La historia del desarrollo del Museo Guggenheim
Rebe cree que la no cosificación es el nacimiento de un nuevo estilo artístico y filosofía estética. Entre la visión abstracta de obtener forma del mundo empírico en la estética y la no concreción en la creación artística pura, Rebai eligió esta última, creyendo que está llena de connotaciones misteriosas. La palabra "no representacional" fue traducida por el Rebe del término alemán "Gegenstandslos", que significa literario. El término "sin objeto" proviene de los trabajos teóricos de Kandinsky, y las más altas leyes estéticas y espirituales que expresa tuvieron una importante influencia en Rebai. “Sin precedentes”, escribió el Rebe cuando describió por primera vez la misión del arte, “¿hay algún progreso mayor que el de la pintura desde lo figurativo a lo no figurativo, desde lo material a lo espiritual? Porque estamos destinados a ser más creativos. , y volverse hacia el mundo espiritual es nuestro El destino del humanismo se desarrollará y, naturalmente, sentirá más energía del gran arte, que es la gloria de las obras maestras no representativas ”
Influenciado por las apasionadas palabras de Rebe. , al coleccionar a este pariente, guiado por ideas avanzadas en campos desconocidos, el Guggenheim comenzó a comprar sistemáticamente obras de artistas no representativos. Los primeros compradores incluyeron a Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Fernanda Regour y László Moholy-Nagy. El artista ruso Kandinsky fue una de las primeras personas en interpretar esta pintura puramente no imitativa, y sus obras finalmente establecieron la dirección general de la colección. Los coloridos lienzos del artista están llenos de vívidas formas de concentración o contraste, que ilustran la filosofía abstracta que Kandinsky definió en su obra teórica de mayor circulación. En "Sobre el espíritu del arte" (Uber das Gastig in der Kunst 1911) y "Punkt und linie zu Flache 1926" comparó los colores con tonos musicales y las formas con portadores de diferentes emociones, inventó lo que entendía por artista.
Pronto, las paredes de la suite del hotel Guggenheim se cubrieron con nuevas colecciones. Luego, inevitablemente, su atención se centró en la posibilidad de exhibir públicamente estas obras, y en 1937 creó la Fundación Solomon R. Guggenheim, cuya misión era "promover, fomentar y educar el arte, iluminando al público". Después de tomar posesión de la fundación, el Guggenheim imaginó un edificio de museo diseñado para albergar una colección de arte en crecimiento. Siguiendo su plan, Rebay rápidamente comenzó a planificar la mejor manera de hacer realidad su sueño. Su correspondencia con el Guggenheim desde la década de 1930 estuvo llena de planes y propuestas para una "galería-palacio de arte" de arte no representacional.
Finalmente, en 1939, Guggenheim alquiló una sala de exposición de coches usados en East 54th Street en Manhattan, Nueva York. El Rebe, con la ayuda del arquitecto Wilhelm Muschenheim, lo transformó en un espacio de exposición temporal completamente funcional y lo llamó Museo de Pintura No Representacional. En el museo sólo se exponen algunas pinturas del arte abstracto más sencillo; algunas obras abstractas o figurativas de artistas considerados de vanguardia, como Chagall, también están incluidas en la colección de este período, pero permanecen en la Suite del Hotel Guggenheim, no incluido en la exposición. La galería fue un gran éxito y, como su primer curador, Lebbe dio la bienvenida y apoyó a muchos jóvenes pintores abstractos estadounidenses y exhibió sus trabajos.
En 1943, para satisfacer las necesidades del cada vez más próspero museo de arte no representacional, Gerbet decidió emprender un nuevo viaje: construir un edificio permanente que albergara la colección Guggenheim y albergara la exposición de la fundación. actividades. Eligió al famoso arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, cuya arquitectura orgánica respondía a las ideas de no cosificación de Lebbe: una expresión racional y racional realizada como expresión directa del alma del creador y del nuevo arte idealista. El museo original de Wright fue anunciado a la prensa en 1946, pero debido a varios obstáculos, como la inflación de la posguerra, la rezonificación gubernamental del edificio, los cambios en la ubicación del museo y la muerte de Guggenheim en 1949, el edificio no pudo construirse a continuación. se completará en un plazo de 13 años. En 1952, la institución pasó a llamarse oficialmente Museo de Arte Solomon R. Guggenheim en honor a su fundador. El Museo de Pintura No Representacional, nombre con un claro alcance estético, se cambió por uno más neutro, más fácil de recordar y que reflejaba parte de la reflexión institucional de Solomon R. En 1948, el museo compró toda la propiedad de Karl Nierendorf, un comerciante de arte de Nueva York especializado en pintura española, aumentando así la colección del Guggenheim a 730 obras, incluidas 18 obras de Kandinsky, 165.438 obras de Paul Klee y 6 obras de Chagall. y Feininger. Sin embargo, esta adquisición puede ser más importante para el desarrollo futuro de Guggenheim. La rica colección de expresionismo y surrealismo de Nierendorf amplió la colección original del Guggenheim.
A principios de los años 1965 y 1950, el alcance restringido de las exposiciones en los museos fue ampliamente criticado. Aunque Rebe a menudo fue aceptada y apoyada por jóvenes artistas nuevos, la mayoría todavía consideraba que sus criterios para evaluar el arte no figurativo eran demasiado extremos y limitantes. Reconociendo que el nombramiento continuo de Gerbet no supondría ninguna reforma efectiva de la política de exposiciones, los miembros del comité aprobaron una resolución pidiendo su dimisión en 1952, anunciando que Johnson Sweeney la sucedería siete meses después. Sweeney, ex director del departamento de pintura y escultura del MOMA, asumió su nuevo rol directivo y de planificación con una visión y sensibilidad artística más amplia que Rebay. Creía que la colección de obras de arte también debería incluir el desarrollo de toda la historia del arte moderno, excepto el arte no figurativo, para llenar los graves vacíos en la colección del museo, como la colección de esculturas que Gebert negó por motivos. de existencia tangible, inició un ambicioso plan de Compra. Desde que Sweeney asumió el cargo en 1960, se adquirieron 11 obras de Constantin Brancusi, 3 obras de Alexander Archibenko, 7 obras de Calder, Max Ernst y esculturas de bronce de Giacometti, además de otras obras importantes como El hombre de brazos cruzados y Abstracto de Paul Cézanne. Obras expresionistas de Willem de Kooning, Franz Kline y Jason Braque. Además de la colección comprada por Sweeney, el museo también recibió un legado del patrimonio de la fundadora de Societe Anonyme, Katherine S. Dreier, propietaria de obras de Duchamp.
Cuando se inauguró el edificio de Wright el 10 y 21 de octubre de 1959, innumerables personas hicieron fila para experimentar el edificio y ver la maravillosa exposición inaugural que mostraba las excelentes obras de la galería. A lo largo de los años, los artistas y directores de museos han encontrado los espacios especiales de exhibición de Wright como un desafío bienvenido. Cuando Wright intentó utilizar curvas simples para formar una estructura cerrada, brindó una nueva posibilidad para el diseño de las instalaciones del museo, las exposiciones y la inspección y el pensamiento artístico.
Sweeney renunció poco después de la apertura de la galería. En 1961, Thomas M. Knife formó un nuevo equipo administrativo que amplió los esfuerzos de Sweeney para modernizar y administrar profesionalmente el personal y la estructura del museo. Durante su mandato de 27 años, The Knife se embarcó en un ambicioso programa de publicaciones públicas, centrándose no sólo en exposiciones de corta duración sino también en una catalogación meticulosa y en profundidad de nuevas colecciones y el establecimiento de un instituto de investigación académica.
Bajo el liderazgo de Knife, el Departamento de Exposiciones y el Departamento Técnico se ampliaron debido al aumento de las actividades de exhibición y publicación. En términos de colección, continuó la tendencia general de crecimiento iniciada por Sweeney, con obras de Broncusi, Calder, Giacometti, Klee, Kupka, raiguel, Joan Miró y Egon Schiele ingresando a la colección del museo como importantes obras de arte moderno. En la categoría más contemporánea, Knife se encargó de adquirir varias obras de sus artistas favoritos Jean Dubuffet, Francis Bacon, Anselm Kiefer, Robert Rauschenberg y David Smith. Durante su mandato, Knife también compró obras de artistas latinoamericanos y de Europa del Este que eran firmes defensores de la vanguardia internacional. En 1963, la colección del museo aceptó la obra de Justin K. Tannenhaus. La colección de impresionistas Justin K. Thannhauser. Las obras maestras francesas postimpresionistas y modernas han experimentado un crecimiento espectacular como obras en préstamo permanente. Las pinturas y esculturas entraron oficialmente en la colección del museo en 1978, dos años después de la muerte de Thannhauser. El legado de Thannhauser constituye una importante declaración histórica sobre el período artístico que precedió a la colección original del Guggenheim, sumándose a la colección del Museo de Picasso y pintores parisinos. "Monte Saint-Remy" de Van Gogh y "Mujer planchando" de Picasso son dos obras maestras donadas por Thannhauser, pero representan sólo una pequeña parte del total. En 1981, la viuda de Justine, Hilde Thannhauser, anunció que se habían añadido tres obras más a la donación, incluidas obras de Georges Braques, Picasso y Van Gogh. Después de la muerte de Hilde en 1991, el museo aceptó su donación, que incluía diez obras importantes, incluidas pinturas de Cézanne, Klee, Manet, Paskin, Picasso y Monet. Entre ellas, la obra de Monet es la primera colección del museo. Para poder exponer plenamente las pinturas y esculturas donadas por Thannhauser en 1963, el Museo Guggenheim hizo las necesarias ampliaciones en el espacio expositivo: en 1965 se instaló la sala de exposiciones K. Thannhauser en el segundo piso del edificio Monitor. El Monitor en 1989 pasó a llamarse Thannhauser.
Peggy Guggenheim debe estar entre los coleccionistas que durante mucho tiempo han contribuido a las destacadas colecciones del Museo. Aunque el Museo de Arte Peggy Guggenheim es una institución autónoma y está geográficamente distante del Museo de Arte Guggenheim de Nueva York, no ha existido desde que Peggy Guggenheim trasladó su colección de arte y la lujosa casa que la contenía en 1976 después de ser donada como Como legado al Guggenheim de Nueva York, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia se convirtió en una parte integral de la Fundación Solomon R. Guggenheim. La colección expuesta en la Piazza Venezia, adyacente al Gran Canal, se ha convertido en la atracción cultural más respetada de Venecia. El énfasis de Peggy Guggenheim en las tendencias estilísticas que su tío Solomon ignoró, a saber, el surrealismo y la "pintura gestual" estadounidense de principios de la posguerra, aprovecha al máximo su colección de más de 300 obras estilísticamente diversas. La mayoría no se encuentra en la colección original del Guggenheim. Cuando se juntaron, sus colecciones formaron un todo transcontinental y comenzaron a rastrear la compleja y variada historia del arte del siglo XX. Su alianza marcó el rumbo de la internacionalización de la organización. Después de 1988, bajo el liderazgo del director del museo Thomas Krens, el Guggenheim amplió sus operaciones y continuó un ambicioso programa de adquisiciones destinado a ampliar su colección de fotografías y arte contemporáneo. En 1992, el edificio de Wright fue reconstruido y se agregaron nuevos edificios, agregando un espacio de exposición bastante completo, lo que permitió que la rotonda de Wright y la sala de exposiciones Thannhauser mostraran plenamente su esplendor.
Al mismo tiempo, se inauguró el Guggenheim SOHO en el Bajo Manhattan, añadiendo cerca de 2.700 metros cuadrados de espacio expositivo para arte multimedia contemporáneo.
1997, a través del Museo Guggenheim Bilbao y La creación del Museo Guggenheim en Berlín, Alemania, se suma a la presencia internacional general de la institución. El Guggenheim de Bilbao está gestionado por el Guggenheim y fue establecido por el gobierno vasco como parte de un plan a largo plazo para transformar Bilbao en una metrópolis importante. Diseñado por Gary y considerado una obra maestra arquitectónica en todo el mundo, demuestra dramáticamente la capacidad del Guggenheim para lograr su propósito fundamental: recopilar y exhibir el arte de nuestro tiempo. El Neues Museum alberga el Eduardo adquirido por el Guggenheim. Obras de Eduardo Chillida, de Kooning, Jenny Holzer, Mark Rothko, Richard Serra y Anthony Tabiez, entre otros. , se han ido añadiendo gradualmente a la colección para complementar y completar la colección existente del Guggenheim. La espaciosa sala de exposiciones diseñada por Gary es adecuada para exhibir arte a gran escala de la segunda mitad del siglo XX, que en su mayoría desafiará la capacidad de las tradicionales salas de exposiciones de historia natural. El museo de arte también cuenta con una galería dedicada a artistas vascos y españoles contemporáneos. El Museo Guggenheim de Bilbao ofrece la oportunidad al Guggenheim de cultivar una relación especial con el arte local.
El Guggenheim Berlín es una producción del Guggenheim en colaboración con el Deutsche Bank. Está ubicado en un espacio de exposición privado en el histórico Hunterdon Linden de Berlín. El programa de exposiciones del Guggenheim es una rotación de una serie de exposiciones u obras planificadas de artistas de renombre internacional como Jeff Koons, Rosenquist y Rachel Whiteread.
En 2001, la red de museos del Guggenheim se expandió al oeste americano cuando se abrieron dos lugares diseñados por Koolhaas en Las Vegas: Guggenheim Las Vegas, un vasto espacio para exposiciones especiales que incluyen arte contemporáneo, arquitectura y diseño. así como la colección del Ermitage Guggenheim. Construido sobre el Guggenheim de Bilbao, el nuevo museo de Las Vegas renueva el récord de combinar gran arte con magnífica arquitectura, desde Wright hasta Hilary Rebbe y Solomon? Comenzó la colaboración con el Guggenheim. Tras la colaboración de Gehry con el Museo Guggenheim de Bilbao, el Guggenheim y Koolhaas volvieron a colaborar en el Nuevo Museo de Las Vegas, proporcionando una vez más al mundo el edificio más destacado para apreciar el arte de esta época.
A través de la red en constante expansión de espacios de apreciación del arte en forma de estrella, cada componente brilla con su brillo único, lo que demuestra el compromiso del Guggenheim de integrar la educación, el arte y la arquitectura. En conjunto, estos espacios permiten a la Fundación lograr su misión y objetivos, recopilar la mayor cantidad de arte posible de la más alta calidad y presentar el arte a la audiencia más amplia posible. El compromiso del Guggenheim con los programas internacionales refleja su historia, tradición, amplitud de colecciones y contribuciones a una cultura excepcional. En julio de 2000, Guggenheim amplió aún más su idea de un museo sin fronteras al asociarse con el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, Rusia. Thomas Krens, director del Museo Guggenheim, Mikahil Piotrovsky, director del Museo del Hermitage y el ministro de Cultura de la Federación Rusa, Shwydkoi, firmaron un acuerdo de cooperación a largo plazo, confirmando que las dos instituciones trabajarán juntas para lograr los siguientes objetivos:
1. Ampliar los vínculos culturales internacionales; b. Poner las colecciones de cada museo a disposición de un público más amplio; c. Esforzarse por realizar * * * una estrategia de colección que pueda complementar la colección de la institución; , publicaciones, educación y actividades diversas.
Una parte importante de esta colaboración es la expansión del museo y la exploración de oportunidades de desarrollo cultural en diferentes partes del mundo. El primer proyecto concreto de su colaboración fue la construcción del nuevo Museo Guggenheim Hermitage en Las Vegas, Nevada, en 2001 10, diseñado por el arquitecto Ran Koolhaas, ganador del Premio Pritzker.
El nuevo museo, llamado "El joyero", como su nombre indica, pertenece al Museo Guggenheim y al Museo del Hermitage y se utiliza para exponer sus obras importantes. Su primera exposición se titula "Obras maestras y maestros coleccionistas: pinturas impresionistas y modernas tempranas en los museos Hermitage y Guggenheim". La exposición destaca la relación entre las obras de arte y los coleccionistas cuyo conocimiento juega un papel crucial en la formación de toda institución artística.
Al mismo tiempo, el Guggenheim también es socio del Museo del Hermitage en el desarrollo del ala este del antiguo edificio del Estado Mayor en Rusia. El ala este del edificio del Estado Mayor original, con una superficie de 38.000 metros cuadrados, se encuentra junto a la Casa Blanca en San Petersburgo. Fue construido a principios del siglo XIX según los dibujos diseñados por el arquitecto italiano Carlo Rossi. Para avanzar en este proyecto y fomentar y apoyar otras colaboraciones entre el Guggenheim y el Hermitage en los campos del arte, la arquitectura, el diseño y la educación, en 2002 se creó la Fundación Hermitage Guggenheim. El proyecto principal de la nueva fundación es apoyar y garantizar la implementación del programa de renovación del Edificio del Estado Mayor.
En 2001, el Guggenheim y el Hermitage acogieron a otra gran institución en su asociación: las Kunsthistorisches. La triple alianza mantiene los objetivos estratégicos originales entre el Guggenheim y el Museo del Hermitage y ha organizado conjuntamente numerosas exposiciones. La exposición más reciente es "Arte a través de los tiempos: obras maestras de la pintura desde Tiziano hasta Picasso", en el Museo Guggenheim de Las Vegas. La exposición en sí es espectacular, recorre la historia desde el arte renacentista del siglo XV hasta el arte moderno del siglo XX e incluye pinturas de seis países. Las obras de la exposición proceden de las colecciones de tres importantes instituciones artísticas: el Guggenheim, el Hermitage y el Kunsthistorisches Museum de Viena. Sobre esta base, esta exposición refleja un nuevo nivel de cooperación internacional entre instituciones culturales. Gracias a la combinación de recursos entre las alianzas, esta exposición se ha convertido quizás en la muestra concentrada de productos culturales y artísticos más grande del mundo. Sus innovaciones en la planificación del diseño y el disfrute de la colección han permitido que las exposiciones y desarrollos muestren todo el período artístico desde la prehistoria hasta la prehistoria. el presente. Los proyectos de investigación académica son posibles.
Se sabe que el Hermitage y el Kunsthistorisches Museum de Viena tienen colecciones enciclopédicas en algunas zonas. Para el Guggenheim, aunque ha acumulado una rica colección durante los últimos 60 años, acercarse a nuevas áreas de coleccionismo es sin duda un importante paso adelante. Antes de que se inaugurara su famoso edificio diseñado por Wright en 1959, el Museo Solomon R. Guggenheim tenía 20 años y su colección más de 30 años. A diferencia de otros museos de arte establecidos casi al mismo tiempo en Nueva York, el Museo Whitney de Arte Americano, famoso por su serie de colecciones de arte americano, y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, famoso por centrarse en y enriquecer su colección de cultura modernista, partió de un concepto estético claro: el concepto de no objetividad en el arte fue articulado por la primera directora del museo, Sheila Lebbe, visualizado por Wassily Kandinsky y apoyado por el Museo Solomon R. Guggenheim. Aunque este concepto de colección basado en estilos de pintura simples y abstractos es único, ha impulsado la colección de obras importantes en el museo.