Una buena reseña de la película sobre Jingbie.
Esto es especialmente cierto en primeros planos. A lo largo de toda la película, notarás que el director rara vez utiliza primeros planos en la primera mitad de la película. Pero Zhang Yimou no cortó por cortar, sino que fue preciso y aprovechó al máximo cada primer plano.
El primer primer plano de la película es del último movimiento de Danny en el estudio de danza. En este momento, la expresión de Danny en la cámara refleja una firmeza en la "revolución" y su búsqueda del papel de Wu Qinghua. Esto también refleja parte del carácter de Danny desde el costado, dejando un legado para su padre que luego fue expuesto. . Hay dos primeros planos en la primera mitad que impulsan la trama posterior de la película.
Una es una conversación entre madre e hija sobre su padre tras regresar del estudio de danza. Cuando escuché a mi hija Dandan decir que mi padre era un partidario del camino capitalista y no dejaba que mi madre lo viera.
La madre se quedó en silencio por un momento, y luego, enojada, arrojó sus zapatos de baile sobre la mesa. Aunque mi madre no dijo una palabra durante todo el proceso, el público puede conocer su actitud ante este asunto a través de este sugerente primer plano.
Esto también allanó el camino para que mi madre conociera más tarde a su padre Lu. Y es a través de esta lente que toda la película puede reflejar el carácter de la madre, y el personaje comienza a desarrollarse gradualmente.
La segunda es la escena después de que Lu regresó a casa. Yan Lu sabía que su esposa Wanyu estaba en casa, por lo que abrió la puerta con un mensajero de expectativa, pero aquí, un primer plano mostró que la puerta no estaba abierta.
El papel de esta toma especial no solo explica la razón por la que Wanyu nunca cierra la puerta con llave al salir, sino que también expresa la culpa en el corazón de Wanyu y las razones psicológicas de su posterior enfermedad. Es una metáfora inevitable. .
2. Análisis de la crítica cinematográfica de la escena de No Man's Land: ¿Cómo crea Ning Hao la tensión en la toma?
Esta es la reseña cinematográfica de "No Man's Land" de Dazhong Film Critics Network. Mira si es lo que quieres.
Mira cómo Ning Hao crea tensión en la lente.
El público lleva mucho tiempo esperando La tierra de nadie. Desde el inicio del rodaje en 2009 hasta el presente, la película ha pasado por el proceso de esperar su estreno, ser asesinada, refutar rumores, ser asesinada, esperar su estreno y ser asesinada de nuevo.
Finalmente, en febrero de 65438+ de este año, No Man's Land se encontró con el público en el cine. La película es una película de temática vial ambientada en el desierto. Al igual que ese camino lleno de baches, Xu Zheng, como protagonista de la película, experimentó el proceso de salir a la carretera, detenerse, salir a la carretera, detenerse de nuevo, luchar, volver a salir a la carretera y detenerse de nuevo.
Al tratarse de una temática de carretera, las escenas de lucha tensas son imprescindibles. Una gran cantidad de enfrentamientos de balancín en la película se desarrollan rítmicamente: primeros planos - tranquilidad - explosiones, etc.
Al comienzo de la película, se dan una serie de primeros planos detallados a través de una lente de escaneo. Pies, manos y humo están sostenidos por marcos de hierro, y aparece Huang Bo. Poco después de la apertura, los animales murieron, lo que hizo que la punta explosiva subiera más. Pero la gente que miraba todavía no sabía lo que estaba pasando, y el método de colgar fuertemente atrajo la atención de la audiencia. La temperatura siguió aumentando y Huang Bo comenzó a colapsar y caer mientras hablaba con la policía. La narrativa es hasta cierto punto relajada y también le da al público un impacto visual. Después de que el auto volcó con un "estruendo", la escena quedó en silencio: la gente había volcado el auto y era un desastre.
En este punto finalmente me puse nervioso, pero la narrativa comenzó a relajarse y avanzar lentamente.
Al mismo tiempo, el director también prestó especial atención al uso de la luz para crear la atmósfera. En la conversación entre Xu Zheng y el involucrado, no hay muchos elementos que se puedan ver en la escena oscura. Toda la atención se centra en las expresiones y el diálogo de los dos personajes. Cuando la cámara cambió a la escena de la prisión, solo vi la expresión confiada de Xu Zheng, que controlaba el ritmo de la audiencia al igual que su impulso en la corte. El cliente no puede ver su rostro en prisión y sólo puede juzgar su información personal por su voz y sus conversaciones. Luego, el cliente estiró su rostro hacia adelante, y la luz del exterior del muro alto golpeó la mitad de su rostro, y solo se pudo ver la sonrisa malvada del acusado. Este método de colgar vuelve a atraer la curiosidad del espectador.
El director Ning Hao utilizó muchos primeros planos detallados, encuadres fijos y movimientos de la cámara para crear un fuerte contraste y contar la historia una por una. Frenó como un autobús camino al trabajo.
Ning Hao también es particularmente bueno usando el sonido para mejorar la atmósfera de la historia. Cuando la película esté en peligro, estará acompañada de sonoros sonidos de tambores. Tan pronto como ingrese a la tienda del desierto, sonará una banda sonora extraña y divertida que hará que la gente se ponga tensa y pregunte: "¿Para qué es esto?". El significado de la pregunta no solo es atractivo, sino también una sensación de insatisfacción.
En comparación con los chistes elaborados y exagerados habituales de Ning Hao, la película agrega más elementos negros y elementos violentos, y la técnica es más sincera y tradicional.
3. Buscando una reseña de "Este chico negro no es demasiado frío", pidiendo que describa cuatro escenas de la película: lejana, completa, media, cercana, etc. Cuando viste a Leon caminando hacia la salida, viste la luz, como si vieras la vida feliz de Leon y Matinda, pero al mismo tiempo, Stan extendió su malvada mano negra detrás de Leon.
León usó el "juego normal"... Es difícil adivinar si la expresión de León era de alivio o decepción para Matilda. Parecía que la expresión de León era muy rica en ese momento.
"¿La vida es siempre tan dolorosa? ¿O es sólo un niño?" "Siempre lo ha sido". Al abrir la puerta de la memoria, las escenas del pasado parecen ilusorias y reales... Hay tristeza, la alegría, el amor y el odio, a la vez amargos y dulces, nos acompañan durante nuestra juventud.
Algunas de estas cosas pensábamos que las habíamos olvidado hace mucho tiempo, pero cuando miramos hacia atrás de repente, sin darnos cuenta descubrimos que en realidad nunca se las llevó el viento, sino que siempre han estado escondidas en nuestros corazones, escuchando El latido del corazón acompaña nuestra respiración y guarda nuestros recuerdos. Por ejemplo, primer amor... primer amor, una palabra tan cálida y hermosa pero un poco triste.
Representa los sueños de nuestra juventud, la locura de nuestra juventud y la tristeza goteante de los viejos tiempos que nunca podremos recuperar. Quizás ese sentimiento de inocencia hace tiempo que es cosa del pasado, y puede que no sea la persona que más amamos en esta vida, pero no importa quién sea, creo que nunca podremos olvidar ese comienzo inicial en un momento determinado. , nuestros corazones Latiendo inexplicablemente... Aunque el tiempo vuela y no podemos volver al pasado, por suerte hay películas.
En el vasto mar de sombras, esas primeras historias de amor, tristes o románticas, son como magníficos fuegos artificiales en el cielo nocturno. Cada flor cuenta la historia de nuestro pasado familiar y despreocupado, y cada pétalo recuerda el fugaz tiempo que pasamos juntos.
"¿Es tan dura la vida o simplemente es dura la infancia?" Mathilde, una niña de 12 años, tiene un par de ojos envejecidos prematuramente. le preguntó a Leo confundida. "Así es la vida."
Los ojos de Leo estaban cubiertos por gafas de sol y no podía detectar ninguna emoción. Leo, que llegó a los Estados Unidos desde Italia, es una personita muy común cuando no mata gente. Matar es solo una forma de ganarse la vida.
Pero cuando conoce a Matilda, su vida empieza a cambiar. Matilda es testigo de cómo sus enemigos matan a su amado hermano. La venganza es su deseo más anhelado.
(Extraído de la versión extranjera de "Plan de lectura para toda la vida") La imagen de León es la fuente de mi emoción. Este asesino tiene muchas características externas que coinciden con el temperamento del asesino que imaginamos. Es ágil, capaz, lleva gafas de sol, gabardina, lleva una maleta, es taciturno... empleado por un patrón regular... En resumen, nuestra imagen de asesino se puede reflejar en Lyon. Al mismo tiempo, hay muchas características diferentes: beber leche por la mañana, cultivar con cuidado una maceta con plantas y regarlas regularmente. Muestra una sonrisa sencilla, ten una rutina diaria fija, haz ejercicio y sé estricto contigo mismo. "En cierto sentido, León es una herramienta sencilla, una herramienta para matar, pero no es un simple símbolo. Tiene su propia vida, sencilla pero ordenada."
Vive en su propio pequeño mundo, Excepto por matar, no se diferencia de una persona común y corriente. No fue hasta que conoció a Martinda que el orden de su vida se rompió por completo. Luc Besson escribió una elegía para un asesino. En esta elegía vemos todo el proceso de la naturaleza humana desde la muerte hasta la recuperación. León estaba feliz en el último momento con una sonrisa en el rostro. Hizo lo que siempre quiso hacer.
Comentarios de fanáticos de la película imdb (solo como referencia) El comienzo de la película es un asesinato maravilloso, que expresa plenamente la crueldad de un asesino, mientras que el asesino León planificó y ejecutó cuidadosamente la acción con calma y sin miedo. Esto también allanó el camino para que el director mostrara más tarde el verdadero lado de León.
La conversación entre León y la pequeña Mathilde cuando se encontraron brevemente en las escaleras fue el comienzo de la intersección de las vidas de Mathilde y León. Toda la familia de Mathilde fue asesinada por la oscura policía antinarcóticos. Sobrevivió con su propia inteligencia y empezó una vida diferente a la de León.
La relación entre padre e hija como profesores y amigos es muy conmovedora. León sintió la alegría de vivir gracias a Mathilde, y Mathilde tuvo la calidez y el cuidado de una familia gracias a León.
El director de "Black Boy Is Not So Cold" es el famoso francés Luc Besson. La película está llena de sabor artístico e incluso las escenas del asesinato son tan únicas y hermosas como obras de arte. En la película, el director expresa más críticas sobre algunas cosas feas de la realidad. En beneficio de la policía, pueden convertirse en asesinos, matando sin sentido en nombre de la justicia.
Y la familia de Mathilde, que no tenía ningún vínculo familiar, finalmente fue asesinada debido a su codicia. La música de la película también está bien producida, con el tema principal "The Shape of My Heart" cantado por el veterano cantante Sting. Una melodía tan hermosa resalta el verdadero significado de la historia y hace llorar a la gente.
En la película, cuando León se pone gafas de sol, se convierte en una persona completamente diferente, una máquina de matar. El solitario León vive una vida normal sin gafas de sol, y junto a él hay un árbol sin raíces. acompañado de árboles de hoja perenne, pero su expresión simple es un poco como la de Mr Bean. Hay un plano focal cálido y llamativo a lo largo de toda la película. Ese es el León asesino que viste camisa larga y pantalón, siempre sosteniendo un bonsái verde. Incluso si deambula, es de hoja perenne durante todo el año.
En la superficie, León es solo un animal feroz, taciturno y con los ojos vendados, que lleva una caja vieja en la espalda, sostiene una mano de Dieffenbachia, camina apresuradamente con pantalones viejos y grandes zapatos de cuero, y se dedica de todo corazón. a la misión de barrendero. Lo que podemos ver en la película es que León, que no hace mucho, todavía tiene su propio código de conducta como asesino profesional despiadado.
En primer lugar, nunca matará a mujeres y niños indiscriminadamente. Por supuesto, no es normal matar a nadie.
Esto todavía se trata de películas. Hay un precio que pagar por matar a alguien a plena luz del día.
Una película es una película. Siempre he sentido que la película "Este chico negro no es demasiado frío" no es tan simple.
De hecho, es una película asesina, pero también es una película que cuenta más historias asesinas.
4. Crítica cinematográfica escénica y montaje de Zootopia "Zootopia": una bella utopía.
Literatura/Poemas y libros en sueños
Disney, que es bueno soñando, vuelve a presentar en "Zootopia" un hermoso mundo utópico con su imaginación desenfrenada. En esta ciudad donde se reúnen los animales, no sólo hay mucho bagaje feliz, sino también una profunda sátira de la discriminación y los prejuicios en la sociedad real. Sin duda combina de la mejor manera los cuentos de hadas con la realidad, construyendo una historia más bella. que el oro y el jade. La belleza es belleza interior.
Cuando la animación de Disney se ha vuelto técnicamente perfecta, cómo hacerla mejor que su predecesora en términos de trama se ha convertido en el verdadero objetivo de Disney en los últimos años. Lo que hace que "Zootopia" sea emocionante ya no son los impresionantes efectos especiales de animación, sino la estructura de la trama que se puede completar en un solo paso. En una metrópolis llena de todo tipo de animales infantiles, la película comienza con una trama criminal interpretada con una excelente comedia, creando suspenso. Incluso como película no animada, es perfecta, lo que sin duda permite al público integrarse por primera vez en la visión antropomórfica del mundo animal. La creación de múltiples bagajes como el padrino del gángster y los funcionarios dependientes del agua mantiene la alta energía. Diversión al estilo Hollywood de toda la película.
La técnica de animación del antropomorfismo animal en "Zootopia" no sólo es concreta, sino que también incorpora las características de cada animal. El alcalde del león, el jefe de policía del búfalo, el oficial de policía del guepardo, todos tienen sus roles. Es bajo esta meticulosa cosmovisión animal que Judy, como la primera policía conejo en la historia de la metrópoli, naturalmente nadie cree que pueda convertirse en una buena policía. Nick Fox, quien accidentalmente estuvo involucrado en el caso, nadie le creería a un astuto zorro. El prejuicio solidificado se ha convertido en la propuesta moral más poderosa de "Zootopia", y es este prejuicio el que permite que la película genere repetidamente una alegría ridícula.
El concepto argumental de “Zootopia” no es que los personajes prediquen sobre la igualdad y la no discriminación, sino que esta propuesta recorre toda la trama. Utiliza las experiencias raciales de las heroínas Judy Rabbit y Nick Fox para metaforizar diversos prejuicios y discriminación en la sociedad moderna. El significado de romper con el pensamiento estereotipado y los prejuicios está realmente implantado en cada personaje, y es interesante abordar las cuestiones del prejuicio y la discriminación en la realidad. sociedad salen a la superficie. La película no se limita a los niños, los adultos pueden comprenderla mejor en esta película. "Zootopia" está en el corazón de todos los espectadores.
Zootopia Fantástica, un viaje hilarante, no existe una utopía hermosa en este mundo, pero cuando todos somos iguales, no hay lugar que no sea "Zootopia".
5. Cómo lidiar con las 2000 palabras de "Hachiko: A Dog's Story" A juzgar por el tráiler, aunque "Hachiko: A Dog's Story" fue producida por un equipo exclusivamente de Hollywood y filmada en Estados Unidos. Estados Unidos, pero captura la calidez y el significado únicos de las películas japonesas.
En comparación con el estilo hilarante de la película estadounidense "Marley and Me", "Hachi: A Dog's Story" es aún más conmovedora. El director Lasse Hallstorm dijo con una sonrisa: "Quería que la película fuera cálida pero no obscena, así que evité muchas escenas sangrientas.
Porque quería que fuera una comedia y no enfatizara demasiado la tristeza. , simplemente presenta la amistad entre humanos y perros." A pesar de esto, cuando Richard Gere recibió el guión, la trama de la historia lo conmovió hasta las lágrimas y lloró una y otra vez.
Él dijo: "Pensé que estaba demasiado emocionado y no podía llorar, pero lo volví a ver unos días después y todavía lloré".
6. Por favor, dé ejemplos del impacto del uso de diferentes escenas en el estilo de la película. La escenografía es un medio de expresión único en el cine y la televisión. Su división está determinada por el tamaño del fantasma adulto y la porción del adulto que se recorta en la parte inferior de la imagen. Los paisajes del cine y la televisión chinos se pueden dividir a grandes rasgos en cinco tipos: plano general, panorama, plano medio, primer plano y primer plano. Algunos directores suelen clasificarlos en ocho categorías, a saber, 1. Campo de visión amplio: los adultos ocupan aproximadamente 1/4 de la altura de la pantalla; 2. Primer plano: los adultos ocupan aproximadamente la mitad de la altura de la pantalla; 3. Panorama: el; todo el cuerpo del cuerpo humano; 4. Plano medio: por encima de las rodillas; 5. Plano cercano: entre plano y plano medio: 6. Plano cercano: por encima del pecho; 8. Por encima de los hombros; Primer plano: cara y extremidades. Diferentes paisajes tienen diferentes funciones. Hay tres factores que afectan el tamaño de la escena: la distancia de disparo, la distancia focal de la lente óptica y la programación de la profundidad de los personajes. En nuestro país, la serie de plano largo se llama escena grande, y la serie de plano cercano se llama escena pequeña. Los cambios en el escenario significan cambios en la distancia visual del público. No solo eso, también es un medio poderoso para que el director se concentre en la visión. Las limitaciones visuales de la audiencia.
Ángulo de disparo:
El ángulo de disparo incluye la altura de disparo, la dirección de disparo y la distancia de disparo. Hay tres tipos de alturas de tiro: tiro plano, tiro por encima y tiro por encima. Las direcciones de disparo se dividen en ángulo frontal, ángulo lateral, ángulo oblicuo y ángulo trasero. La distancia de disparo es uno de los factores que determinan el paisaje. Estos se denominan colectivamente ángulos geométricos. También hay perspectivas psicológicas, perspectivas subjetivas, perspectivas objetivas, perspectivas subjetivas y objetivas. Elegir y determinar el ángulo de disparo en el lugar de la toma es la tarea clave del fotógrafo. Diferentes ángulos pueden producir diferentes efectos de modelado y tener la misma función de rendimiento. El ángulo puede reproducirse en vivo o exagerarse para que tenga un significado especial. En la creación de fotografías cinematográficas y televisivas, la configuración de los ángulos no debe ser arbitraria, sino que debe reflejar un estilo.
7. Se busca una reseña cinematográfica del montaje, ambientación, sonido, plano general de "El amor en el espino", así como una descomposición y combinación de personajes de 1.500 palabras, para que la película tenga Con un alto grado de concentración y capacidad de resumen, hacer una película. Una película de menos de dos horas de duración puede ser tan buena como Ciudadano Kane. 2. El montaje de reflexión, a diferencia del montaje de vodevil, inserta de forma aleatoria y abrupta imágenes simbólicas que no tienen nada que ver con el contenido de la trama. Más bien, lo descrito y lo utilizado como metáfora están en el mismo espacio y son interdependientes: ya sea contrastando con el evento, o identificando reacciones entre cosas relacionadas entre sí, o revelando eventos similares contenidos en la trama a través de la reflexión y la asociación, por lo tanto afectando la visión y la conciencia de la audiencia.
Por ejemplo, en "Octubre", Kerensky fue al Palacio de Invierno rodeado de ministros, y una toma de espaldas mostró un pilar sobre su cabeza. Hay un grabado en el capitel de la columna, como si una mala luz hubiera oscurecido la cabeza de Kerensky, haciendo que el dictador pareciera extremadamente digno. La razón por la que esta toma no es rígida es que Eisenstein usó una escultura de un escenario real, un objeto real en un espacio dramático real, y la manipuló sin usar un objeto que sea irrelevante para la trama para atraer a la gente.
3. Esto es creado por Wiltov. El método consiste en utilizar literatura de noticiarios para reorganizar y expresar una idea. Esta forma de montaje es una forma abstracta porque sólo representa una serie de pensamientos y emociones inspirados por la razón.
El público miraba con indiferencia, creando un cierto "efecto de alienación" entre la pantalla y ellos, y su participación era completamente racional. "Fascismo ordinario", dirigida por romaníes, es una obra típica.
Discusión sobre la teoría del montaje En este párrafo, ni Griffith ni sus sucesores pensaron en resumir o explorar las leyes y teorías del montaje. Las primeras personas que exploraron seriamente el montaje fueron el director soviético Kuleshov y sus alumnos Eisenstein y Pudovkin.
Sus teorías, a su vez, influyeron en teóricos y artistas cinematográficos de Europa y Estados Unidos. Eisenstein Eisenstein tiene un dicho famoso sobre la teoría del montaje: "La yuxtaposición de dos planos de montaje no es la suma de dos números, sino el producto de dos números".
¿Con el teórico del cine húngaro Bey pull? En palabras de Balazs, "una vez que las lentes superior e inferior se conectan, el significado inusualmente rico escondido en cada lente se lanza como una chispa. Por ejemplo, en "El maestro rural", Varvara respondió "Para siempre", y luego tomó dos". planos de ramas de sepia, que tienen un significado que no tenían cuando existían solas, expresando los sentimientos del autor y de los personajes de la obra.
Eisenstein aplicó la dialéctica a su teoría del montaje, enfatizando el conflicto entre planos contrastantes. Para él, un plano no es "una cosa independiente". Sólo cuando choca con el plano opuesto puede evocar sentimientos emocionales y comprensión del sujeto.
Él cree que una sola lente es solo una "imagen", y sólo cuando estas imágenes se fusionan se puede formar una "imagen" significativa. Es este "poder de montaje" el que hace que la combinación de planos no sea una narrativa parecida a un ladrillo, sino una "narrativa altamente emocionante y emotiva". Es este "poder del montaje" el que incorpora las emociones y la razón del público al proceso creativo, permitiéndole experimentar el mismo camino creativo que siguió el autor al crear la imagen.
Las opiniones de Eisenstein son inseparables del entusiasmo por el montaje de la temprana Unión Soviética. Kulishov cree que el material de una película es un plano, y la actuación de los actores y la disposición de la escena son sólo la preparación del material.
Hizo un famoso experimento en el que pegaba tres clips diferentes sobre un primer plano de un actor, sin expresión alguna. El primero es una olla de sopa, el segundo es un ataúd con el cadáver de una mujer y el tercero es una niña con un juguete. Se dice que los espectadores pensaron que el primer clip mostraba una expresión de primer plano que indicaba un deseo de sopa, el segundo mostraba una profunda tristeza y el tercero mostraba una sonrisa feliz.
Esto obviamente exagera el papel del montaje y borra el papel del arte escénico. En aquella época, incluso Pudovkin dijo: "Un plano es sólo una palabra, un concepto de espacio y un objeto de muerte. Sólo cuando se coloca junto con otros objetos se puede dar vida a la película".
Eisenstein Incluso comparando el montaje con los jeroglíficos, decimos que el montaje es como la palabra "perro" más la palabra "boca" en los jeroglíficos, que se llama "ladrido", que significa perro ladrando. Los dos sustantivos se combinan para producir un verbo. A Eisenstein se le ocurrió el llamado "montaje de vodevil" cuando se dedicaba a actividades teatrales. Después de fracasar en el escenario, decidió que el cine era el lugar para realizar el "montaje de vodevil".
El llamado "montaje de vodevil" consiste en utilizar planos, episodios o programas potentes que se salen de la estructura argumental para lograr el efecto de atrapar a la audiencia, para que acepte las opiniones que el autor quiere inculcar. . Pudovkin y Pudovkin tenían una visión más amplia del montaje. Ya no presta atención al contraste y la metáfora del montaje, sino que lo considera un medio de narrativa y expresión.
Declaraba al principio del artículo "Sobre el montaje": "Conecta bien los planos separados para que el público pueda finalmente sentir que se trata de un movimiento completo, ininterrumpido y continuo - una técnica que Estamos acostumbrados a llamar montaje." Por supuesto, este tipo de trabajo no es una operación mecánica rígida, ni tampoco una disposición ciega y aleatoria. Para organizar el metraje en "movimiento continuo e ininterrumpido", "debe haber conexiones obvias entre los segmentos".
Este tipo de conexión solo puede ser externa, por ejemplo, una persona fue fotografiada en la toma anterior y una persona se cayó en la siguiente toma, pero lo más importante es que es una "conexión interna profunda y reflexiva". ." . ” Señaló además que existen innumerables formas intermedias entre los dos extremos de la conexión externa simple y la conexión interna profunda.
Pero en resumen: "Debe haber una u otra conexión hasta que aparezca un marcado contraste o contradicción". Por ello, dio una definición de montaje: "En las obras de arte cinematográfico, el uso de varias esta técnica es integral". expresa y explica la relación entre diversos fenómenos de la vida real."
Se cree que el montaje depende del talento del director. "Este talento hace que el director sea bueno para convertir las conexiones internas potenciales entre los fenómenos de la vida en conexiones claras y visibles que pueden sentirse directamente sin explicación". Balazs afirmó que las películas no son simples copias, sino creaciones reales. Un buen director no sólo muestra el metraje sino que también lo explica.
Edita este montaje para desactivar la teoría.