Ilustraciones de ropa tradicional: ¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de ropa? ¿Puedes dar más detalles?
La fragancia del melocotón te emborrachará.
Chen Yun frunció el ceño,
Había un leve olor,
El ático estaba muy bajo,
Yun Fengbin, quien es Qi ¿Lanxuan?
Las flores florecen y caen, y el colorete es encantador.
La mitad es brocado de jade, luciendo un maquillaje rosa.
Al caminar entre flores de loto, los abanicos de plumas son ligeros.
Paso 1: Borrador de línea
1. Crea una nueva capa en el papel blanco y dibuja aproximadamente un boceto dinámico del personaje. Recorta el contorno grande de la flor en primer plano y las ramas detrás.
2. Dibuja un esquema aproximado de la ropa según la dinámica del personaje y esquematiza la composición aproximada de la escena.
3. Reducir la transparencia de la capa. Crea una nueva capa y comienza a dibujar dibujos lineales, comenzando con los ojos. El dibujo lineal es un proceso de creación secundario, por lo que debes tener cuidado.
4. Dibuja el contorno de los ojos. Luego dibuja los rasgos faciales de la nariz, prestando atención a la forma del lado de 45 grados de la nariz.
5. Sigue el boceto y dibuja el contorno de la cara y las orejas. Crea una nueva capa y dibuja la dirección general y la intercalación del cabello del personaje.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en nuestro país, es la traducción del Maestro Xuanzang en la Dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. La carta no tiene prefacio ni final, como escuché antes. También es la misma que la traducción del Maestro Luo Shi en la Dinastía Qin, pero otras traducciones antiguas (hay siete en la Dinastía Qing y el Sutra del Corazón Tibetano) todavía incluyen el principio y el final como otros clásicos. La razón por la que las dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" de Xuanzang y el Maestro Luo son diferentes es porque la primera y la segunda parte del "Sutra del corazón común" solo tienen más de 200 palabras, por lo que las partes sin traducir se eliminaron para darle énfasis. Ahora presentaré brevemente las partes no traducidas del trabajo del maestro Xuanzang en el prefacio del próximo capítulo para demostrar los puntos. Por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, ella se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva, y cuando entró en el profundo reino del dharma, restauró su perspectiva divina. Dado que los cinco agregados son todos de su propia naturaleza, su vida útil es muy larga. Las reliquias heredan el poder de Buda y el sabio blanco observa la fiesta budista. En la montaña Lingjiu del Rey Serpiente, muchos grandes monjes han adquirido una profunda comprensión del Buda.
6. Dibuja la forma del moño del cabello y refina la inserción del cabello.
7. A la hora de dibujar un tocado, puedes consultar fotografías de tocados tradicionales o diseñar el tuyo propio, prestando atención a los detalles.
8. Crea una nueva capa y dibuja lentamente las líneas de la ropa empezando por el cuello. Las transiciones de líneas se pueden dibujar según la dureza del material de la ropa. Los hilos suaves de la tela son lisos y suaves, mientras que los hilos duros de la tela son resistentes.
9. Continúe mejorando el vestuario y preste atención a la relación de superposición al pintar. Al mismo tiempo, preste atención a la sensación de fluidez de la cinta.
10. Añade patrones en el cuello y otros lugares de la ropa. El patrón puede referirse a la vestimenta tradicional. El patrón debe dibujarse según la dirección de la ropa.
11. Crea una nueva capa y dibuja flores en primer plano. Las flores se pueden dibujar según sus preferencias personales, o puede dibujar una primero y luego copiarla para lograr la sensación de una flor.
12. Continúa creando una nueva capa y dibuja las hojas, el tronco y la cinta detrás.
Paso 2: Color
Tono de piel
13. Crea una nueva capa y coloca un color de fondo verde claro sobre la imagen. No lo dejes todo ni lo llenes. Elija algunos lugares clave para colocarlos y deje algo de espacio para las imágenes.
14. Crea una nueva capa y rellena la piel con el color de fondo.
15. Continúa creando una nueva capa y proyecta una capa de sombra en las esquinas de los ojos, la fosa triangular, la parte inferior de la nariz y las líneas superpuestas. Luego crea una nueva capa y pinta las puntas de los ojos del personaje de color rojo brillante.
Colorear los rasgos faciales
16. Después de ajustar el rubor, rellena los ojos con el color de fondo. Luego profundiza los párpados superiores.
17. Elige un verde grisáceo frío y pinta una capa de reflejo debajo de los ojos. Luego elige un color oscuro que sea igual al color base de tus ojos y colócalo en las pupilas de tus ojos. Utilice algunos colores brillantes para agregar un poco de luz debajo de los ojos y resaltarlos.
18. Selecciona el rojo, ajusta la dureza del pincel al mínimo y aplica una capa de color al final del ojo. Dibuja delineador de ojos en el personaje Debido a que el personaje dibujado esta vez es más encantador, el delineador de ojos debe estar ligeramente levantado. El delineador de ojos se puede enganchar primero con índigo y luego presionar con un color más oscuro. Después de dibujar el delineador de ojos, sale el maquillaje de ojos.
19. Usa rojo grisáceo oscuro para presionar la nariz y usa colores fríos para iluminar el borde del puente de la nariz.
20. El maquillaje de labios es lo que los antiguos llamaban "labios rojos". De esta manera, use un color rojo cercano al rosa y haga clic en las cuentas de los labios hacia arriba y hacia abajo para que comience la sensación de labios rojos. para salir. Profundiza el color alrededor de la línea de los labios y finalmente resáltalo, para completar el maquillaje facial completo.
Tiñe tu cabello
21. Colorea tu cabello. Primero crea una nueva capa, rellena el cabello con el color de fondo y luego resalta las mechas con un color brillante. Luego continúa profundizando las partes estructurales del cabello.
22. Crea una nueva capa y sigue el boceto del cabello y engancha el cabello con una forma de sombra. Este paso debe realizarse lentamente. Profundiza el lugar donde se intercala el cabello para resaltar el volumen del cabello. Luego reduzca el tamaño del pincel y dibuje un poco de cabello blanco y delgado para resaltar el cabello.
23. Colorea el tocado. Comience creando una nueva capa en la capa de cabello, asegurándose de presionar todas las capas de cabello y luego rellene la parte inferior de la tiara. Para combinar colores, puede consultar algunas fotos de joyería tradicional.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en nuestro país, es la traducción del Maestro Xuanzang en la Dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. La carta no tiene prefacio ni final, como escuché antes. También es la misma que la traducción del Maestro Luo Shi en la Dinastía Qin, pero otras traducciones antiguas (hay siete en la Dinastía Qing y el Sutra del Corazón Tibetano) todavía incluyen el principio y el final como otros clásicos. La razón por la que las dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" de Xuanzang y el Maestro Luo son diferentes es porque la primera y la segunda parte del "Sutra del corazón común" solo tienen más de 200 palabras, por lo que las partes sin traducir se eliminaron para darle énfasis. Ahora presentaré brevemente las partes no traducidas del trabajo del maestro Xuanzang en el prefacio del próximo capítulo para demostrar los puntos. Por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, ella se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva, y cuando entró en el profundo reino del dharma, restauró su perspectiva divina. Dado que los cinco agregados son todos de su propia naturaleza, su vida útil es muy larga. Las reliquias heredan el poder de Buda y el sabio blanco observa la fiesta budista. En la montaña Lingjiu del Rey Serpiente, muchos grandes monjes han adquirido una profunda comprensión del Buda.
24. Rellena el tocado de color y engancha una capa de borde dorado al tocado. Cuentas de forma. Se siente lo mismo que dibujar un círculo. Primero dibuja la sombra, luego el reflejo y el color del entorno, y finalmente dibuja las luces.
25. Colorea todos los tocados de la misma forma. ¡No olvides pintar las uñas de una mujer con un hermoso chloden!
Colorear la ropa
26.Colorear la ropa. Este paso consiste en colocar capas sobre la prenda, llenarla de color, dejarla plana o hacer algunos cambios. Crea una nueva capa y rellénala con el color del patrón de la ropa. El esquema de color aquí es azul, puedes combinarlo al pintar.
27. Continúa dibujando accesorios y utiliza un pincel grande para presionar los puntos estructurales de la ropa. En la capa de ropa, dibuja la sombra del patrón de la ropa. Este paso también requiere paciencia.
28. Crea una nueva capa y sombrea la cinta. Una vez finalizado, ajuste el color según la imagen. El color de la ropa se vuelve más claro y el color de la cinta aumenta.
Coloración de fondo
29. Crea una nueva capa y arrástrala a la parte inferior de la capa de personas como fondo. Llena el tronco de color y profundiza las flores en primer plano.
El Sutra del Corazón, de amplia circulación en nuestro país, es la traducción del Maestro Xuanzang en la Dinastía Tang. Su formato es diferente al de otros clásicos. La carta no tiene prefacio ni final, como escuché antes. También es la misma que la traducción del Maestro Luo Shi en la Dinastía Qin, pero otras traducciones antiguas (hay siete en la Dinastía Qing y el Sutra del Corazón Tibetano) todavía incluyen el principio y el final como otros clásicos. La razón por la que las dos versiones del "Sutra del corazón simplificado" de Xuanzang y el Maestro Luo son diferentes es porque la primera y la segunda parte del "Sutra del corazón común" solo tienen más de 200 palabras, por lo que las partes sin traducir se eliminaron para darle énfasis. Ahora presentaré brevemente las partes no traducidas del trabajo del maestro Xuanzang en el prefacio del próximo capítulo para demostrar los puntos. Por ejemplo, cuando escuché que el Bodhisattva estaba en la Montaña del Buitre en Rajagaha, ella se fusionó con el gran bhikkhu y el gran Bodhisattva, y cuando entró en el profundo reino del dharma, restauró su perspectiva divina. Dado que los cinco agregados son todos de su propia naturaleza, su vida útil es muy larga. Las reliquias heredan el poder de Buda y el sabio blanco observa la fiesta budista. En la montaña Lingjiu del Rey Serpiente, muchos grandes monjes han adquirido una profunda comprensión del Buda.
30. Crea una nueva capa, llena la cinta de color y presta atención a ajustar el color.
31. Crea una nueva capa en la parte inferior de la flor y rellena las hojas de color. Rellena las camelias de blanco y luego colorea los estambres de amarillo. Crea una nueva capa en el fondo y dibuja hojas gruesas en la distancia.
32. Detalla las flores, profundiza las raíces de las hojas y ajusta el color de las hojas.
33. Enganchar las hojas, enganchar la forma y sombra de las raíces. Ajuste el color de las flores de primer plano para resaltar algunas partes y que la imagen no sea demasiado pesada. Finalmente, dibuja algunos pétalos voladores y dibujos de gansos salvajes en la distancia para completar el dibujo.
La fuente del material es Internet y los derechos de autor pertenecen al autor original.
¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de moda? ¿Puedes dar más detalles? 1. Estilo pop
El arte de la ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en 20_ Lan50_ Nafen, principalmente a través de las técnicas creativas del arte comercial, formando un nuevo estilo que integra la cultura popular y el estilo artístico, al tiempo que el. Las imágenes de dibujos animados relativamente exageradas, impresiones de periódicos, lemas humorísticos, etc. en el estilo pop son exclusivos del estilo pop, y el estilo pop es muy artístico [3]. Andy Warhol es una de las figuras más destacadas que contribuyó al desarrollo del estilo pop en el campo del diseño de moda. Fue pionero en el primer uso de papel, plástico y cuero artificial como materiales básicos para la producción de ropa. Sus ilustraciones contienen conceptos de diseño subversivos, que se caracterizan por colores brillantes, conceptos de diseño vanguardistas y selecciones de colores atrevidos. Hasta el día de hoy, las ilustraciones de estilo pop conservan muchas similitudes con Andy Warhol.
2. Estilo abstracto
Las obras de estilo abstracto son generalmente creaciones en profundidad basadas en puntos, líneas, superficies, círculos, triángulos y cuadrados geométricos, y son típicamente abstractos. característica de estilo creativo. Mondrian fue una de las primeras figuras más exitosas en obras de estilo abstracto. Su estilo de creación de estilo abstracto es único y se centra en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración. Esta forma de arte de ilustración tiene una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra de estilo abstracto "Rojo, amarillo y azul" creada por un famoso diseñador de moda francés. Esta obra está inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza varios colores como líneas, triángulos y rectángulos para brindar al público una experiencia única de apreciación del arte y darle a la obra un fuerte impacto visual y frescura.
3. Estilo figurativo
El estilo concreto se diferencia de los dos estilos anteriores en que sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la expresión de líneas en las obras de estilo figurativo es relativamente directa y puede resumirse, exagerarse, deformarse y decorarse, mejorando así el sentido del color de la obra y resaltando la simplicidad y sofisticación de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Miuccia Prada. Alguna vez tuvo la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en sus creaciones de diseño de moda. Podía completar ilustraciones en sus trabajos de diseño de moda. magnificencia de las obras[4]. Además, las líneas en el estilo figurativo son más elegantes y pueden brindar al público una experiencia psicológica de ensueño. Especialmente en el diseño de ropa, pueden mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y brindar a las personas una sensación de belleza inteligente.
Ilustraciones de moda: el "diablo de la moda" de 500 años Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido la ropa, el concepto o la imagen del diseño de la ropa debe transformarse en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se la conoce como “dibujo de moda”. Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda propiamente dicha.
A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta en particular. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.
Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes.
Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.
2. El plato de moda en el siglo XIX
El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.
Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.
A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX
Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.
Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre ha estado llena de imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.
Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.
Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas.
La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".
Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.
verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.
Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.
Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.
Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.
Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.
Bienvenido a ver la cuenta pública "Painting Practice", obtenga un paquete de regalo gratuito con los secretos de pintura de los ilustradores y conozca los precios de las ilustraciones comerciales en el mundo.