¿Intentas analizar las características de las películas estadounidenses en diferentes etapas de desarrollo?
La segunda fotografía documentada que captura y reproduce el movimiento es una serie de fotografías al galope tomadas por Eadweard de Palo Alto, California. Al disparar, alineó un grupo de cámaras de naturaleza muerta. Su logro impulsó a inventores de todo el mundo a intentar construir dispositivos con capacidades similares para capturar este movimiento.
En Estados Unidos, Thomas Alva Edison fue uno de los primeros en construir un dispositivo de este tipo. Hizo un proyector de películas móvil. Pero debido a la estricta aplicación de las patentes de este dispositivo, los primeros cineastas se vieron obligados a buscar alternativas.
En Estados Unidos, las películas inicialmente se proyectaban ante grandes audiencias sólo durante los intermedios de las operetas. Varias proyecciones de películas realizadas por empresarios dieron lugar a los primeros intentos de producción cinematográfica teatral en todo el mundo.
En los primeros días de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva York era el centro de la producción cinematográfica. Kaufman Astoria Studios en Queens se fundó durante la era del cine mudo cuando los hermanos Marx y Fields trabajaban allí.
Además, Chelsea, Manhattan, es también un lugar importante para la producción cinematográfica. Muchas de las primeras películas de la actriz ganadora del Oscar Mary Pickford también se rodaron en este lugar. Pero con un clima agradable durante todo el año, Hollywood se convierte en una mejor opción para filmar.
En segundo lugar, el ascenso de Hollywood
A principios de 1910, la American Kinetoscopio y Biopic Film Company envió al director David Griffith y su elenco a la costa oeste. El elenco incluía a Rue London Tree. y Lionel Barrymore.
Comenzaron a filmar en una locación abierta cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles. En ese momento, la empresa decidió desarrollar nuevas áreas. Así que caminaron unos cuantos kilómetros al norte, hasta Hollywood. En ese momento, Hollywood todavía era un pueblo pequeño y estaba muy dispuesto a permitir que las compañías cinematográficas hicieran películas allí.
Después de eso, Griffith completó su primera película en Hollywood. La película, titulada "En la vieja California", es un melodrama biográfico que describe California a principios del siglo XVIII, cuando todavía era parte de México. El equipo de American Kinetoscopio y Biograph permaneció en Hollywood durante unos meses y filmó algunas películas más antes de regresar a Nueva York.
Era el año 1913. Después de enterarse del éxito de la compañía en Hollywood, muchas productoras cinematográficas también se mudaron al oeste para evitar regalías sobre la tecnología cinematográfica de Thomas Edison. En Los Ángeles, California, las compañías cinematográficas y Hollywood crecieron simultáneamente. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas sólo se podían hacer en un puñado de ciudades estadounidenses.
Sin embargo, a medida que la industria cinematográfica crecía, las productoras cinematográficas se sintieron atraídas por el sur de California, donde el clima era templado y soleado, lo que permitía filmar al aire libre durante todo el año y en una variedad de escenarios. Aunque existen diferentes opiniones sobre el punto de partida del cine (especialmente el cine estadounidense), la película épica de Griffith de 1915 "El nacimiento de una nación" se convirtió en el primer vocabulario cinematográfico del mundo y todavía juega un papel importante en la historia del cine.
A principios del siglo XX, cuando los medios todavía eran algo nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron trabajo en la industria cinematográfica estadounidense y dejaron su huella: proyectando cortometrajes en el Nickelodeon, un teatro callejero (que al principio La época era famosa por sus entradas que costaban cinco céntimos (de ahí el nombre).
Unos años más tarde, aspirantes a cineastas como Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zuko, Louis B. Meyer y los hermanos Warner (es decir, Harry, Albert y Jack) se dedicaron a la producción cinematográfica y Pronto se convirtieron en gigantes de la nueva empresa: el estudio de cine.
(Había una directora en ese momento, Alice Gay-Bracher, que también era productora y gigante de los estudios). Sin embargo, sentaron las bases para la internacionalización de la industria cinematográfica, la industria cinematográfica estadounidense; A menudo se le acusó de ser intolerante con Estados Unidos.
Después de la Primera Guerra Mundial, llegaron a América algunos directores europeos como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Jean Renoir, así como cineastas como Rudolph Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Coleman y Charles Boyd.
Entraron en una era de autodescubrimiento de los actores: tras el nacimiento del cine sonoro, los actores del New York City Theatre se unieron a la industria de desarrollo más espectacular del siglo XX. A mediados de la década de 1940, la industria cinematográfica estaba en su apogeo: cada año se estrenaban unas 400 películas en los cines estadounidenses y casi 90 millones de estadounidenses iban a los cines cada semana.
"William Hayes salva la industria cinematográfica estadounidense", del dibujante estadounidense Cy Hungerford, 1922.
A finales de la década de 1920, el cine sonoro emergió gradualmente en Hollywood. En 1927, la primera película sonora, "The Jazz Singer", utilizó un tocadiscos Vitaphone. En mayo del mismo año, ERPI, filial de Western Electric Company, obtuvo el monopolio del doblaje de películas.
Por un lado, el impacto de las películas sonoras es que muchos actores del cine mudo no pueden encontrar trabajo porque la mayoría de ellos tienen mala voz o no recuerdan sus líneas. En 1922, el político estadounidense William Harrison Hays dejó la política y fundó la MPDAA, anteriormente Motion Picture Studio Organization, que se cambió a MPDAA después de su jubilación.
En los primeros días del desarrollo del cine sonoro, los estudios cinematográficos estadounidenses descubrieron que sus obras sonoras no eran aceptadas por el mercado cinematográfico en los países de habla no inglesa, e incluso recibían una fría acogida en otros idiomas ingleses. -Países de habla inglesa debido a la tecnología de doblaje simultáneo de la época. Una solución es producir las correspondientes películas de Hollywood en idiomas extranjeros.
Hacia 1930, empresas estadounidenses establecieron estudios cinematográficos en Francia. Muchos equipos diferentes trabajaron allí a tiempo parcial. Usan el mismo lugar, visten la misma ropa e incluso la mayoría de las escenas son iguales. Los actores, guionistas y ganadores de concursos de talentos extranjeros desempleados fueron seleccionados y enviados a Hollywood para hacer películas en lengua no inglesa que corresponderían a las películas de Hollywood en lengua inglesa.
Estas versiones de la película se rodaron con un presupuesto menor, dirigidas por directores estadounidenses de segunda categoría que sólo hablaban inglés y, a menudo, se rodaron de noche. El equipo de filmación español incluye a Luis Buñuel, Enrique Jader Ponceira, Xavier Couga y Edgar Neville.
Algunas versiones en idiomas extranjeros de películas de Hollywood definitivamente se pueden comparar con la versión de la banda sonora original, y la versión en español de "400 Years of Wonder" es una de ellas. A mediados de la década de 1930, la tecnología del doblaje sincrónico se había desarrollado bastante bien y el doblaje extranjero se había vuelto muy común.
En tercer lugar, la Edad de Oro de Hollywood
La llamada "Edad de Oro" de Hollywood se refiere al período comprendido entre finales de la década de 1920, que supone el final de la era del cine mudo. hasta finales de los años cincuenta. Durante este período se produjeron miles de películas. Su punto de partida es "The Jazz Singer" producida en 1927, en la que el uso de efectos de sonido no sólo acabó con la era del cine mudo, sino que también incrementó los ingresos de taquilla.
Ya sea un western, una revista, un musical, una película animada o una película biográfica, las películas de Hollywood casi siempre siguen un patrón: cada estudio tiene su propio equipo de producción específico.
Por ejemplo, Cedric Gibson y Herbert Stothart trabajaron para MGM, Avery Newman trabajó para 20th Century Fox durante 20 años y Seth. La mayoría de las películas de Seal DeMille fueron producidas por Paramount Pictures, y la mayoría de las películas de Henry King fueron producido por Fox.
Al mismo tiempo, la gente puede adivinar aproximadamente la productora de la película basándose en el reparto de la película. MGM afirmó tener "más estrellas de cine que las que hay en el cielo". Los temas y el estilo único de cada estudio también llevaron a especulaciones sobre la productora de cada película, un fenómeno que hoy ya no existe. Pero cada película es un poco diferente de las demás.
A diferencia de los fabricantes de automóviles, las personas que hacen películas son artistas. Por ejemplo, la película de 1944 "Tener y no tener" es famosa no sólo por los actores de "El primer hombre" Humphrey Bogart y Lauren Balkow, sino también porque el guión de esta película fue escrito por dos premios Nobel de literatura. Escrito por: Hemingway, autor de la novela original, y William Faulkner, guionista.
Durante la década de 1930 y gran parte de la Edad de Oro, MGM dominó el mercado cinematográfico y era propietaria de un gran número de superestrellas de Hollywood. Al mismo tiempo, a MGM también se le atribuye la creación del sistema de estrellas de Hollywood.
Las estrellas de MGM incluyen a Clark Gable, Lionel Barrymore, Gene Harlow, Norma Surya, Greta Garbo, Janet McDonough Na y su esposo Kim Raymond, Spencer Tracy, Judy Garland y Jim Carrey.
Otro gran logro de la industria cinematográfica estadounidense durante este período fue la Walt Disney Company. Del 65438 al 0937, Disney produjo la película de mayor éxito de la época, "Blancanieves y los siete enanitos".
De 1943 a 1939, MGM creó la película más exitosa de la historia, Lo que el viento se llevó, que siguió siendo la película más taquillera de la historia a pesar de la Gran Depresión.
Muchos historiadores del cine han comentado muchas de las grandes películas creadas durante este productivo período. Una razón puede ser que se hicieron tantas películas y no todas fueron un éxito.
Un estudio podría arriesgarse con una película de presupuesto medio con un buen guión y un reparto relativamente desconocido: Citizen Kane, de Orson Welles, encaja en esa descripción y está considerada la mejor película de todos los tiempos. En otros casos, directores incondicionales como Howard Hawks, Hitchcock y Frank Capra "lucharon" con los estudios para hacer realidad sus visiones artísticas.
1939 fue el apogeo del sistema de estudios. Este año se estrenaron muchas películas clásicas, como "El mago de Oz", "Lo que el viento se llevó", "La diligencia", "La visita del Sr. Smith". América", "Cumbres borrascosas" y "Ángel", "Alas", "Pato mandarín" y "Medianoche".
Entre las películas desde la época dorada, "Casablanca", "El hombre del año", "One Night Stand", "King Kong", "El cazarrecompensas", "City Lights", " Red River", "Top Hat" Ahora se considera un clásico.
En cuarto lugar, el declive del sistema de estudios
Los "tres pequeños" (Universal Studios, American Artists, Columbia Pictures) no tienen salas de cine propias y se niegan a compartir la sentencia de consentimiento. . Muchos cineastas independientes también estaban descontentos con el compromiso y la formación de un conocido sistema de cineastas independientes, acusando a Paramount de monopolizar los cines de Detroit, porque Paramount controlaba a personajes como Bob Hope, Pauline Godard, Willow Actors como Nika Lake y Betty Hutton; p>
El agente reveló que Bing Crosby, Alan Ladd y los antiguos estudios Gary Cooper ——Desde 1942. Durante la Segunda Guerra Mundial, los cinco grandes estudios no cumplieron los requisitos para un decreto de consentimiento sin mayores consecuencias. Pero después de la Segunda Guerra Mundial, se unieron a Paramount y se convirtieron en acusados en casos antimonopolio de Hollywood.
La Corte Suprema finalmente dictaminó que la propiedad y distribución de salas de cine por parte de los principales estudios violaba las leyes antimonopolio de Sherman. Entonces los estudios comenzaron a liberar actores y técnicos mediante contratos con ellos. Cada estudio importante de Hollywood ha cambiado su modelo cinematográfico, ya que cada estudio tiene un elenco y un equipo creativo completamente diferente.
Esto llevó a una pérdida gradual de carácter distintivo, de la que pronto se dieron cuenta MGM, Paramount, Cosmos, Columbia, RKO y Fox.
Sin embargo, algunos cineastas, como la Cecil B. DeMille Company, tienen contratos con actores que duran hasta el final de sus carreras o utilizan el mismo equipo creativo para sus películas, tanto es así que la película de DeMille , ya sea de 1932 o de 1956, todavía parece un modelo. Además, el número de producciones cinematográficas ha disminuido junto con un fuerte aumento en los presupuestos anuales promedio, lo que indica un cambio significativo en la estrategia de la industria.
El objetivo de los estudios ahora es producir entretenimiento que la televisión no puede ofrecer: películas de héroes espectaculares. El estudio también comenzó a vender parte de su filmoteca a otras empresas para vender televisores. En 1949, todos los grandes estudios cinematográficos habían cedido la propiedad de sus salas.
La televisión también contribuyó al declive de la Edad de Oro de Hollywood, ya que rompió el dominio de la industria cinematográfica sobre la industria del entretenimiento estadounidense. Aunque la industria cinematográfica decayó con la censura gubernamental a largo plazo en la década de 1950, de 65438 a 2009, podría ganar cierta influencia en películas futuras. Después del caso antimonopolio de Paramount, los estudios de Hollywood ya no eran propietarios de salas de cine, lo que permitía que las películas estadounidenses se proyectaran en los cines estadounidenses sin censura.
Esto complementó la decisión de 1952 de Miracle at Stan Company con Joseph Wilson. La Corte Suprema de Estados Unidos revocó su posición anterior. A juzgar por el caso entre 1915 Mutual Picture Company y la Comisión de Casos de Ohio, muestra que el cine es una forma de arte y tiene derecho a proteger la Primera Enmienda. La ley estadounidense ya no censura las películas.
En 1968, la MPAA había reemplazado el Código Hays, y después de que el gobierno amenazara con censurarlo, ahora constituía una violación significativa de la MPAA, lo que demuestra que los orígenes del código habían terminado con el sistema de clasificación de películas.
Verbo (abreviatura de verbo) Nuevo Hollywood y cine posclásico
El cine posclásico se utiliza para describir el estilo narrativo cambiante del Nuevo Hollywood. Se cree que el nuevo guión y la nueva forma de desarrollar los personajes capitalizan las expectativas levantadas por el público en el período clásico: años interrumpidos, historias con finales inesperados y líneas borrosas entre protagonistas y villanos.
La esencia de la narración posclásica se expresa más vívidamente en el cine negro, como "Rebelde sin causa" de 1955 y la trama fragmentada de "Psicosis" de Hitchcock.
El término "Nuevo Hollywood" se ha utilizado para describir el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine. Dominaron habilidades desarrolladas en Europa en la década de 1960. La película de 1967 "El bueno y el malo" marcó el comienzo de un renacimiento del cine estadounidense y significó el éxito de una nueva generación de películas en taquilla.
Hollywood siempre se ha adherido al principio de centrarse en el productor. La aparición de nuevas películas independientes de Hollywood ha creado una tendencia de integración de directores y productores, formando un sistema de capital de director.
Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian De Palma, Martin Scorsese, William Fried, ambos productores y directores de cine, King y Steven Spielberg comenzaron a hacer películas que rindieron homenaje a la historia del cine y desarrollaron géneros y estilos cinematográficos existentes. técnicas. A principios de la década de 1970, sus películas no sólo fueron aclamadas por la crítica sino también éxitos de taquilla.
Las primeras películas del Nuevo Hollywood, como "The Big Bad" y "Easy Rider", eran películas de bajo presupuesto sin héroes morales pero con sexo y violencia añadidos. Pero Coppola, Spielberg y Lucas lograron un gran éxito con El Padrino, Tiburón y Star Wars respectivamente, estimulando el surgimiento del éxito de taquilla moderno y atrayendo a los estudios a centrarse más en hacer más éxitos de taquilla.
El aumento de la inversión por parte de estos jóvenes directores no ha traído beneficios. A menudo sus agendas están tan llenas y sus presupuestos se exceden que ellos o su estudio quiebran. Dos de los ejemplos más famosos son Love and Love de Coppola, y más notablemente Heaven's Gate de Michael Cimino, que por sí sola llevó a la quiebra a United Arts Pictures.
Sir Alfred Hitchcock (13 de agosto de 1899-29 de abril de 1980), natural de Inglaterra, es un director de cine de fama mundial, especialmente bueno rodando novelas de suspense.
Este maestro del terror reconocido mundialmente inventó el "género de suspense". Alfred Hitchcock también fue un excelente técnico que combinó magistralmente sensualidad, suspenso y humor en una sola película.
Datos ampliados:
El Hollywood actual
1. Características del negocio
Las películas de Hollywood suelen pasar por estudios (distribuidores de películas) y los Productores firman. contratos y dejar que los estudios se encarguen de los canales de distribución, mientras los productores se centran en las películas mismas y crean éxitos de taquilla que se venden en todo el mundo.
En segundo lugar, la estética narrativa
En Hollywood, casi no existen barreras culturales o idiomáticas para las tramas, y la mayoría de los temas son películas de alto concepto que pueden difundirse entre culturas. Este tipo de trabajo puede venderse bien fácilmente en todo el mundo porque su tema está en línea con el mercado principal. Por eso ahora Hollywood se ha convertido en sinónimo de cine en muchas partes del mundo.
Aunque este tipo de películas tienen buena taquilla y son interculturales, algunos críticos culturales han criticado que si las películas de alto concepto son exclusivas, conducirán al mismo estilo narrativo de la película, que es "una comercial "La humanización y la arbitrariedad eventualmente conducirán a la desaparición de la diversidad". Ante tal hegemonía global, los cineastas y críticos responsables deberían mirar más allá de Hollywood y establecer un modelo cinematográfico diverso. "
En tercer lugar, la escala de la industria
Porque las industrias culturales relacionadas con el cine en los Estados Unidos han creado muchos puestos de trabajo y enormes oportunidades comerciales. Según el informe de la American Film Association, en 2011, Estados Unidos El número total de puestos de trabajo creados por la industria cinematográfica supera los 2,2 millones, de los cuales aproximadamente 700.000 son empleados directos en la industria cinematográfica y otros 6.543.8005.000 están empleados indirectamente para apoyar la producción cinematográfica. En 2012, los ingresos de la industria cinematográfica estadounidense. fue de 6.543,8+ 00,7 mil millones de dólares estadounidenses.