Al hermano Xiu le encanta la fotografía.

——Los experimentos simbólicos y la estética decadente de Ji Shu Si Shan.

Hablando del tío Ji Terayama, es fácil pensar en el director italiano Pier Paolo Pasolini. De hecho, los dos directores tienen mucho en común. El tío Terayama nació en la prefectura de Aomori en 1935 y se graduó en el Departamento de Chino de la Universidad de Waseda. El hecho de haber nacido en la prefectura de Aomori fue muy importante para él y aparece en muchas de sus películas, lo que también demuestra el carácter autobiográfico de sus películas. Le gustaba la poesía y el haiku desde niño y ganó muchos premios nacionales de poesía en su juventud. Además, es un excelente comentarista de carreras de caballos y combates de boxeo. Al igual que Pappas, también es guionista de cine, poeta director y artista cinematográfico y pictórico de primer nivel. La película de Pasolini "Saros: 120 días de Sodoma" tiene un profundo impacto en los cinéfilos nacionales. Del mismo modo, "Shanghai Maritime Prostitute" editada por la empresa también es la más popular. La similitud entre estas dos películas es que ambas muestran a un grupo de personas que se disfrazan desenfrenadamente basándose en la raíz ideológica de "los deseos humanos destruyen los principios naturales". Las obras de estas dos personas todavía se consideran adelantadas a su tiempo y tienen pocos amigos cercanos.

Como director, Jishu Terayama sólo realizó cinco largometrajes en su vida, pero cuenta con innumerables cortometrajes experimentales desconocidos, obras de teatro y guionistas de muchas películas. En las diferentes costumbres espirituales de italianos y japoneses, Pasolini bromeaba con un humor inadecuado, aunque este tipo de bromas hace reír, mientras que las películas de Terayama son serias. En sus películas no hay ninguna broma de principio a fin, sino un fuerte sentido de compasión. Las películas de Jishu Terayama no exploran tanto nuevos territorios como la "ecología original" o rinden homenaje a imágenes irreversibles del pasado. La película de Hughes es como un altar, frío, extraño, silencioso y desolado, suspendido sobre las cenizas del tiempo y el espacio externos y del mundo interior que han sido olvidados y quemados en la memoria.

El primer largometraje dirigido por Jishu Terayama es "Throwing Books on the Street" (filmado en 1971, en lo sucesivo denominado "Throwing Books"). El título de la película, como una película sobre la juventud y los deportes callejeros, habla de mucho más que un presentimiento. Jishu Terayama fue el guionista de la película "Useless Man" en 1970. El director de la película, Masahiro Shinoda, junto con Nagisashima y Yoshida Yoshige, crearon el movimiento de la nueva ola de películas japonesas y son conocidos colectivamente como los "Tres Maestros de la Nueva Ola". Las películas de la nueva ola tienden a centrarse en el mundo espiritual de los jóvenes y el movimiento estudiantil. La "Cruel Youth Story" de Nagisashima es una de las obras maestras de este movimiento. Se puede ver que las películas de Jishu Terayama también fueron influenciadas por el movimiento New Wave, centrándose en el dolor y la confusión de los recuerdos juveniles y mezclando emociones personales con factores de la época y la región. "Throw" representa a un joven que no está dispuesto a aceptar el status quo y anhela la emoción, pero siente que la vida no es más que la nada, por lo que cae en una crisis espiritual.

Las cicatrices de la posguerra y la política turbulenta de Japón fueron la madre de su crecimiento y, al mismo tiempo, se vio repentinamente inundado.

La influencia de la cultura occidental. En esta película vemos grupos de jóvenes deambulando por las calles.

Los hippies vestidos con ropa elegante se turnaban para fumar marihuana, los cigarrillos de la Paz estaban esparcidos por el suelo y la sombra de la guerra se esparció por todos los rincones del mundo. Quizás era la primera vez que dirigía una película y Hughes no tenía suficiente confianza en la expresión de su cámara, por lo que la película incluyó largos poemas, monólogos y sermones filosóficos, utilizando el lenguaje y las palabras para fortalecer las intenciones de la película.

El "Festival Pastoral de los Muertos" es su recuerdo de la infancia en su ciudad natal de la prefectura de Aomori. La película se divide en dos partes: la primera parte es una película que se proyecta en el estudio, con recuerdos fuera de lugar del pasado, un niño encarcelado por su madre se siente atraído por el circo y se fuga con la esposa de un joven vecino; , el niño viene del tiempo y el espacio pasados, Cuenta el verdadero pasado. La joven no llegó como se esperaba y el circo siguió siendo absurdo. Los recuerdos y la verdad, como el papel de copia en movimiento, siempre tienen algunas diferencias irreparables.

Además de su propia escritura de guiones, el trasplante e interpretación de novelas de vanguardia es una característica importante de las pocas películas de Ji Shujishan, por lo que sus obras incluyen tanto "películas de autor" como "películas de escritor". "El burdel exótico de Shanghai" es una adaptación de la novela "La historia de la abuela" de la escritora francesa Pauline Regan. Su último trabajo "Adiós, Box Boat" adaptó la famosa novela de realismo mágico latinoamericano "Cien años de soledad" trasplantada a un. Contexto japonés. Para ser precisos, Hughes extrajo el alma y el esqueleto de estas novelas, pero también unió su rico cuerpo cultural al esqueleto, haciendo que las películas de estos escritores sean más o menos compatibles con múltiples factores culturales.

Rodada en 1981, esta película llamada "Shanghai" está ambientada en realidad en el Hong Kong de principios del siglo XX, y es su única película rodada fuera de Japón. o, una chica francesa que sucumbió silenciosamente a Steven por amor, la siguió a un lugar en Hong Kong llamado "Sala de Prostitución Interracial de Shanghai" en 1920 y comenzó su carrera de prostitución. Steven disfrutó del abuso, observó la recepción de O, la esposó y se vio a sí mismo teniendo relaciones sexuales con su antiguo amante para ver la reacción de O. Finalmente, intentó suicidarse matando al chico con el que O estaba en ciernes. Finalmente, cuando O fue declarada libre, se sintió muy confusa. Hughes abstrae repetidamente la trama audaz y vanguardista y la fragmenta deliberadamente. Entonces, lo que podemos ver es como el cuerpo humano y la dinámica continua expresada por máquinas simples en las obras del artista moderno Duchamp, sin una trama completa y continua. El papel protagonista de esta película (interpretado por Steven) es Klaus Kinski, un famoso "actor diabólico" alemán de la época.

Esta impactante pareja de director y actor lleva la película a su clímax.

Esta es una tragedia que no podría ser más hermosa, tan trágica. En este extraño mundo, nadie es feliz. Las prostitutas sufren un recuerdo tras otro. Los clientes pedían a las prostitutas que les prestaran todo tipo de servicios extraños, pero aún así no estaban contentos. De todos modos, al igual que el niño, ella sonrió. Este rostro sonriente quedó inmediatamente abrumado por la tragedia.

Personalmente creo que "On" es la que tiene más elementos comerciales de todas las películas dirigidas por Hime Terayama. Las películas de Jishu Terayama se caracterizan por fuertes efectos personales, pero esta característica no se destaca en "On". Sin embargo, el procesamiento fue muy fluido, lo que hizo que la película fuera demasiado avanzada y no se convirtiera en una película pornográfica, pero aún estaba lejos de la cima del arte.

La trama de la película de Jishu Terayama es absurda, y la subversión visual de las prostitutas travestis (hombres disfrazados de mujeres) es superficial e insuficiente para expresar sus intenciones. Su objetivo es subvertirlo por completo con lo absurdo de la trama. No es superficial ni imprudente, pero tras una cuidadosa consideración, muestra las escenas que nos conmueven y asombran de una manera fría y fría. Lo que solemos decir sobre algo como "bello" es a menudo una débil inclinación emocional para indicar que nos hace sentir bien. Sin embargo, la "belleza" de Jishu Temple Mountain no es el tipo de belleza que nos hace sentir cómodos, sino una estética cuidadosamente formada, una estética artística pura y una estética decadente que penetra profundamente en la médula ósea. Este tipo de decadencia y subversión tiene algo en común con la estética del dadaísmo, pero es más profunda que esta última.

Por ejemplo, en "On", la prostituta japonesa Xiaoyu tiene un pasatiempo, que es ir a la escuela en el suelo. Como oficial frecuente que era azotada por la prostituta, ladraba sin cesar. El recuerdo de Jade pasó de un punto a la cara mientras el hombre giraba cada vez más rápido en el suelo. Cuando era niña, su padre era demasiado pobre para permitirse un perro de juguete. Entonces fui a la escuela y me tumbé en el suelo como un perro para convencer a mi hija. Mi hija tomó un látigo y golpeó a su padre como a un perro. El público puede sentir una fuerte sensación de mareo mientras el padre gira cada vez más rápido en el suelo. El efecto psicológico que el director quiere conseguir es que el amor del padre por su hija no sea conmovedor ni repugnante, sino una angustia más fuerte e indescriptible. Una extraña escena experimental basada en la ficción realista, en la que eliminó las características "humanas" en una estética decadente completamente deconstruida. Este tipo de deconstrucción es intolerable en el mundo espiritual de la gente corriente. Si el público piensa que esta escena es real, sentirá un fuerte miedo y sentirá que la realidad no debe ser deconstruida de esta manera y revelar su rostro cruel. Si piensa que esto no es la realidad, siente la diferencia entre la trama de la película y la realidad, pero parece que no puede encontrar esa diferencia. Otro ejemplo es que al final de la película, un hombre enmascarado y vestido de negro sostiene la cabeza de un niño revolucionario y declara la libertad de O. La trama es tan ridícula que se reduce al expresionismo. Esta hipótesis argumental audaz y vanguardista hace que a la gente se le ericen los poros. Esta estimulación no es instantánea, sino que despierta una sensación de frío en el corazón, permitiéndonos entrar conscientemente en las emociones que la heroína O puede sentir (en concreto, en el mundo personalizado del director).

Si hay una historia completa en "On" que puede ser aceptada por la mayoría del público, entonces "The Grass Maze" filmada en 1983 (en adelante, "The Grass") es una historia completa. a cabo una película experimental. Esta película trata sobre un adolescente que pasa por varias etapas para encontrar la canción de balonmano cantada por su madre muerta. Parece un espejo partido compuesto de artes escénicas. Los diversos elementos de la película son como pesadillas y tonterías, que exudan una sensación de urgencia. Por todas partes la extraña atmósfera de miedo: la larga y abrumadora seda roja, la misteriosa chica bailando, un grupo de fantasmas que aparecieron inexplicablemente y la cabeza de la madre aplastada contra una pelota de mano, lo que dejó a la gente atónita e increíble.

"Goodbye, Box Boat" es la última flor en la vida de Ji Shu Terayama, y ​​se completó un año después de la muerte de Hughes (1984). La historia se desarrolla en un pueblo donde el tiempo ha sido removido y convertido en un arca: las almas de los aldeanos se quedaron en el pueblo después de la muerte, los primos casados ​​vivieron una vida amorosa y asexuada gracias al cinturón de castidad fabricado por su padre; Con el tiempo, el tiempo volvió al pueblo, los aldeanos se mudaron a otros lugares y el pueblo desapareció de la historia, dejando solo rastros en fotografías familiares. La soledad que abre "Cien años de soledad" impregna la película de Hughes. Se trata de una novela difícil de adaptar al cine, y sólo un poeta cinematográfico como Hughes podría haberlo hecho. Es una pena que el maestro se convirtiera en un extraño antes de que terminara la película.

Aunque las tramas de las películas de Hughes puedan parecer inconexas, siempre hay un símbolo que sirve como pista de toda la película. En "Tian", la herramienta del tiempo es una pista del apego de la película, y en "Shang" ocurre lo mismo con la caja rectangular de la infancia de O. Este símbolo cuadrado rodeaba el símbolo circular del interior, como un grillete, haciéndola perder su libertad y quedarse en silencio, pero al mismo tiempo no tenía adónde escapar. Por tanto, la estética simbólica de Terayama es una de las características más importantes de sus películas. En sus películas, los símbolos y la trama son igualmente importantes, incluso más que estos últimos.

Técnicas de procesamiento de elementos de imagen y sonido

La organización de los elementos de imagen y sonido de la película de Jishu Terayama es tan compleja como su argumento. Las películas de Jishu Terayama siempre tienen música local relajante mezclada con sonidos de fondo breves y ásperos. Después de ver algunas de sus películas, descubrí que mis oídos se volvieron sensibles y comencé a captar pequeños sonidos cortos en el aire que nunca antes había escuchado.

Para que la película tuviera un sentido artístico tanto de forma como de espíritu, a Hughes no le importó el procesamiento del sonido, ya fueran las hermosas y delicadas canciones populares japonesas o la escena de "Throw" cuando la hermana fue violada en grupo. por los jugadores de fútbol y el hermano estaba indefenso afuera de la puerta, el sonido de fondo usa un coro que parece gritar en lugar de gritar y el extraño sonido del monstruo bailando en la hierba está en línea con la trama y es impresionante. Asimismo, a través de varias de las películas de Hughes podemos descubrir su preferencia por el color y la composición. A veces manipula la lente para expresar el mundo objetivo de manera suave y natural como una pintura al óleo, a veces usa ukiyo-e para expresar imágenes vívidas, a veces grisiza o oscurece las imágenes y a veces usa algunos objetos de colores surrealistas para expresar el mundo. reflejado en su corazón. Los tiros lejanos con características meditativas y los tiros rápidos con saltos rápidos se superponen constantemente.

Para cualquier sustancia existente, ésta es única como sujeto, pero la sustancia vista a través de cada ojo es diferente. Es difícil decir qué es verdad. Quizás el mundo que vemos, oímos y con el que entramos en contacto no sea real. Sólo los objetos proyectados en nuestro corazón son sustancias verdaderamente leales a nosotros mismos. La mayoría proyecta desde un ángulo similar, pero Hughes eligió otro y transmitió la sensación en la pantalla. Siempre agregaba filtros de color a sus tomas, o usaba sobreexposición o subexposición para enfatizar el impacto de la toma. Por lo tanto, en sus pinturas suelen aparecer el sol y el cielo rojos, la tierra y los ríos violetas, e incluso algunos tonos blanco y negro o gris pardo, y todavía se utilizan la composición y las imágenes para aumentar el impacto visual. Muchos elementos visuales de las películas de Jishu Terayama son muy similares a su fotografía.

El verde y el morado se utilizan para distinguir diferentes colores emocionales en "Throw". Cuando los adolescentes presencian y soportan la opresión y el desamparo de la realidad, la lente se vuelve de un verde brillante desesperado y deslumbrante; cuando los adolescentes sueñan con sus ideales y fantasean con volar en el cielo, la lente se vuelve de un púrpura extremadamente suave y hermoso; Los dos colores constituyen los dos puertos de las emociones juveniles. Este método de utilizar actividades psicológicas para proyectar filtros de color en escenas externas también se utilizó en la película juvenil "Todo sobre Zhou Lili". "On" es su película más destacada, hermosa y encantadora. Hughes pensó mucho en el vestuario. Ya sea el vestido chino de Steven o la ropa de los hombres empleados en el burdel, realmente hacen que la gente sienta lo absurdo de este burdel "extraterrestre". Como entidad única, el vestuario de la película todavía puede considerarse un "arte de vanguardia"; las tomas de ilusiones de memoria en "Tian" siempre están cubiertas con filtros rojos o verdes para distinguir diferentes emociones en las escenas con el grupo acrobático; , toda la imagen se divide en cuatro partes: violeta, verde, amarillo y azul, para revelar que "la memoria es sólo un circo con mucho maquillaje"

Poesía, símbolo, metáfora

Para entender las películas del tío Ji ·Terayama es necesario definirlo como un poeta. Su largometraje semiautobiográfico "Pastoral Sacrifice to the Dead" (filmado en 1974, en lo sucesivo denominado Tian) es una película poética de éxito. Imagine que su yo de 15 años y su yo adulto de 20 años después están sentados uno al lado del otro, luchando con el pasado real y el pasado recordado. Hughes transformó su poesía en otra forma de arte, una fusión de poesía y cine como uno solo. cuerpo, explora la verdad del tiempo. Imágenes como relojes y relojes de pared que suelen aparecer en "Field" son en realidad portadoras de poesía. El director quería encontrar un momento real y único, el momento en el que sonaba el reloj de pared que con tanta fuerza custodiaba su madre. Sin embargo, la verdad del tiempo siempre es distorsionada por la experiencia de cada individuo, mostrando sus propias diferencias. Este es el momento que el niño anhela, mostrado en los relojes de todos en el circo. Aquí se encuentran el concepto de tiempo en el estudio de la física y el concepto de tiempo incorporado en la poesía. "Si viajas a través de un túnel del tiempo de cien años y asesinas a tu abuela, ¿existes?".

No sólo en esta película, sino en cada una de sus películas. En sus películas se cruzan la fantasía y la realidad fuera de lugar, y se entrelazan la poesía, el simbolismo y la trama. Se puede ver que cada toma suya ya contiene los sentimientos de su mundo interior. No es difícil copiar el mundo exterior, como en un documental, pero el mundo exterior es sólo una parte de nuestro espacio existente y es difícil mostrar el mundo interior de una persona. La poesía conecta los mundos interior y exterior. La dificultad era cómo trasladar el poema a la pantalla. Como joven poeta famoso y más tarde director, Terayama supo controlar la sutil relación entre la cámara y la poesía.

Además de la poesía, a Hughes también le gustaba utilizar símbolos como metáforas. Los retratos colgados en la pared y los extraños hechizos pintados en la tela blanca estaban pintados como caras blancas; el reloj y el reloj de pared que sonaba en el campo, y la sangre del amante de la joven goteaba sobre la tela blanca, como un japonés. bandera. Los espasmos de las mujeres inflables del grupo acrobático que necesitan una bomba son también un indicio de deseo sexual latente. Al final, un dedo apunta en la dirección opuesta al progreso de la persona, apuntando en la dirección opuesta a "fallecer"; el nombre "O" en "arriba" en sí es un símbolo, que simboliza un agujero, un espacio inclusivo en expansión infinita; , que también es similar a O recuerda la caja donde lo encarceló su padre. Todas estas son imágenes abstractas, incluido el anillo con forma de pájaro que lleva O y herramientas de agresión sexual de varias formas en la hierba, hay pelotas de mano grandes y pequeñas, largos brocados rojos, etc. Mientras mi hermano llevaba a su hermana herida a casa durante una competencia de lanzamiento, un hombre pasó junto a ellos llevando un cadáver de cerdo disecado. En "On", la actriz arruinada pierde el control de su memoria y se suicida junto con sus invitados. En ese momento, un piano flotaba en el río fuera de la ventana, lo cual fue muy significativo.

La leyenda del fantasma nacional es también uno de los símbolos que se utilizan a menudo en la montaña del templo Jishu.

La mujer vestida de rojo y con el pelo largo, vestida con un traje antiguo, y el retrato colgado en la pared recuerdan a la legendaria niña de las nieves japonesa y a la kappa. Chiyo, la mujer encarcelada en "Weeds" tiene sombras de la leyenda de la Doncella de las Nieves. El uso de estos símbolos populares está lleno de costumbres nacionales e implicaciones filosóficas, lo que es suficiente para que el público nacional reexamine estas imágenes y aumente el misterio psicológico del público extranjero. No es sólo una leyenda popular sobre fantasmas y dioses, sino también una parte importante de la cultura occidental contemporánea en el cine. Throw reúne mucha cultura pop: carteles, música rock, hippies y más. La película trata sobre la reflexión de Japón sobre la nación. La colisión de dos culturas hace que Japón no pueda mantenerse alejado y se sienta ansioso.

Al inicio de este artículo, se mencionó que las películas del tío Ji Terayama todavía están en el altar. Este poeta cinematográfico, sensible y apasionado por los paisajes primitivos, inscribió esta emoción en sus películas. En este mundo exterior se entrelazan pastos, pastizales, montañas nevadas, ferrocarriles abandonados, recuerdos del pasado y pianos. También está comprometido a profundizar en su mundo interior. A primera vista, ninguna de sus películas puede escapar a las semillas del amor. La ambigua relación entre madre e hijo en "Grass and Field", así como el hecho de que O perdió a su padre que le dibujó la caja de tizas en Top, recurrió a Steven, que era muchos años mayor que él, para completar su pertenencia. bajo el control del poder. ¿No son los complejos de "amor al padre", "amor a la madre" e incluso "amor al hijo" que se muestran en la película la encarnación de los complejos de Orfeo y de Edipo propuestos por Freud? Freud utilizó el ello, el yo y el superyó para constituir el mundo consciente de una persona. En varias películas, Glass ha explorado especialmente el mundo subyacente de la voluntad llamado "superego" y lo ha presentado en forma de imágenes, lo cual no es fácil. El superyó es un mundo que puede explorarse para siempre. Por tanto, este tipo de película es altamente experimental.

Pero obviamente la Montaña del Templo Jishu tiene un significado más profundo. Podemos ver varias escenas de sexo en las películas, muchas veces en medio de la desesperación y la lucha. Por ejemplo, en "Throwing", mi hermana fue violada en grupo, en "Tian and Cao", una joven tuvo relaciones sexuales con un adolescente, y en "Ashan", Steven la violó y recibió invitados. Aunque O se rió con un niño revolucionario, el niño fue asesinado a golpes. El sexo era originalmente un cebo feliz proporcionado por Dios para la reproducción humana, pero aquí no hay felicidad alguna. Si el sexo pierde su propósito, todo está en peligro. En sus películas, el sexo no sólo es metaforizado por varios símbolos, sino también por una metáfora más amplia. Si simplemente hacen todo lo posible por utilizar trucos para liberar la estimulación sensorial, la película de Hughes no puede considerarse una película de arte. A lo sumo, está un poco más avanzada entre la proliferación de productos audiovisuales japoneses. El "instinto sexual" y el "instinto de vida" (también llamado "instinto de muerte") son los dos contenidos principales de la vida. Hughes entreteje la vida, la muerte y el sexo en su obra, que también son temas importantes para muchos maestros japoneses. Muchos directores japoneses de su época, como Imamura Shohei y Nagisashima, también estaban acostumbrados a utilizar imágenes para reflexionar sobre las visiones sobre la vida, la muerte y el sexo que constituían sus características nacionales. Hay un detalle en "Throw". Un hombre vende "ancianos inútiles" detrás de él hay varios ancianos atados al entumecimiento. Este tipo de eliminación cruel de los viejos y débiles debido a la limitación de recursos recuerda fácilmente a "La prueba del festival de la montaña" de Imamura Shohei. Este país insular con aguas bloqueadas, una nación hegemónica que se expandió deliberadamente, ha producido un grupo de maestros compasivos que reflexionan sobre el sentido individual de "vida (muerte)" y "sexo", y se preocupan por el destino de toda la nación a través de individuos. cuidado.

Luego, como poeta cinematográfico, no supo fingir su vida. En 1983, Hughes murió de cáncer de hígado en Japón a la edad de 47 años. Durante los años siguientes, varias de sus películas se estrenaron a nivel nacional e internacional. Es difícil decir si su muerte antinatural estuvo relacionada con su película. Quizás fue su exploración de la desesperación humana y la nostalgia por la ecología original lo que le hizo avanzar prematuramente hacia el origen y el destino de todas las cosas. El gran maestro finalmente contrajo una enfermedad terminal irresistible. Afortunadamente, existen películas que nos permiten conocer el altar eterno que dejó.