La obra maestra de Paul Gauguin
Gauguin expuso un cuadro completamente original "El cuaderno del desnudo" en la Exposición de Pintores Independientes de 1881. Un crítico escribió en un artículo que reseñaba la exposición: "Esta pintura muestra el temperamento indiscutible de un pintor contemporáneo. De todos los pintores contemporáneos que han pintado desnudos, nadie puede expresar la vida con tanta fuerza... realista... todo este cuerpo". , este vientre ligeramente hinchado que cuelga de las piernas y los muslos, qué real es."
Al mirar esta pintura hoy, puedes ver esta imagen. La estructura se ajusta a los conceptos impresionistas de luz y oscuridad de Pissarro. Sin embargo, hay tonos realistas evidentes (como arrugas en el cuerpo humano y deformación de la espalda), y el contraste entre tonos claros y oscuros es más fuerte también se puede ver un boceto poco inteligente y con cierta desproporción; Estas actuaciones poco convencionales, por un lado, ilustran la tendencia realista de Gauguin, pero por otro, obstaculizan la unidad general. Los colores nude son rosa y verde con tonos azul oscuro; la ropa interior es rosa y azul cielo; la crinolina del lado derecho del cuerpo es verde y azul; el cabello es azul y negro; la pared es negra y amarilla; el tapiz es rayado en amarillo, blanco, azul y rojo. Las texturas de las guitarras y tapices son perfectas; el resto no está del todo bien. Los colores son atrevidos e intensos, pero más logrados en los detalles que en general. En definitiva, el autor de esta obra es un colorista atrevido que presta poca atención al tono, un dibujante que carece de confianza en su propio esquema y un artista sin mucha vitalidad y más polémico que inspirado.
Los cerdos de Bretaña
El cuadro de 1888 "Los cerdos de Bretaña" tiene un borde negro. Estos planos se enfrentan entre sí para transmitir una sensación de espacio sin depender de medios tonos. Algunos colores están dibujados casualmente y no pueden reflejar la realidad: los bosques son violeta, naranja y rojo, las montañas son violeta-marrón, las piedras son rosa-azul, las casas son blancas y azules, los cerdos son amarillos y los niños con Los cerdos visten de azul y morado. En definitiva, todo el cuadro está unificado en forma y color. Su independencia ha llegado a tal punto que para crear un objeto con vida independiente -una vida artística- la visión del artista no correspondería a la visión de la realidad y se abstraería de esta última. Algunos pequeños detalles siguen siendo muy impresionistas, pero el estilo general del cuadro es otro, basado en una nueva teoría; Gauguin desarrollaría este estilo y persistiría en él hasta que la muerte nos separe;
A este estilo lo llamó "Escuela de Glaseado" y "Método Sintético". De hecho, los colores aquí son tan planos como el cloisonné. Este fue el primer paso hacia una imagen plana en lugar de expresar la relación entre espacio y volumen como Cézanne, evitando representaciones realistas y centrándose en el objeto artístico.
Jacob luchando con el ángel
"Jacob luchando con el ángel", "Cristo amarillo" y "La bella Enkila" ilustran plena y vívidamente el alcance y las características de la doctrina de los símbolos de Gauguin. Las dos primeras pinturas representan temas religiosos, una rareza en la obra de Gauguin.
"Jacob luchando contra el ángel" parece ser un tema cristiano. De hecho, el pintor se caracteriza por el simbolismo, representando las alucinaciones de una campesina bretona mientras el párroco explica la doctrina. Las pinturas son ilusiones en la mente de las personas. Las pinturas se expresan de manera realista, por lo que los personajes en las pinturas no son imágenes cristianas. Los extraños sombreros que llevaban las campesinas bretonas realzan el efecto decorativo del cuadro, mientras que las escenas de "batalla" de las leyendas religiosas se procesan en lugares menos obvios para simbolizar lo que se refleja en los corazones de estas piadosas campesinas bretonas. Mire de cerca la pintura: un tronco de árbol seccionado horizontalmente se divide en dos pinturas. Una figura alada (aparentemente un ángel) lucha contra otra figura (Jacob), que es un espacio en la pintura de cerca, tres sombreros blancos de gran tamaño cubren otro espacio; Los tres sombreros blancos son las espaldas de dos campesinas bretonas, junto con una silueta muy marcada contra el vestido oscuro, forman un espacio a su izquierda, una fila de mujeres arrodilladas, según la relación de perspectiva se reduce gradualmente; Hay una vaca traviesa debajo del tronco del árbol. Aunque es pequeño, su distancia no tiene nada que ver con la distancia del ángel luchando contra Jacob, por lo que es el tercer espacio. De esta manera, el espacio general de gran superficie revestido de plano tiene tres niveles, que están concebidos por la coexistencia y coexistencia de tres sistemas de perspectiva. Se trata, por tanto, de un espacio inmaterial que depende tanto del color como de la estructura.
Este tema confunde sus pinturas. El cuadro compuesto de rojo, azul, negro y blanco aquí es un patrón, con líneas curvas y onduladas, similar a un mosaico bizantino. Debido a la complejidad de contenido y forma, el estilo artístico de Gauguin es complejo, por eso los historiadores lo llaman una especie de sintetismo. El estilo de Gauguin influyó más tarde en los nabis y fauvistas franceses.
Cristo Amarillo
El óleo "Cristo Amarillo" encarna el estilo pictórico "integral" de Gauguin con su superficie plana, colores fuertes, contornos atrevidos y formas simples. Todo el cuadro está sostenido por las figuras del primer plano, los pilares verticales de la cruz y las barras horizontales en la parte superior. Las barras de los campos, el cielo y la cruz contrastan con las curvas de la mujer y los árboles. La forma recta y extendida contrasta con la forma redondeada y cerrada. Todos los objetos están unificados en una figura luminosa y sencilla. Aunque los colores son brillantes, muestran la simplicidad natural del paisaje de Britten; aunque la imagen femenina es elegante, su temperamento de granjero sigue siendo claro a simple vista.
En la pintura, el plano de color unificado y las líneas que rodean la imagen reflejan la búsqueda deliberada de simplicidad de Gauguin, que contrasta marcadamente con el estilo de pintura impresionista. Esta pintura refleja la meticulosa observación del pintor sobre el tema: el estilo de vestimenta de la campesina es muy preciso, la luz en la imagen es la luz fría única de Bretaña y los campos revelan la armonía del verde, el negro y el amarillo. Además, el dibujo de la cruz también hace referencia al colorido crucifijo de madera de una iglesia cerca del puente Awang. Sin embargo, el pintor aquí ha ido más allá de la observación naturalista y ha perseguido la expresión emocional. Escribió en su diario: "Los impresionistas no tienen libertad para estudiar ciegamente el color... Sólo prestan atención a sus propios ojos, pero son indiferentes al núcleo misterioso de sus propias ideas, cayendo así en una situación de razonamiento científico". "El núcleo misterioso de las ideas." "La expresión era precisamente el objetivo de Gauguin. Aunque no era en absoluto un granjero, quería utilizar sus pinturas para transmitir la "sencillez e inocencia con un fuerte sentido de país y superstición" que encontró en la gente de Britten. Por lo tanto, simplificó la composición y aplanó el espacio. Al mismo tiempo, hizo los contornos más gruesos y mejoró la concentración del color. Su intención era hacer de la imagen no sólo un registro hecho por un observador objetivo, sino un símbolo intuitivo de creencias religiosas simples y piadosas.
Hermoso Burrito
En el cuadro "Hermoso Enkila" (Figura 5), vemos otro estado de ánimo. Este es un retrato de una hermosa mujer. En este retrato, la artista modificó sus formas (rostro, manos y ropa) precisamente según las exigencias de la estructura cromática. El rosa, el verde y el azul claro se realzan con el azul y el rojo de la imagen misma y del fondo; el amarillo dorado y el naranja de la estatua del Bodhisattva hacen que estos colores sean más diversos. Por lo tanto, la forma aquí se basa en la superficie curva, lo que permite al espectador apreciar mejor las áreas con colores sólidos. Sin embargo, aunque el pintor estaba interesado en el retrato en sí, no se limitó a los retratos ordinarios; para darle al retrato un color sobrenatural, lo colocó en un círculo imaginario en el lado izquierdo del cuadro; a La imagen borrosa de Buda sugiere que el retrato en sí da la misma impresión que el ídolo y también muestra el respeto del pintor por el misticismo oriental. Nada de esto tiene ningún valor racional, pero incluso hoy, muchos años después, la fantasía del artista continúa fascinando al espectador con el poder del color y, si se me permite decirlo, con su vívida representación plástica de cosas misteriosas. Mallarmé dijo que las palabras de Gauguin podrían aplicarse a esta pintura: "Es sorprendente que tanto misterio pueda albergarse en una forma tan distintiva".
Joven en Tahití
Gauguin 1891 El retrato "La niña de Tahití" es una verdadera obra maestra. Amaba la belleza tosca pero saludable de las mujeres tahitianas, su carácter inocente y directo, y admiraba los colores intensos y ardientes de su piel. Estaba tan obsesionado con sus modelos que no podía sacrificarlos a su propia síntesis. Por tanto, su descripción del tema es exhaustiva, pero nunca exhaustiva. No hay nada abstracto en la imagen; cada línea y cada tono están llenos de alabanza y alegría. El tono de desesperación y tristeza de Gauguin ha desaparecido por completo de este cuadro. Recupera la paz, la humanidad y la felicidad en el bosque, lejos de la civilización y de la capital, Seiichiro Kuribayashi. Para su deleite, encontró precisos tonos de claroscuro y armonías de color estables en lugar de las locas armonías de color de antes. Piel morena, cabello negro azulado y ropa azul violeta (con algunos trozos de rosa y blanco en el medio) se muestran frente a un fondo brillante. La parte superior del fondo es naranja, la parte inferior es roja y allí. Hay algunas hojas verdes dispersas. Incluso algunos defectos en la estructura, proporción, volumen y expresión de la luz se han convertido en algo valioso, porque encarnan la frescura y la viveza de la expresión y la creación ilimitada del artista. Más tarde, Gauguin produjo algunas obras hermosas como ésta, pero nunca se produjo nada mejor.
El alma errante
Gauguin consideraba el cuadro "El alma errante" una de sus obras destacadas. La base de esta pintura es también la experiencia de vida directa. Gauguin una vez dejó su cabaña en el bosque para ir a Kuribayashi Seiichiro y no regresó hasta bien entrada la noche. "Aun así, la Taigula desnuda se apoyó directamente en la cama. Me miró con los ojos muy abiertos por el miedo, como si no me reconociera... El miedo de Taigula también me infectó. Sentí como si hubiera algo en sus ojos. Allí Es una fosforescencia, nunca la había visto tan hermosa; su belleza nunca había sido tan conmovedora." El amarillo de las sábanas conecta el fondo violeta con el cuerpo naranja y la colcha azul. Lo que vemos ante nuestros ojos es una repentina y brillante armonía, que hace que la gente se sienta como el tipo de fosforescencia que las tribus maoríes consideran fantasmas solitarios. Desafortunadamente, Gauguin siguió los principios del simbolismo, lo que atrajo la imagen de fantasmas en sus pinturas. Esta imagen es muy incongruente aquí. Sólo puede debilitar el efecto de la expresión del color. "La historia del nacimiento de esta pintura está escrita para aquellos que siempre quieren entender por qué y por qué. De hecho, esto es solo una obra de una chica desnuda en la playa. El desnudo en esta pintura en sí es muy realista, por lo que cuanto más antinatural, menos extraño, más prominente que esos factores simbólicos y decorativos. Gauguin finalmente desarrolló una conciencia crítica después de sacrificar temas reales a su simbolismo y se dio cuenta de que, al final, lo que más le importaba a él (y no a los demás) era un mundo envuelto en superstición y miedo a los deportes desnudos bajo un halo.
"¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?"
En febrero de 1897, Gauguin completó el óleo más grande de su carrera creativa: "Nosotros" ¿Dónde? ¿De dónde venimos? En sus palabras, esta pintura "es más significativa que todas las obras anteriores; no puedo pintar una imagen mejor del mismo valor. Antes de morir, pongo toda mi energía en esta pintura. Cuánto dolor he experimentado en varios". circunstancias terribles, qué reales y sin corregir son mis ojos aquí, que todo rastro de irreflexión y prisa se ha ido, y lo que ven es la vida misma... un todo. Durante meses, he estado en una locura indescriptible, pintando este cuadro día y noche... Aunque es un tono medio, todo el paisaje es completamente azul estable y verde al estilo de Verona. Todos los desnudos se destacan en naranja brillante contra el duro entorno del paisaje, pintados con dolorosa pasión y claridad de visión, de modo que. La imagen no muestra ningún signo de impaciencia, sino que está llena de vida. No hay modelos, ni técnicas de pintura, ni las llamadas reglas de pintura. Los colores del cuadro son puros y misteriosos, y las técnicas gráficas lo llenan de decoración oriental y atmósfera romántica. Escondido en estas imágenes moteadas, hermosas y oníricas, se esconde el cuestionamiento filosófico del artista sobre el significado de la vida.
El bebé en este cuadro simboliza el nacimiento de la humanidad, y la recolección de frutos en el medio simboliza a Adán recogiendo los frutos de la sabiduría para dar cabida a la supervivencia y el desarrollo de la humanidad, y luego al anciano. Toda la imagen implica el destino de los seres humanos desde el nacimiento hasta la muerte y dibuja una trilogía de la vida. Otras imágenes de la pintura también son metáforas de los ideales sociales y religiosos del pintor, que son bastante misteriosos e interesantes. Esta pintura es una síntesis de los pensamientos de toda la vida de Gauguin y sus impresiones de la vida en Tahití. Es su epitafio dedicado a sí mismo.
Como todos sabemos, cualquier obra de arte es una translocación del campo teórico extraído de la impresión de realidad, por tanto, la obra de arte es a la vez abstracta y concreta; La diferencia entre Gauguin y los pintores impresionistas es el enorme papel de la abstracción relacionada con la realidad en su creación. Al menos podemos ver que esto no es sólo una característica de Gauguin, sino que también se puede ver en las obras de Cézanne y Seurat. Lo que distinguía a Gauguin eran sus rasgos abstractos: su color puro, su enfoque sintético, la modificación de las líneas, su falta de profundidad (la tercera dimensión), que él y los escritores llamaron Simbolismo (síntesis) también dejó un recuerdo inmortal para las creaciones de Gauguin a lo largo de todo el mundo. su vida.
Adoramos a María
"Adoramos a María" fue una obra conceptual antes de escribir "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos antes de pintar?". En la naturaleza, las mujeres tahitianas suelen celebrar allí oraciones místicas. La composición de esta pintura es en realidad una combinación de imágenes religiosas y realidad. A la izquierda, la madre con su hijo sobre los hombros lleva un vestido de tapa rojo brillante. El lugar. A la derecha hay varias mujeres semidesnudas rezando a Dios. Es un relieve de banda en un templo javanés, que muestra una divinidad primitiva. El color del fondo es tan moteado y hermoso. sin perspectiva, los colores y formas son planos y decorativos. No hay un significado profundo y no merece la atención del espectador. La razón por la que es misteriosa es que la imagen incluida en la pintura es una sugerencia integral.