¿Quién conoce la historia de la fotografía?
La fotografía pintoresca es un género artístico que floreció en el campo de la fotografía a principios del siglo XX. Se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. Ha pasado por tres etapas: la etapa de imitación; la etapa de defensa de la elegancia y la etapa artística;
El pintor propuso que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".
La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. La primera placa fotográfica de pintura fue del pintor británico Shiloh (1802-1870). Se especializa en fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. El período comprendido entre 1851 y 1853 fue el período de crecimiento de la fotografía pictórica. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre los efectos pintorescos de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo. No hay duda de que el progreso continuo y la invención de la tecnología fotográfica inspiran objetivos más elevados, lo cual es suficiente para que los fotógrafos jueguen más libremente; pero "Progreso tecnológico no significa progreso artístico, porque la fotografía en sí, por refinada y completa que sea, es sólo un cinturón que conduce a un objetivo superior". sentó las bases teóricas de esta escuela.
En 1857, Og Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Two Ways of Life, que marca la madurez del arte de la pintura y la fotografía.
La mayoría de las obras de este período están llenas de tintes religiosos y contienen ciertas metáforas. Al disparar, haga un boceto con anticipación, luego use modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y procese en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la fotografía pictórica se ha ampliado, pero el estilo todavía defiende el clasicismo, y la forma y la composición todavía tienen reglas académicas, por lo que parece frugal, pesada y elegante.
Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, todavía se caracterizaba por la búsqueda de la belleza emocional, la concepción artística y la belleza formal.
Porque el pintor enfatizó los logros artísticos: "Para que la fotografía tenga un lugar en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y los logros artísticos. Por lo tanto, su contribución histórica es transformar la fotografía de lo mecánico original". Los objetos de imitación fueron orientados al campo de las artes plásticas e impulsaron el desarrollo del arte fotográfico.
Dado que la creación de pinturas está en gran medida divorciada de la vida real, el equipo fotográfico es cada vez más perfecto, el interés de la gente por la belleza temprana continúa desarrollándose y se ven impactados por el naturalismo. A pesar de esto, todavía hoy ocupa un lugar en el panteón del arte fotográfico.
Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: Pledge (?-1896) Baron's Banquet, Robinson Crusoe, escena de la pagoda "Cuando el día termine, Otoño, Dos niñas, Morir, Julieta" de Robin Hood; con la botella de veneno, amanecer y atardecer"; Rayland Baptist, Jefe de los Pactos de Alpeng, Iphi, Virginia, Judith y Holofernes; Lady Cameron (1815- Thomas Carlyle (1897) y Nida (1820-1910) en su lecho de muerte.
Fotografía Impresionista
En 1889 se celebró en Inglaterra la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas suaves" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
Al principio, filmaron con lentes de enfoque suave, reveladas e impresas en papel tejido, persiguiendo un efecto de expresión artística vaga. Con la aparición del "método de revelado con bromuro de plata" y el método de revelado en papel en el que los pigmentos se mezclaban con pegamento dicromato, las obras impresionistas evolucionaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro. Propusieron que "la obra no debería parecerse en nada a una fotografía" y "si no hay pintura, no hay fotografía real".
Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, lápices y borradores Procese la imagen, cambie deliberadamente los cambios de luz y oscuridad originales y busque el efecto de "pintura". Por ejemplo, "Park Sweeper" de La Croix de 1900 es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo.
Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo sus propias características fotográficas, por lo que algunas personas los llaman "imitaciones". Se puede decir que es una rama de la pintura y la fotografía.
El arte de este género se caracteriza por tonos oscuros, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyue (1857-1933), Qiu En (1866-1944) y Wattsek (1848-1903). 1871-1937), Durkheim (1848-1965438), Évre (1874-1948), Mizón.
Escribe y haz fotografías.
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga trayectoria que continúa hasta el día de hoy y sigue siendo la base y el género principal de la fotografía. Es la encarnación del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debería tener una lealtad "igual a la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. a. Stieglitz dijo una vez: "Nuestra misión es sólo discutir la lealtad". Por otro lado, reflejan el objeto de manera fría y puramente objetiva como un espejo objetivo, defendiendo que la creación debe ser selectiva y que los artistas deben tener lo suyo. juicio estético. El famoso fotógrafo realista Lewis Hayne dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer lo que se debe corregir y también reflexionar sobre lo que se debe elogiar. Se puede ver que defienden que el arte debe "reflejar el punto de vista de la vida". . Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
Los primeros trabajos de fotografía realista fueron los documentales con colodión realizados por el fotógrafo británico Philippe de la Motte en 1853. Más tarde vinieron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los años sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el Dr. Barnardo, fotógrafo de la época, capturó la trágica situación de los niños de la calle, lo cual fue impactante.
La fotografía realista ha ido ocupando poco a poco un lugar propio en el campo del periodismo debido a su enorme función cognitiva y su extraordinario atractivo. En la década de 1990, las obras del fotógrafo estadounidense Jacob Rees sobre la vida en los barrios marginales de Nueva York fueron obras fundamentales en esta área.
Posteriormente, surgieron un gran número de fotógrafos realistas, y sus obras son conocidas por su fuerte autenticidad y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "Los mineros del carbón" del británico Brandt; "Las mujeres francesas muertas son afeitadas y desfiladas en las calles" del estadounidense R. Capa; "La muchacha" del francés Weiss, etc., hay demasiadas para mencionarlas.
Palabras moralistas y moralistas
En 1889, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en respuesta a las debilidades de la creación pictórica. El artículo critica la fotografía pictórica como. fotografía fragmentada y aboga por que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el punto final del arte. Sólo el arte más cercano a la naturaleza y más parecido a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que no hay arte que refleje la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. “Emocional y psicológicamente, el efecto de la fotografía radica en las escenas con lentes no modificadas grabadas en materiales fotosensibles”. Otro maestro de la escuela, A.L. Pacho, dijo más claramente: “El arte debe dejarse en manos del artista. En lo que respecta a ello, no tenemos nada en qué confiar y debemos crear de forma independiente”.
Se puede ver que este concepto artístico es una reacción a la pintura y anima a las personas a romper con las limitaciones de la academia. y promovió el pleno desarrollo de sus propias características.
Los temas creativos de esta escuela son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, descuidando explorar la esencia de la realidad y refinar los objetos superficiales. En definitiva, no presta atención a la tipicidad de la creación artística y de las imágenes artísticas. Se trata, pues, esencialmente de una vulgarización del realismo. Esto a veces resulta en una distorsión de la realidad.
Los fotógrafos famosos de la escuela incluyen a Deveson (1856-1930), Wilkinson (1857-1921), Geer (?-1906), Scratcher (1856-?), Sutcliffe (1859-1940), etc.
Fotografía Escolar de Pura Esencia
La fotografía pura es un género de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Steve Grizzly (1864-1946). Abogan por que la fotografía debe dar rienda suelta a sus propias características y expresiones, deshacerse de la influencia de la pintura y buscar los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, niveles tonales ricos, cambios sutiles de luces y sombras, puro Tonos en blanco y negro, representación meticulosa de texturas y representación precisa de imágenes. En definitiva, este grupo de fotógrafos persigue deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, sutil y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio artístico plástico.
La "Nueva York" expuesta en la clase de formación en 1913 es una obra maestra de pura escuela. El fotógrafo mira una plaza de Nueva York desde arriba. Aunque no hay procesamiento ni decoración, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es Frank K Sandberg de E. Utilizó múltiples métodos de exposición para evitar las limitaciones de espacio y tiempo en una sola obra, y representó las transformaciones emocionales y los tonos del poeta en una imagen. Los cambios en combinación y composición son muy rítmicos.
Desde cierta perspectiva, algunos de los pensamientos y creaciones de los puristas son "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "Nuevo Objetivismo". Pero este género ha impulsado en cierta medida la exploración y la investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.
Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos jóvenes del grupo de la agencia de fotografía 6.2, como Adans, Genlinghan, etc.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se incluyen Yabo, Steiner, Steven y Evans.
La novedad es el significado principal de las cosas.
La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía dominante” y “fotografía del nuevo realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos, primeros planos y otros medios, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y la estructura de su superficie se representa de manera precisa y verdadera, logrando así un efecto visual deslumbrante. No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles, le dio a la audiencia. una fuerte impresión visual.
El pionero teórico del Nuevo Objetivismo es Strand, quien estipuló las características artísticas del Objetivismo de la siguiente manera: "El Nuevo Objetivismo es la esencia de la fotografía, y es también el producto y la frontera de la fotografía en su It". Parece que la fotografía "es extremadamente expresiva de la vida y requiere ojos para observar las cosas". Por lo tanto, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino en fotografía pura. "Los pioneros de la fotografía de la Nueva Objetividad son Atget y Steichen. El verdadero fundador es Pacho, mencionado anteriormente.
Pacho se opuso a la dependencia de la fotografía de la pintura. Enfatizó que el arte fotográfico debe basarse en sus propias características, creyendo que la fotografía El valor estético de la pintura está oculto en sus propias características. Sólo dando pleno juego a sus propias características se puede crear belleza. Dijo: "El artista debe dibujar las pinturas a voluntad. Sólo en función de sus características inherentes se pueden crear fotografías y pinturas independientes. ser creado." Nada puede ser prestado. ”
El logro de los fotógrafos de la Nueva Objetividad es alentar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí y, sin embargo, devolver la fotografía del mundo de fantasía estética a la vida real. sobre la descripción de la estructura superficial de materiales detallados, que sirvieron de base para el surgimiento de la fotografía abstracta posterior.
Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo en el campo de expresión del Nuevo Objetivismo, que produjo numerosos retratos y obras que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.
Los fotógrafos famosos del Nuevo Objetivismo incluyen a Sander (1876-1964), Laski (1871-1956) y Haig (1893-1955). ), Eft (1874-1948), Weston, Adams (?-1902), etc.