué lugar ocupará la fotografía en tu vida? ¿Tienes tus propias ideas fotográficas? ¿Qué se debe fotografiar, qué no se debe fotografiar, cómo observar las cosas y cómo tomar fotografías con tus propias características? ¿Qué pasa con tus propios objetivos de tiro? ¿Qué tema estás fotografiando? ¿Cómo lograrlo?
Una vez establecidas las porterías de tiro escenificadas, se deben plasmar en planes de tiro específicos. El plan de rodaje debe ser específico, con un cronograma claro y una operatividad realista.
3. A mitad de camino: sigan con el buen trabajo.
Una vez claro el punto de partida y el punto final, el resto se pone en acción.
Para la mayoría de los aficionados a la fotografía, el mayor desafío es: ¿cómo lograr un equilibrio entre la fotografía y el sustento? La verdadera prueba es la elección.
Proposición 6. ¿Qué quieres hacer?
La respuesta a esta pregunta afectará tu comportamiento de disparo. Suele haber tres opciones:
Vivir íntegramente de la fotografía. Este camino todavía es relativamente difícil de recorrer en China. Las principales fuentes de ingresos de los fotógrafos profesionales famosos son las conferencias, las giras y la publicación de libros. La demanda de obras de paisajes puros en fototecas comerciales es mucho menor que la de materiales fotográficos comerciales.
Diviértete, independientemente de los ingresos comerciales de tu trabajo;
Concéntrate en rodar, pero no desistas de intentar obtener réditos comerciales.
Alguien puede ir en cualquier dirección. Los fotógrafos se enfrentan a esta elección y no deben fingir que el problema no existe, ni deben vacilar con frecuencia de un lado a otro.