Consejos básicos para la edición de vídeo
(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de las actuaciones cinematográficas y televisivas.
La combinación de lentes debe ajustarse a la lógica de la vida y del pensamiento. Si no es lógico, el público no lo entenderá. Los temas e ideas centrales a expresar en los programas de cine y televisión deben ser claros. Sobre esta base, podemos decidir qué planos elegir y cómo combinarlos en función de las necesidades psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento.
(2) El cambio de escenario debe adoptar un método "paso a paso".
En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado drástico, de lo contrario no será fácil conectarse. Por el contrario, la "escena" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y la lente no es fácil de montar. Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para el desarrollo y cambio de la "escena" durante el rodaje. Cambiar gradualmente las lentes con diferentes distancias de visión puede crear conexiones fluidas y formar varias frases de montaje.
Patrón de oración progresiva: este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar el desarrollo de emociones y tramas de menor a mayor.
Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas de mayor a menor, y se expresa desde los detalles a todos en la película.
Patrón de oración circular: Es una combinación de oraciones positivas y negativas. Desde panorama-plano medio-plano cercano-plano cercano, y luego desde plano cercano-plano cercano-plano medio-plano lejano, o también podemos usarlo al revés. Expresa emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este patrón de oraciones se utiliza a menudo en largometrajes de cine y televisión.
Al montar la lente, si se encuentra el mismo plano, no se pueden montar imágenes de la misma escena y del mismo sujeto. Debido a que las escenas en las tomas no cambian mucho, cada par de fotogramas se ve igual, como si la misma toma se repitiera una y otra vez. Por otro lado, cuando se conectan dos tomas con pocos cambios en la ubicación y el escenario, siempre que el paisaje en la imagen cambie ligeramente, saltará en el campo de visión de las personas o parecerá que una toma larga ha sido interrumpida muchas veces. provocando que se tenga la sensación de "tirar de películas extranjeras" y de "linterna giratoria", lo que destruye la continuidad de la imagen.
Si te encuentras en una situación así, graba estas tomas desde el principio (esto puede resolver el problema para programas con pocas tomas, para otras películas con las mismas ubicaciones y escenas, requerirá mucho tiempo y dinero). Recursos. La mejor manera es utilizar lentes de transición. Por ejemplo, filmar desde diferentes ángulos y luego ensamblarlo, intercalando subtítulos, permite cambiar la posición y los movimientos del intérprete antes del montaje. De esta manera, las imágenes ensambladas no se sentirán nerviosas, discontinuas o dislocadas.
(3) Reglas de dirección y eje de disparo en el montaje de lentes.
Cuando el sujeto entra y sale del encuadre, debemos prestar atención a la dirección general de disparo y disparar desde el lado del eje; de lo contrario, los dos encuadres se conectarán y el sujeto "se estrellará". ".
La llamada "ley del eje" se refiere a si existe un fenómeno de "salto de eje" en la toma. Al disparar, si la posición de la cámara siempre está en el mismo lado del eje de movimiento principal, entonces la dirección de movimiento de la imagen y la dirección de ubicación son consistentes, de lo contrario, debe ser "salto de eje". Las imágenes de salto de eje no se pueden montar.
(4) El conjunto de la lente debe seguir las reglas de "sigue el movimiento" y "seguimiento estático"
Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en la imagen son coherente, la acción puede ser seguida por Siga los movimientos para lograr una transición suave y concisa, lo que se denomina "movimiento y movimiento". Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa en el medio, entonces la combinación de las dos tomas debe tener una toma en movimiento desde la imagen fija hasta el comienzo después de que el sujeto completa una acción completa en la imagen anterior. , este es el llamado "de la quietud a la quietud". En la combinación de "foto y foto", el momento en que termina la toma anterior se llama "imagen izquierda", y el momento en que la siguiente toma está quieta antes del movimiento se llama "encuadre". La imagen de la izquierda dura aproximadamente uno o dos segundos.
La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano oscilante, el plano oscilante debe comenzar desde un fotograma; por el contrario, a un plano tembloroso le sigue un plano fijo, por lo que el plano oscilante debe tener un "marco izquierdo", de lo contrario la imagen se verá afectada. Dar a la gente la ilusión de sentir el salto. Para efectos especiales, también existen tomas estáticas o dinámicas.
(5) La duración del tiempo de montaje de la lente
Cuando filmamos películas y programas de televisión, la duración del tiempo de inactividad de cada lente se basa primero en la dificultad y la dificultad del El contenido a expresar está determinado por la aceptación de la audiencia y, en segundo lugar, también se deben considerar factores como la composición de la imagen. Por ejemplo, debido a que las escenas seleccionadas en la imagen son diferentes, el contenido de la imagen también es diferente. Una imagen con un plano grande, como un plano largo o un plano medio, contiene más contenido, y el público necesita ver el contenido de estas imágenes con claridad, lo que lleva más tiempo, mientras que una imagen con un plano pequeño, como un primer plano. o el primer plano contiene menos contenido y la audiencia puede ver claramente en poco tiempo, por lo que el tiempo en la pantalla puede ser más corto.
Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también limitan la duración de la imagen. Al igual que las partes brillantes de una imagen llaman más la atención que las partes oscuras. Por lo tanto, si la imagen va a mostrar las partes brillantes, la longitud debe ser más corta; si va a mostrar las partes oscuras, la longitud debe ser más larga; En la misma imagen, las partes móviles atraen la atención visual antes que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco está en la parte en movimiento, la imagen debe ser más corta; al mostrar la parte estática, la duración de la imagen debe ser ligeramente mayor;
(6) Unificación del tono de color en la combinación de lentes
El tono se refiere a la imagen en negro. El paisaje en la pantalla negra, sin importar el color que sea, está representado por muchos niveles de blanco y negro de diferentes tonos suaves y duros. Para las imágenes en color, además del problema del tono, también existe un problema de color. Ya sea que combine imágenes en blanco y negro o en color, mantenga la coherencia en el tono y el color. Si se conectan dos grupos de lentes con fuerte contraste de luz y oscuridad o de color (excepto para necesidades especiales), se sentirá rígido e incoherente, lo que afectará la expresión fluida del contenido.
(7) El ritmo de combinación de planos
El tema, estilo y estilo del cine y programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes, y los altibajos de la trama, están de acuerdo con el ritmo general de los programas de cine y televisión. El ritmo de la película no sólo se refleja a través de la actuación de los actores, el cambio y movimiento de la cámara, la coordinación de la música y los cambios en el tiempo y el espacio de la escena, sino que también requiere el uso de métodos combinados para estrictamente controlar el tamaño y número de disparos. Reorganice y ajuste el orden de las tomas y elimine detalles redundantes. También se puede decir que el ritmo combinado es el último eslabón del ritmo general de la película educativa.
Cuando se trata cualquier trama o un grupo de escenas en un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si utiliza cambios de cámara rápidos en un ambiente tranquilo y pacífico, hará que la audiencia se sienta brusca y difícil de aceptar. Sin embargo, en algunas escenas con un ritmo fuerte y emociones emocionantes, se deben considerar varios factores que influyen para que la velocidad de cambio de las tomas cumpla con los requisitos psicológicos del público joven, a fin de mejorar la emoción del público joven y lograr el propósito de atraer y imitación. Algunas técnicas de edición de vídeo y procesamiento de sonido (2) Todos sabemos que no importa qué película o programa de televisión sea, está compuesto por una serie de planos conectados en un orden determinado. Estos planos pueden continuar, permitiendo al espectador ver en la película que están integrados en un todo completo. Esto se debe a que el desarrollo y cambio de lentes debe seguir ciertas reglas, que describiremos en detalle más adelante.
(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de las actuaciones cinematográficas y televisivas.
La combinación de lentes debe ajustarse a la lógica de la vida y del pensamiento. Si no es lógico, el público no lo entenderá. Los temas e ideas centrales a expresar en los programas de cine y televisión deben ser claros. Sobre esta base, podemos decidir qué planos elegir y cómo combinarlos en función de las necesidades psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento.
(2) El cambio de escenario debe adoptar un método "paso a paso".
En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado drástico, de lo contrario no será fácil conectarse. Por el contrario, la "escena" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y la lente no es fácil de montar.
Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para el desarrollo y cambio de la "escena" durante el rodaje. Cambiar gradualmente las lentes con diferentes distancias de visión puede crear conexiones fluidas y formar varias frases de montaje.
Patrón de oración progresiva: este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar el desarrollo de emociones y tramas de menor a mayor.
Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas de mayor a menor, y se expresa desde los detalles a todos en la película.
Patrón de oración circular: Es una combinación de oraciones positivas y negativas. Desde panorama-plano medio-plano cercano-plano cercano, y luego desde plano cercano-plano cercano-plano medio-plano lejano, o también podemos usarlo al revés. Expresa emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este patrón de oraciones se utiliza a menudo en largometrajes de cine y televisión.
Al montar la lente, si se encuentra el mismo plano, no se pueden montar imágenes de la misma escena y del mismo sujeto. Debido a que las escenas en las tomas no cambian mucho, cada par de fotogramas se ve igual, como si la misma toma se repitiera una y otra vez. Por otro lado, cuando se conectan dos tomas con pocos cambios en la ubicación y el escenario, siempre que el paisaje en la imagen cambie ligeramente, saltará en el campo de visión de las personas o parecerá que una toma larga ha sido interrumpida muchas veces. provocando que se tenga la sensación de "tirar de películas extranjeras" y de "linterna giratoria", lo que destruye la continuidad de la imagen.
Si te encuentras en una situación así, graba estas tomas desde el principio (esto puede resolver el problema para programas con pocas tomas, para otras películas con las mismas ubicaciones y escenas, requerirá mucho tiempo y dinero). Recursos. La mejor manera es utilizar lentes de transición. Por ejemplo, filmar desde diferentes ángulos y luego ensamblarlo, intercalando subtítulos, permite cambiar la posición y los movimientos del intérprete antes del montaje. De esta manera, las imágenes ensambladas no se sentirán nerviosas, discontinuas o dislocadas.
(3) Reglas de dirección y eje de disparo en el montaje de lentes.
Cuando el sujeto entra y sale del encuadre, debemos prestar atención a la dirección general de disparo y disparar desde el lado del eje; de lo contrario, los dos encuadres se conectarán y el sujeto "se estrellará". ".
La llamada "ley del eje" se refiere a si existe un fenómeno de "salto de eje" en la toma. Al disparar, si la posición de la cámara siempre está en el mismo lado del eje de movimiento principal, entonces la dirección de movimiento de la imagen y la dirección de ubicación son consistentes, de lo contrario, debe ser "salto de eje". Las imágenes de salto de eje no se pueden montar.
(4) El conjunto de la lente debe seguir las reglas de "sigue el movimiento" y "seguimiento estático"
Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en la imagen son coherente, la acción puede ser seguida por Siga los movimientos para lograr una transición suave y concisa, lo que se denomina "movimiento y movimiento". Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa en el medio, entonces la combinación de las dos tomas debe tener una toma en movimiento desde la imagen fija hasta el comienzo después de que el sujeto completa una acción completa en la imagen anterior. , este es el llamado "de la quietud a la quietud". En la combinación de "foto y foto", el momento en que termina la toma anterior se llama "imagen izquierda", y el momento en que la siguiente toma está quieta antes del movimiento se llama "encuadre". La imagen de la izquierda dura aproximadamente uno o dos segundos. La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano oscilante, el plano oscilante debe comenzar desde un fotograma; por el contrario, a un plano tembloroso le sigue un plano fijo, por lo que el plano oscilante debe tener un "marco izquierdo", de lo contrario la imagen se verá afectada. Dar a la gente la ilusión de sentir el salto. Para efectos especiales, también existen tomas estáticas o dinámicas.
(5) La duración del tiempo de montaje de la lente
Cuando filmamos películas y programas de televisión, la duración del tiempo de inactividad de cada lente se basa primero en la dificultad y la dificultad del El contenido a expresar está determinado por la aceptación de la audiencia y, en segundo lugar, también se deben considerar factores como la composición de la imagen. Por ejemplo, debido a que las escenas seleccionadas en la imagen son diferentes, el contenido de la imagen también es diferente. Una imagen con un plano grande, como un plano largo o un plano medio, contiene más contenido, y el público necesita ver el contenido de estas imágenes con claridad, lo que lleva más tiempo, mientras que una imagen con un plano pequeño, como un primer plano. o el primer plano contiene menos contenido y la audiencia puede ver claramente en poco tiempo, por lo que el tiempo en la pantalla puede ser más corto.
Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también limitan la duración de la imagen.
Al igual que las partes brillantes de una imagen llaman más la atención que las partes oscuras. Por lo tanto, si la imagen va a mostrar las partes brillantes, la longitud debe ser más corta; si va a mostrar las partes oscuras, la longitud debe ser más larga; En la misma imagen, las partes móviles atraen la atención visual antes que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco está en la parte en movimiento, la imagen debe ser más corta; al mostrar la parte estática, la duración de la imagen debe ser ligeramente mayor;
(6) Unificación del tono de color en la combinación de lentes
El tono se refiere a la imagen en negro. El paisaje en la pantalla negra, sin importar el color que sea, está representado por muchos niveles de blanco y negro de diferentes tonos suaves y duros. Para las imágenes en color, además del problema del tono, también existe un problema de color. Ya sea que combine imágenes en blanco y negro o en color, mantenga la coherencia en el tono y el color. Si se conectan dos grupos de lentes con fuerte contraste de luz y oscuridad o de color (excepto para necesidades especiales), se sentirá rígido e incoherente, lo que afectará la expresión fluida del contenido.
(7) El ritmo de combinación de planos
El tema, estilo y estilo del cine y programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes, y los altibajos de la trama, están de acuerdo con el ritmo general de los programas de cine y televisión. El ritmo de la película no sólo se refleja a través de la actuación de los actores, el cambio y movimiento de la cámara, la coordinación de la música y los cambios en el tiempo y el espacio de la escena, sino que también requiere el uso de métodos combinados para estrictamente controlar el tamaño y número de disparos. Reorganice y ajuste el orden de las tomas y elimine detalles redundantes. También se puede decir que el ritmo combinado es el último eslabón del ritmo general de la película educativa.
Cuando se trata cualquier trama o un grupo de escenas en un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si utiliza cambios de cámara rápidos en un ambiente tranquilo y pacífico, hará que la audiencia se sienta brusca y difícil de aceptar. Sin embargo, en algunas escenas con un ritmo fuerte y emociones emocionantes, se deben considerar varios factores que influyen para que la velocidad de cambio de las tomas cumpla con los requisitos psicológicos del público joven, a fin de mejorar la emoción del público joven y lograr el propósito de atraer y imitación.
(8) Métodos para ensamblar lentes
Además de los principios ópticos, la combinación de lentes también se puede cambiar directamente entre lentes a través de la ley de conexión, lo que hace que la trama sea más natural y fluida. . Aquí presentamos varios métodos de combinación efectivos.
Unir y ensamblar: Serie de dos o más tomas conectadas que muestran el mismo sujeto en acción.
Conexión en cola: tomas conectadas pero no el mismo tema. Debido al cambio de tema, aparecerá el siguiente tema y el público pensará en la relación entre las imágenes superior e inferior, que desempeña el papel de eco, contraste y metáfora. A menudo revelan creativamente nuevos significados.
Combinación de cuadrícula en blanco y negro: crea un efecto visual especial, como un rayo, una explosión, un efecto de flash de estudio fotográfico, etc. Al ensamblar, puedes reemplazar las piezas que necesitan ser iluminadas con marcos blancos, ensamblar múltiples marcos negros en el momento en que se encuentran varios vehículos, o usar marcos blancos y negros para cruzar en el momento adecuado, lo que ayudará a fortalecer el ritmo del filmar, recrear la atmósfera y mejorar el suspenso.
Combinación de lentes en dos etapas: Es un modo combinado en el que un primer plano salta directamente a una panorámica o cambia directamente de una panorámica a un primer plano. Este método puede hacer que el desarrollo de la trama cambie de dinámico a estático o en silencio, dando al público una fuerte sensación de franqueza, formando un cambio repentino de ritmo y produciendo efectos visuales y psicológicos especiales.
Ensamblaje de tomas de flashback: utilizando tomas de flashback, como insertando tomas de personajes que recuerdan eventos pasados, esta técnica de ensamblaje se puede utilizar para revelar los cambios internos de los personajes.
Análisis del mismo plano: Utiliza el mismo plano en varios lugares. Cuando se utiliza esta técnica de combinación, a menudo se debe a las siguientes consideraciones: ya sea porque los materiales pictóricos requeridos no son suficientes o porque una escena se repite deliberadamente para expresar el cabello y la memoria de un determinado personaje o porque el significado simbólico único de una imagen; Se enfatiza imprimir y distribuir los pensamientos del público o hacer que el final se satisfaga entre sí, logrando así un sentimiento completo y riguroso en la estructura artística.
Costura: A veces, aunque fotografíemos muchas veces en exteriores y el tiempo de disparo sea bastante largo, las lentes disponibles son muy cortas y no consiguen conseguir la longitud y el ritmo que necesitamos. En este caso, si hay tomas con contenido igual o similar, podemos combinar algunas de ellas para conseguir la longitud necesaria de la pantalla del programa.
Insertar combinación de tomas: cambia entre una toma e inserta otra toma que represente un sujeto diferente. Si una persona camina por la carretera o está sentada en un automóvil y mira hacia afuera, de repente inserte una lente que represente la línea de visión subjetiva del personaje (lente subjetiva) para mostrar lo que el personaje ve inesperadamente, sus sentimientos intuitivos y la lente que despierta. asociaciones.
Combinación de acciones: utilizando la conexión de acciones y dinámicas de personas, animales, vehículos, etc. Además de la coherencia y la similitud de acción, se utiliza como medio de transición de tiro.
Combinación de primer plano: El último plano termina con un primer plano de una determinada parte de una persona u objeto (cabeza u ojos), y luego a partir de este primer plano, el campo de visión. Se amplía gradualmente para mostrar otra Las circunstancias de la trama. El propósito es cambiar inconscientemente la escena y el contenido narrativo cuando la atención de la audiencia se centra en la expresión de una persona o algo así, sin que la gente se sienta incómoda.
Combinación de planos de paisajes: Abuso de planos de paisajes entre los dos planos. Entre ellas, hay tomas con paisajes como tema principal y objetos como fondo, que pueden expresar diferentes entornos geográficos y características del paisaje, así como cambios de tiempo y estaciones, y también son expresiones líricas del paisaje. Por otro lado, hay tomas que se centran en objetos y utilizan el paisaje como contraste, que a menudo se utilizan como medio de conversión de lentes.
Transición de voz: Utiliza la transición de narración. Esta técnica es generalmente más común en películas de ciencia y educación. Utilice transiciones alternas entre voz en off y voz en off, como algunas de las actuaciones de las escenas de llamadas telefónicas. Además, también se utiliza el canto para lograr el efecto de transición y se utilizan varios contenidos para cambiar de escena.
Transición multipantalla: esta técnica se llama multipantalla, multipantalla, multipantalla, multipantalla. Es una técnica nueva en el arte cinematográfico y televisivo moderno. partes, lo que puede hacer que tramas dobles o múltiples vayan de la mano, reduciendo considerablemente el tiempo. Por ejemplo, en la escena del teléfono, hay personas a ambos lados del teléfono. Después de hacer la llamada, el drama de la persona que llama termina, pero el drama de la persona que llama comienza.
La técnica de combinación de lentes es una variedad de pétalos, que se crean según la intención del creador y el contenido y necesidades de la trama. No existen regulaciones ni restricciones específicas. En la posedición específica, puede hacer lo mejor que pueda según la situación, pero no puede desviarse de la situación y las necesidades reales.
1. La combinación de sonidos es sumamente útil.
En las películas didácticas de cine y televisión, además de la estrecha cooperación entre el contenido didáctico visual y sonoro, la combinación del sonido en sí también puede mostrar el importante papel del sonido en la expresión del tema.
(1) Yuxtaposición de sonidos
Esta combinación de sonidos es cuando aparecen varios sonidos al mismo tiempo, produciendo un efecto mixto para expresar una determinada escena. Por ejemplo, el sonido de los coches y de la gente en calles muy transitadas. Pero los sonidos deben tener prioridades y adaptarse adecuadamente a la imagen. El sonido más expresivo debe ser la melodía principal.
(2) Yuxtaposición de sonidos
Organizar sonidos con diferentes significados al mismo tiempo según sea necesario es un efecto de contraste en fuerte contraste.
(3) Enmascaramiento de sonido
En la misma escena, aparecen múltiples sonidos similares uno al lado del otro, un sonido se destaca y atrae la atención de las personas hacia un determinado generador.
(4) Sonidos alternativos.
Es decir, los mismos sonidos se reproducen uno tras otro, uno tras otro, representando la misma acción o cosa. Esta alternancia rítmica regular de sonidos se utiliza a menudo para realzar la atmósfera de una escena.
(5) Conversión de alternancia de sonidos
Es decir, utilizar la similitud en tono o ritmo de dos sonidos para convertir un sonido en dos sonidos. Si se convierte en música con un ritmo similar, no sólo puede mantener la autenticidad del entorno causada por los efectos de sonido en la impresión del público, sino también ejercer el atractivo de la música. Expresar plenamente una emoción interior. Al mismo tiempo, debido a la similitud del ritmo, da a las personas una sensación de unidad durante el proceso de transformación. Este efecto de transformación es rítmico y fácil de recordar.
(6) Sonido y "silencio" aparecen alternativamente
El "silencio" es una técnica de expresión positiva, habitualmente utilizada para resaltar el miedo, la ansiedad, la soledad y el silencio de los personajes de las películas. y la televisión. La atmósfera y el estado de ánimo, y el vacío interior de los personajes.
"Silence" puede formar un claro contraste con el sonido en términos de emoción y ritmo, y tiene un fuerte atractivo artístico.
Por ejemplo, el silencio después de una tormenta hará que la gente sienta que el tiempo está suspendido y la quietud de la vida le dará a la gente un fuerte impacto emocional. Sin embargo, no debería haber demasiadas escenas mudas de este tipo en la película, de lo contrario ralentizará el ritmo, perderá atractivo y creará emociones subjetivas irritables.
2. Procesamiento del arte sonoro en programas de cine y televisión.
En el contenido anterior, presentamos los tipos y métodos de procesamiento de sonidos en películas y programas de televisión. Además de la relación entre sonido e imagen, la relación entre sonido y sonido inevitablemente se convertirá en un problema inevitable y frecuente. Por lo tanto, sólo la estrecha cooperación de la narración, el sonido y la música puede lograr efectos artísticos perfectos. Si la interpretación y los efectos musicales se tratan de forma aislada, Hong Kong fácilmente lo compensará y complicará la película. En este caso, no refleja la realidad, pero tampoco evoca sentimientos reales. De hecho, cuando miramos algo, muchas veces escuchamos un sonido proveniente de otros lugares. O tal vez sea porque estamos tan atraídos por algo que no escuchamos otros sonidos que llegan a nuestros oídos. Por estas razones, en una película, el sonido debe ser como la imagen. Después de la selección, se deben considerar y organizar de manera uniforme múltiples sonidos.
Al considerar cómo unificar las distintas voces de la película, debemos darnos cuenta de que, aunque la película puede acomodar muchas voces, solo se puede resaltar una voz a la vez. Por eso, lo más importante para unificar varios sonidos es intentar no utilizar varios sonidos al mismo tiempo, e intentar que se intercalen en la película.
En definitiva, en la película el uso de diversos sonidos debe ser específico, variado y enfocado, evitando la ceguera, la monotonía y la repetición en el uso de los sonidos. Cuando utilizamos el sonido, primero debemos afirmar lo que representa, comprender el rango de expresión del sonido, considerar el fondo del sonido, eliminar la debilidad, acumulación y transformación antinatural del sonido, integrar estrechamente el sonido con la imagen y Dale rienda suelta a la combinación de sonido e imagen.