El renacimiento de las artes visuales
El Movimiento del Renacimiento Europeo El Movimiento del Renacimiento Europeo se originó por primera vez en Italia en el siglo XIV. Como dijo Engels: el fin de la Edad Media y el comienzo de la actual era capitalista fue escrito por el poeta italiano Dante (. 1265-1321) Como símbolo, fue el último poeta de la Edad Media y el primer poeta de la nueva era.
Italia está situada en el centro de la región mediterránea y en el corazón de la mayor zona comercial del mundo en la Edad Media. Florencia, Milán y Venecia eran centros de transporte terrestre y acuático y centros de distribución comercial en ese momento. La industria, el comercio y el capitalismo aparecieron allí por primera vez, por lo que también fueron los lugares de nacimiento del movimiento renacentista.
El llamado Renacimiento fue una revolución en el campo ideológico lanzada por la burguesía emergente en respuesta al resurgimiento de la cultura científica centrada en el ser humano de la antigua Grecia y Roma que había sido sofocada por la religión en el Medio Oriente. Siglos. Manuscritos rescatados de la caída de Bizancio y estatuas antiguas desenterradas de las ruinas de Roma recrean la gloriosa imagen de esa época. La gente dice "Vuelve a Grecia". De hecho, la burguesía emergente convoca a los fantasmas de la antigua Grecia no para reconstruir la cultura de la esclavitud, sino para tomar prestada la ciencia, la filosofía y el arte humanístico que son beneficiosos para las necesidades de la burguesía: tomar prestados sus nombres, consignas de batalla y; abrigos para usar Este traje venerado durante mucho tiempo utiliza este lenguaje prestado para representar nuevas escenas en la historia del mundo moderno. Como descendiente de la antigua Roma, Italia es heredera directa de la antigua cultura griega y romana.
Arte Visual - Obras del Renacimiento
El Renacimiento italiano se desarrolló primero en Florencia y luego se expandió a otras regiones, formando algunas escuelas de pintura que tenían tanto logros artísticos florentinos como características locales. Además de la poderosa Escuela de Pintura Florentina, Leonardo da Vinci fue a Milán para servir al Gran Duque de Milán y formó la Escuela de Pintura de Milán Bramante, Miguel Ángel y Rafael fueron a Roma para servir al Papa, formando un monumento monumental que simbolizaba; grandeza. , la escuela de pintura romana caracterizada por su fuerza. En el siglo XVI, después de la gloria de Florencia, la cerrada Venecia, el último maestro que alcanzó rápidamente la cima del arte renacentista fue reconocido como Tintoretto.
El Renacimiento italiano se puede dividir en etapa temprana, etapa alta y etapa tardía. En la etapa inicial, Florencia fue el centro, comenzando por Giotto y terminando con Botticelli; en la etapa alta, estuvo marcada principalmente por los logros artísticos de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, en la etapa tardía, las pinturas venecianas representadas por Tiziano; Famoso por la fiesta.
La razón por la que Florencia se convirtió en la cuna del Renacimiento italiano radica en primer lugar en sus condiciones geográficas y naturales. Está situada a orillas del río Arno y es una importante ruta de transporte acuático y terrestre. Ha desarrollado artesanía y comercio. el comercio; tiene profundas influencias de la antigua Roma y la Edad Media; la base de la civilización; la demanda de arte en todas las etapas de la sociedad, especialmente la promoción y protección de la creación artística por parte de los gobernantes representados por la familia Medici. y desarrollo del arte. Como representante del Renacimiento temprano, Florencia ha formado sus propias características distintivas en conceptos artísticos, temas artísticos y expresiones artísticas: el contenido del arte todavía se basa en historias bíblicas cristianas tradicionales, pero desde Giotto, los pintores han trabajado duro para explorar cómo inyecta vida real secular en la creación de la imagen de Dios, saca a Dios del altar al mundo humano y conviértete en un mortal, de modo que las figuras religiosas que creas se conviertan en personas de carne y hueso, pensamientos y sentimientos. Por lo tanto, introdujeron logros científicos, aplicaron anatomía, perspectiva y principios ópticos a la creación artística para crear personajes reales y relaciones espaciales reales, el lenguaje artístico se centró en formas de bocetos claros y oscuros, y la composición persiguió la simetría, el equilibrio y la armonía.
Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael dominaron el mundo de la pintura, marcando la llegada del Alto Renacimiento. Sus creaciones artísticas no solo representaban directamente a personas reales en la vida real, sino que también tomaban prestadas historias mitológicas religiosas. ideales sociales, ideales estéticos y pensamientos y sentimientos. Mostraron gigantescos logros artísticos en Florencia, Milán y Roma, erigiendo monumentos de pintura y escultura con su sabiduría y fuerza.
Las curvas y los óvalos se utilizan ampliamente en arquitectura. El arte barroco concede gran importancia al procesamiento de las relaciones espaciales y expresa el espacio tridimensional de las imágenes artísticas. La pintura se basa en el modelado de la luz y persigue la sensación de profundidad espacial. La arquitectura y la escultura enfatizan las capas y la profundidad e intentan romper los planos. El arte barroco también enfatiza el procesamiento artístico integral. Esta síntesis generalmente incluye la síntesis de arquitectura, escultura y pintura, así como la síntesis mutua de pintura y escultura, la síntesis de modelado y entorno, y también incluye la síntesis de sus propias partes. Como el arte barroco estaba apoyado y protegido por la religión, estaba inevitablemente lleno de fuertes connotaciones religiosas.
El arte barroco tiene diferentes estilos artísticos en diferentes países y diferentes orígenes sociales: en Italia y Flandes, donde dominan las fuerzas católicas, domina el estilo barroco romano dominado por las fuerzas religiosas; son supremos, el estilo clásico es la corriente principal; mientras que en los Países Bajos y el Reino Unido, donde el capitalismo está relativamente desarrollado, el arte ciudadano realista es popular. Rococó: Estilo de arte y decoración de interiores del siglo XVIII, especialmente durante el reinado de Luis XV en Francia. El estilo rococó es el resultado de mejoras basadas en las exquisitas curvas del período barroco italiano. La forma es más esbelta y compacta, y los colores son más brillantes. El estilo rococó fue una rebelión contra el solemne y lujoso estilo artístico clásico de la época de Luis XIV. Está dedicado a mostrar las escenas luminosas e íntimas de la vida palaciega, bastante trivial, y en ocasiones también muestra el paisaje pastoral. Caracterizado por el encanto y la afectación. Los principales representantes son Watteau, Boucher y Frago.
Arte Visual - Realismo Rococó El mundo de la pintura francesa experimentó el desarrollo del clasicismo al romanticismo, y el romanticismo se fue alejando gradualmente de la realidad social de la época. En este contexto, algunos artistas con ideas progresistas creían que el arte debía basarse en la vida real y propusieron el lema "arte para la vida y el pueblo", que dio origen a la corriente artística realista. Los artistas realistas elogian la naturaleza y el trabajo, mostrando de manera profunda y completa la imagen amplia de la vida real, especialmente la vida y las luchas de los trabajadores comunes. En este momento, los trabajadores realmente entran en el palacio del arte y se convierten en la imagen principal de la naturaleza. por pintores realistas como tema independiente.
El realismo del que aquí hablamos es un fenómeno artístico único en el desarrollo del arte francés. Se refiere específicamente a la corriente artística que surgió en el siglo XIX, la gente lo llamaba "realismo". Esta escuela, sin duda, utiliza métodos de creación de arte realistas. Su visión filosófica es buscar la verdad y la verdad, lo que lleva a su visión estética a considerar la verdad como belleza y la realidad como belleza. Esta es la característica principal del realismo. El antagonismo y la lucha de clases en la sociedad francesa se reflejaron en el mundo de la pintura y se convirtieron en un debate entre el clasicismo y el romanticismo. Algunos pintores desdeñaron todo esto y entraron silenciosamente en el pueblo de Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, en las afueras de París. Aman la naturaleza y abogan por ir a la naturaleza para representar directamente el paisaje rico y colorido. Consideran representar la riqueza, majestuosidad, belleza y vida interior de la naturaleza como su objetivo de toda la vida. Nunca imponen sus creencias artísticas a los demás. Debido a que todos viven en el pueblo de Barbizon y pintan la naturaleza juntos, este grupo de pintores se llama "Escuela de Barbizon". Los principales representantes son Corot, Rousseau y Trojon et al. Los nabis reconocieron a Cézanne, Van Gogh y Gauguin como los fundadores del arte moderno del siglo XX, y su influencia fue limitada mientras estuvieron vivos o después de su muerte. Fue una pequeña secta de artistas, los Nabis, quienes heredaron sus ideas y las difundieron a los pintores de vanguardia del siglo XX.
En el verano de 1888, Sélusier, de 24 años, conoció a Gauguin, que estaba pintando allí en el Pont Aven en Bretaña, al noroeste de Francia. Gauguin acababa de terminar de pintar "Jacob y lo simbólico subjetivo y misterioso". El color de "Angels Fighting" conquistó al joven pintor. Más tarde siguió a Gauguin hasta un boceto de bosque llamado "El Bosque del Amor". Gauguin señaló el misterio del color: "¿De qué color deben ser los árboles? ¿Ves más o menos rojo? Muy bien, el de la foto. Pon un poco". rojo real en alguna parte, ¿y qué pasa con la sombra? Sería bueno si hubiera un poco de azul allí.
Entonces, ¿dónde pones el color azul más bonito de tu paleta? "Mientras escuchaba, Selusie dibujó un pequeño cuadro de paisaje en una caja de cigarrillos según las instrucciones de Gauguin. Llevó este cuadro a la Académie Julian de París, donde estudiaba. Entre los espectadores se encontraban Bonnard, Vuillard, Lanson, Vallotton, etc. De repente se volvieron gaguinistas y llamaron "talismán" al pequeño cuadro de Selusier, y llamaron "evangelio" al grupo de personas que tuvieron la suerte de recibirlo. Este es el origen de los Nabis. /p>
Los Nabis aceptaron la influencia artística de Gauguin y se embarcaron en una nueva exploración y desarrollo: es decir, Gauguin. Una teoría más integral condujo al estilo decorativo solemne, simplificado y deformado del simbolismo, es decir, el trasplante de la naturaleza a la naturaleza. el reino de la sabiduría y la imaginación Hay dos tipos de la llamada deformación: la basada en un gusto puramente estético y decorativo. Deformación objetiva de las ideas y de algunos principios técnicos de coloración y composición subjetiva que permite que los propios sentimientos del pintor entren en el interior. expresión pictórica.
Los Nabis comenzaron con el "Amuleto" de Selussier y terminaron con él. El "Homenaje a Cézanne" de Denis llega a su fin. Esto demuestra que el valor de los Nabis en sí es sólo el de aclarar lo visual. método de Cézanne y Gauguin, que es un método de observación que enfatiza la autocontemplación.
Luego, la Escuela Nabi se dividió en Secesión, Síntesis y Neotradicionalismo comenzó a tomar forma en el arte moderno occidental en. principios del siglo XX. El movimiento artístico de vanguardia inicial fue el "fauvismo". Se utiliza para describir los colores impactantes y las formas distorsionadas de sus pinturas, que obviamente son completamente contrarias a las formas de la naturaleza. Marty en el Salón de Otoño de 1905 en Francia Las obras de nueve jóvenes pintores encabezados por Thomas fueron tan impactantes que el crítico Louis Wuxelle vio entre las pinturas de colores salvajes una obra de Malgu que imitaba el estilo del primer Renacimiento italiano. su trabajo y casualmente dijo: “Donatello está rodeado por un grupo de fieras. "A partir de entonces, este grupo de pintores se llamó "Fauvismo".
Arte Visual - Fauvismo
Este grupo de jóvenes pintores encabezados por Matisse no se conformaron con el Simbolismo Los misteriosos defensores del color la purificación profunda de los colores para expresar más claramente las emociones del pintor.
El pintor brutalista Fritz definió el fauvismo como: "A través de la sinfonía de colores se consigue el mismo efecto de la luz del día. La escritura fanática (el punto de partida está inspirado en la naturaleza) establece una teoría de la verdad en una búsqueda apasionada. ”
El principio fundamental del brutalismo es utilizar el color para desempeñar el papel de la luz para lograr el efecto de gestión del espacio. Todos los usos son pintura plana sin forma ni ilusión de luz y oscuridad. Se debe depurar y simplificar, y se debe utilizar la composición para lograr una coherencia absoluta entre expresión y decoración, es decir, entre sugestión conmovedora y orden interno. Matisse decía: “La composición es la disposición decorativa de diversos materiales utilizados por el pintor para expresar sus emociones. . ”
Los pintores fauvistas hicieron un uso extensivo de temas toscos y colores fuertes para celebrar las intensas expresiones del temperamento. Se basaron en principios estructurales, independientemente del volumen, los objetos y la luz y las sombras, y los reemplazaron con monocromo puro. . Perspectiva. Moreau, el maestro de Matisse, le dijo una vez: “Debes simplificar la pintura. "Así, como representante constante del fauvismo, Matisse restauró tenazmente el color a su poder original, simplicidad y significado expresivo.
El fauvismo comenzó a declinar de 1905 a 1908, y luego fue reemplazado por el cubismo. El 20 de febrero, 1909, el poeta italiano Marinetti publicó "La creación y el Manifiesto del futurismo" en "Le Figaro" de París. Los conceptos de tiempo y espacio han cambiado por completo, y "el mundo magnífico ha adquirido un nuevo tipo de belleza: la belleza de la velocidad". ." Por lo tanto, se defiende que la literatura y el arte futuros deben reflejar la civilización, la velocidad, el poder y la competencia de las máquinas modernas; por otro lado, maldice todas las viejas tradiciones. La cultura, arrasando con todo el patrimonio cultural desde la antigua Roma, aboga por la destrucción de todos los museos, bibliotecas y colegios.
Gritaron: "¡Hagámoslo! ¡Prendan fuego a la estantería de la biblioteca! Traigan el agua del río e inunden todas las galerías del museo, ¡ah! Ver esas pretenciosas pinturas antiguas desgarradas, descoloridas y flotando en el agua es... ¡Qué feliz! ¡Levanten!" ¡tu hacha y tu martillo y destruye esos castillos que son adorados como dioses sin piedad!"
El 8 de marzo de 1910, también respondieron los pintores Boccioni, Carla y Bala. Publicaron el "Manifiesto de los pintores futuristas" y el "Manifiesto de las técnicas de pintura futuristas" a principios de abril, indicando que sus técnicas de pintura todavía se derivaban esencialmente del cubismo. Agregaron elementos de velocidad y tiempo a los múltiples puntos de vista del cubismo. El futurismo en la escultura fue practicado por Boccioni, quien publicó el "Manifiesto de la escultura futurista" el 11 de abril de 1912, declarando que "abandonemos absoluta y completamente los contornos exteriores y las esculturas cerradas, destrocemos el cuerpo humano" e incluyamos su entorno. "
El 11 de julio de 1914, Centria emitió el "Manifiesto de la Arquitectura Futurista", que abogaba por el uso de estructuras mecánicas y nuevos materiales para sustituir los materiales de construcción tradicionales, mientras que la planificación urbana se basaba en la concentración de la población y complementos del transporte rápido. entre sí, creando un plan de "ciudad del futuro" que incluye ferrocarriles subterráneos, pasarelas deslizantes y redes de carreteras con pasos a nivel. Y utilice acero, vidrio y tela en lugar de ladrillo, piedra y madera para lograr una iluminación y un espacio óptimos.
También está el "Manifiesto de la Ropa Futurista", que pide a la gente a abolir la ropa con colores y líneas apagadas y reemplazarla con ropa nueva con colores brillantes y líneas deportivas.
Este género en realidad terminó cuando terminó la guerra en 1918. Surrealismo: estilo de expresión artística influenciado por el psicoanálisis freudiano que enfatiza lo absurdo. Originalmente fue un movimiento literario y un subproducto del dadaísmo. El surrealismo fue establecido por un manifiesto literario publicado en 1924.
Arte Visual Super Realismo El Super Realismo es una nueva escuela de arte que surgió en los Estados Unidos a finales de la década de 1960. Los artistas de esta escuela se opusieron a las emociones subconscientes del arte abstracto y no expresaron objetos específicos en el modelado. Creo que hay que eliminar las ideas subjetivas del pintor y reproducir el objeto de forma puramente objetiva y veraz, incluso como la fotografía, por eso también se le llama "fotorrealismo".
Los pintores superrealistas a menudo se basaban en escenas urbanas y rurales, y algunos se especializaban en retratos. Close ha pintado algunos retratos súper realistas. Lo que representa no enfatiza el espíritu interior de los personajes, sino el parecido físico. Este tipo de trabajo es muy grande, no solo se copian fotografías directamente, sino que a menudo también se utiliza un proyector de diapositivas para proyectar los negativos de las fotografías en el lienzo, describiendo cuidadosamente el contorno y cada parte, y luego agregando colores. Las obras son extremadamente realistas y delicadas. , e incluso un cabello en el Después del cuadro, alguien dijo: "De pie frente a su cuadro, puedes sentir la piel de los personajes del cuadro respirando y sudando, e incluso puedes verlos destellar a través del dolor, la fatiga y los horrores. Condiciones fisiológicas. La imagen presenta un frío. La mayoría de ellos no tienen el alto temperamento del romanticismo. Lo que pinta no es ni humano ni no humano, sino una especie de criatura que se reduce a la neutralidad y solo tiene funciones biológicas. /p>
El arte del hiperrealismo es "sólo una especie de sustancia en este mundo lleno de materia". El crítico estadounidense Canard dijo una vez: "No importa cuáles sean las deficiencias del arte pop y el hiperrealismo, como movimiento anti-abstracto". "Lo que muestran es muy diferente del arte moribundo del realismo. Tienen una tendencia potencial en el siglo XX, que es continuar con la forma que tiene el mayor poder expresivo y que los artistas pueden utilizar mejor desde la antigüedad".