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Sobre la influencia de Baudelaire en el arte moderno

Si Diderot creó la crítica de arte en el sentido moderno, el romanticismo estableció la estética de la crítica de arte moderna como fundamento (subjetividad), entonces Baudelaire estableció Los principios básicos de la crítica de arte moderno. En otras palabras, la comprensión plena del principio de autosuficiencia artística debe esperar hasta el nacimiento de la crítica de arte y la estética modernistas. Como dijo el famoso crítico de arte y esteticista contemporáneo Morawski: "Los conceptos de arte y estética nacieron y se consolidaron durante el período de crecimiento de la modernidad. El nacimiento de la academia y la pintura perfilan, la profesionalización de la crítica y el crecimiento continuo de la producción artística. La independencia del mecenazgo cortesano o eclesiástico establecido: todos estos y otros fenómenos similares se entrelazaron para allanar el camino para el surgimiento de una cultura estética relativamente independiente. Sin embargo, la plena conciencia del arte y la estética autosuficientes solo surgió con el surgimiento. de la sensibilidad modernista." 2

Se puede decir claramente que Baudelaire estableció los principios básicos de la crítica de arte modernista debido a su posición suprema en la crítica y la estética del arte moderno. Este principio es colocar verdaderamente el arte en relación con la verdad y la moralidad. Esto puede refutar de una vez por todas la acusación de que el modernismo es formalismo, que no equivale a ningún contenido (contenido de verdad y tendencia moral). Por supuesto, se podrían citar muchos pasajes para demostrar la afirmación de Baudelaire de la autonomía artística y su condena de la predicación moral, la poesía filosófica, las tendencias políticas en el arte y la literatura, etc. Wellek, por ejemplo, piensa que Baudelaire sólo se refirió despectivamente a la "utopía infantil de la escuela de arte por el arte, excluyendo la moral y a menudo incluso la pasión, y necesariamente estéril". ¿Pero entonces Baudelaire siempre ha declarado que está en contra de "promover la herejía" y recoger a Allen? La terminología de Poe también juega el papel de que "la poesía no tiene más propósito que ella misma" y "cuanto más se libera el arte del didactismo, más se eleva a una pureza y una belleza que no tienen nada que ver con la codicia". 3

¿Es Baudelaire tan contradictorio como decía Wellek? No, la creencia de Baudelaire en la autonomía artística no era una autonomía artística sin sentido. Detrás de su énfasis en la autonomía artística o "el arte por el arte", Baudelaire no olvida su preocupación por el arte moderno: es decir, como horizonte siempre abierto, su apelación a la modernidad. Realmente entendió la relación dialéctica entre la imaginación creativa, sujeto y objeto; un lenguaje artístico transformado por el arte, arraigado en un conjunto de teorías sobre la similitud, la armonía y el simbolismo universales. De esta manera, Wellek es incapaz de dar cuenta de las contradicciones que parecen estar contenidas en el texto de Baudelaire. Por un lado, Wellek señala que con una visión tan general de lo sobrenatural y de la imaginación creativa, Baudelaire ciertamente habría enfatizado el control del artista sobre el tema, la forma y el estilo, incluso el papel de la convención y el papel del sujeto en la vida. efecto de transformación del mito. por otro lado. Constantemente subrayaba que, al ver la naturaleza como un colorido cuadro simbólico, no podía escapar por completo a las expectativas realistas, es decir, a la importancia del tema y del contenido, al menos en la pintura. Por ejemplo, dijo: "La forma correcta de saber si una pintura tiene melodía es mirarla desde lejos, de modo que no puedas ver su tema ni distinguir sus líneas. Si tiene melodía, ya tiene un significado". . ” Dado que aquí “melodía” significa “unidad de color”, parece que vale la pena recomendar algo parecido a la idea de coloración abstracta: una pintura sin tema, o al menos sin temas tangibles o no reconocidos. En otra parte, Baudelaire afirmó sin rodeos que la línea y el color "no dependen en absoluto del tema de la pintura". Pero Baudelaire también decía: "El tema forma parte del genio de un artista" y no es "digno" de criticar el tema de un artista en particular. Es concebible que Baudelaire no abandonara la crítica temática, de lo contrario no diría que el valor del tema de un artista no es digno. Según Wellek, esto es una contradicción en el pensamiento de Baudelaire. Pero, en mi opinión, ésta es precisamente la parte más maravillosa del pensamiento de Baudelaire.

Porque confirma una vez más nuestra opinión de que Baudelaire no fue de ninguna manera un hombre literal del "arte por el arte". Aboga por el "arte por el arte" porque cree que sólo aquellos que insisten en el "arte por el arte" pueden, en última instancia y de manera más efectiva, realizar el "arte por la vida". En otras palabras, el "arte por el arte" es sólo un medio, mientras que el "arte por la vida" es el fin. La dialéctica entre forma y tema ilustra este punto. Sin cuidado y tema (afirmaciones de verdad y apelaciones morales), la pasión y la forma son imposibles. La forma es producto de diversas presiones que enfrenta el artista. La forma no es el resultado del desarrollo lógico del lenguaje histórico del arte establecido, sino que proviene de la contradicción entre la presión del tema y el contenido social e histórico encontrado por el artista y el lenguaje histórico del arte establecido. Por tanto, la forma (la configuración del arte) debe entenderse como un movimiento dialéctico entre el contenido temático y el lenguaje establecido de la historia del arte. 6

La visión de Baudelaire sobre la crítica de arte no sólo se basó en el legado de la estética romántica, sino que también criticó este legado y creó la crítica de arte modernista. Baudelaire fue el primero en enfatizar la temporalidad y la historia de la estética; obviamente, esto proviene del romanticismo. Se opuso al concepto de belleza absoluta y atemporal y reconoció el concepto estético romántico. Creía que el estándar de belleza cambia con el paso del tiempo y la esencia de la belleza también cambia con los cambios de la historia. Afirmó que "el romanticismo es la expresión más reciente y actual de la belleza".

En otras palabras, la belleza tiene diferentes formas de expresión en diferentes períodos históricos, y el romanticismo es la forma más reciente y actual de expresión de la belleza. Con el nacimiento del Romanticismo la belleza tomó su forma actual.

En El pintor de la vida moderna, Baudelaire presenta el famoso debate entre teóricos antiguos y modernistas. Este debate recibió una nueva expresión conceptual en la obra maestra de Schiller "Sobre la poesía simple y sentimental" y posteriormente apareció como un tema constante en los debates entre Schlegel y los románticos. Sin embargo, Baudelaire cambió el enfoque de una manera única entre la belleza absoluta defendida por el clasicismo y la belleza relativa defendida por el romanticismo. Dijo: "Un componente de la belleza es eterno y es extremadamente difícil determinar cuánto es. El otro componente es relativo y temporal. Se puede decir que es la época, la moda, la moralidad, la lujuria o uno de ellos. , o Ecléctico, es como una corteza de pastel divina, interesante y apetitosa, sin él, el primer ingrediente no es digerido, ni apreciado, ni aceptado ni absorbido por la humanidad. La creación consiste en captar el momento relativo y temporal y excavar en su lado eterno e inmutable. De lo contrario, la belleza artística será en vano porque no hay soporte, y el resultado sólo puede ser caer en la nada abstracta e incierta. Para que cualquier cosa moderna sea digna de los clásicos, debemos extraer la misteriosa belleza en la que la vida humana se ha colocado inadvertidamente. "Por este motivo, Baudelaire pidió a los pintores que tengan el coraje de observar y representar la vida moderna, en lugar de dormir sobre los modelos prefabricados de los antiguos. Dijo: "Quien estudie obras antiguas que no sean el arte puro, la lógica y los métodos generales ¡Cosa, quien esté en problemas! "Porque estaba atrapado demasiado profundo, olvidándose del presente y renunciando al valor y los privilegios que brinda la época, porque casi toda nuestra originalidad proviene de la huella del tiempo en nuestros sentimientos.

" Para nosotros, se puede decir que "La marca de la emoción" es el mejor resumen de Baudelaire sobre la naturaleza histórica de la belleza. En consecuencia, Baudelaire abogó firmemente por explorar la nueva belleza de la sociedad moderna y extraerla de fenómenos ordinarios perecederos, transicionales y triviales. Elogió al pintor Guy como un artista que extrae la belleza de la vida moderna. "Busca en todas partes la belleza breve y momentánea de la vida actual, las características que los lectores nos permiten llamar modernidad." 10

Fue en este contexto que Baudelaire apareció por primera vez en El término "modernidad" es. utilizado en la crítica de arte y probablemente en todas las discusiones filosóficas y estéticas. El enfoque de Baudelaire en los términos que caracterizaron el modo de pintura moderna a menudo se reduce a la experiencia del espacio urbano moderno del hijo pródigo. 11 Sin embargo, El pintor de la vida moderna de Baudelaire también puede leerse de manera más amplia porque sugiere, a través del término "modernidad", que se pueden construir imágenes de la modernidad en la pintura. Este artículo también establece la premisa conceptual de que existe una conexión tan inevitable entre modernidad y representación, que la vida moderna se convierte en el resultado de la construcción visual, así como la modernidad es también la fuente de estas pinturas. La representación no es una descripción fotográfica. Baudelaire eligió al escultor e ilustrador Constant Gay como ejemplo de artista moderno, al describir el trabajo de Gay, porque quería proponer un modelo de vida moderna que estuviera espacial y temáticamente relacionado con el El arte de recrear un personaje se trata de transformación. 12

Baudelaire construyó su modelo de modernidad en torno a los temas de la moda y la perecibilidad. Su discusión se centra en unas pocas figuras, pero en lugar de observarlas directamente desde la calle, las infiere y sus descripciones a partir de ilustraciones de moda e ilustraciones impresas. Además, Baudelaire elige personajes: hijo pródigo, dandy, hija, soldado, etc. - se representan en términos cuidadosamente construidos (se construyen como "imágenes"), por lo que analiza sus identidades elaborando sus estrategias de autorreplicación. 13 En otras palabras, pintura moderna y modernidad son un proceso de construcción mutua. Las pinturas modernas son "imágenes de la modernidad" a través de las cuales se capta la modernidad.

Baudelaire también planteó desde el principio su afirmación de que la moda necesita distinguir entre lo particular y lo general, pasado y presente, transición y eternidad. Al utilizar estos términos estructuralmente opuestos, Baudelaire sostiene que cada uno de estos dos pares de neutrales depende del otro para su identidad. Por lo tanto, cualquier intento de mostrar que una cualidad característica está intrínsecamente ubicada en un rasgo particular de la modernidad (como la eternidad o la perecibilidad) es contrario a la intención de Baudelaire. Baudelaire destacó la perecibilidad como condición eterna de la modernidad. Por lo tanto, los rasgos que solidificaron esta imagen perecedera tuvieron que desempeñar un papel en el reconocimiento del proceso duradero de cambio que Baudelaire colocó en el centro de la vida moderna. El punto no es sólo el mensaje transmitido por la imagen visual, sino también la manera en que se transmite la atención y se logra el compromiso con el carácter transitorio y flotante de la modernidad. 14

Para el público actual, el trabajo de Gay parece aburrido y carente de carácter. Sus obras se distinguen principalmente por su franqueza y falta de detalle, especialmente la falta de ese tipo particular de información. La vida moderna no puede describirse directamente sino a partir de imágenes producidas como impresiones y recuerdos en la mente del artista. Los temas, personajes, escenas y espacios de moda de estas imágenes se transmiten de forma taquigráfica, a diferencia de descripciones intensivas en información. Aquí, Baudelaire una vez más enfatizó la construcción de la modernidad por parte de los artistas modernos en lugar de la reflexión pasiva.

La combinación del mecanismo de ensamblaje (que sugiere que la vida ya es una imagen y la modernidad es un paisaje) y la estrategia conceptual de comunicación dependen de la familiaridad con las imágenes flotantes que se registran. Estas imágenes son incompletas, por lo que sólo cobran sentido dentro de un flujo continuo de otras imágenes flotantes e igualmente perecederas.

En "El público moderno y la fotografía" (1859), Baudelaire despreciaba y condenaba el realismo indiscriminado de la fotografía. 15 Ridiculizó a aquellos de sus contemporáneos que creían que "si un proceso industrial [refiriéndose a la fotografía] nos da un resultado equivalente a la naturaleza, es arte absoluto". Se dicen a sí mismos: "Porque la fotografía nos da todas las garantías de precisión que deseamos (y ellos lo creen, ¡pobres locos!"), entonces el arte es fotografía. " 16

Aunque estas posiciones –énfasis en la especificidad de la visión y oposición a la fotografía– parecen contradictorias, en realidad son complementarias. La condena de la fotografía requiere un retrato de la memoria, una colección extraída de la experiencia. En lugar de El producto de la observación directa, el modo de representación de Baudelaire enfatizaba la contemplación y la subjetividad más que la objetividad mecánica. La cámara que registra automáticamente el mundo se considera documental, pero para Baudelaire no puede reproducir la imagen moderna. El paisaje moderno está unido de manera muy directa y significativa a través de la esfera social y el filtro subjetivo (como imagen constructiva de la memoria de la experiencia) que Guy recordó en el estudio, algo significativo que recuerda de la gran cantidad de información que recibió. experiencias en la calle, es un esbozo de un símbolo comunicable e identificable de una experiencia compartida. Ésta es la clave para captar el aparente vacío de la obra de Guy. Así, para Baudelaire, las imágenes precisas no son información visual mecánica y detallada. enfatiza símbolos simplificados, esquemáticos e indiciales que están en el campo del conocimiento compartido. Bastantes, pero son fugaces, efímeros e interminables. Al final de este artículo, podemos ver claramente que en el concepto de Baudelaire, las únicas características universales. la modernidad son las actividades de imagen, la tecnología de reproducción y la construcción artificial. 17

En este punto, hemos llegado a la parte más valiosa de la estética de la modernidad de Baudelaire, que es explorar el autoestablecimiento y la autovalidación. de la modernidad, así como el yo de la modernidad desde una perspectiva estética.

La autofundamentación y la autovalidación de la modernidad han brotado en la filosofía de Descartes, adquiriendo claridad. Estos temas se refinaron y profundizaron aún más en la filosofía de Hegel. Desde el punto de vista de Baudelaire, la modernidad significa un cierto tipo de instantaneidad y fluidez, pero esta instantaneidad y fluidez contienen eternidad e inmutabilidad. Esta definición todavía tiene un estatus clásico inquebrantable. Conceptualiza el enfoque en el presente derivado del Romanticismo como un principio de que sólo lo moderno puede volverse clásico (o clásico) en el famoso "Pintor de la vida moderna" "En una sección, Baudelaire". dice: “Él (refiriéndose al pintor Guy) buscaba lo que podríamos llamar modernidad, a falta de una palabra mejor, para expresar el concepto del que estamos hablando ahora. Para él, el problema era extraer de lo popular lo que la historia podía contener como poético, extraer la eternidad de la transición. Luego dio una famosa definición de “modernidad”, quizás la más famosa hasta la fecha: “La modernidad es transitoria, efímera, accidental, mitad arte, mitad inmutable. ”18

Este punto es extremadamente importante: el concepto de modernidad de Baudelaire se ha convertido en la base de casi todas las definiciones de modernidad. Por supuesto, la “nueva era” de la modernidad es en sí misma una economía abierta y orientada al futuro. idea de un proceso que se está formando, esperando ser negado por el futuro, y por tanto de que la modernidad es sólo una transición en la que sólo la presencia momentánea (el presente) es la idea real, esta idea ha estado en la filosofía de Hegel en El concepto de modernidad de Hegel, la modernidad como apertura de flujo y transición, se define como un nuevo comienzo trascendental que siempre debe comenzar de nuevo en el momento del nacimiento de cada cosa nueva, es decir, una nueva era continuamente regenerada en cada momento actual de Habermas. Una vez tradujo este término clave que aparece en la filosofía de Hegel como el principio de autofundación y autovalidación de la modernidad: La modernidad puede y no necesita tomar prestados los estándares del pasado; 19 Sin embargo, Baudelaire todavía. Atribuyó (o atribuyó) el concepto de modernidad desde el principio a sus connotaciones estéticas que influyeron tan fuertemente en el modernismo y el llamado posmodernismo. La actitud general hacia la modernidad debido a que la descripción de la modernidad de Baudelaire tiene connotaciones estéticas demasiado fuertes, la crítica de la gente a la modernidad es mayor. o menos caracterizado por la crítica estética. Por lo tanto, cómo evaluar la obra de Baudelaire La conciencia estética de la modernidad y su concepto general de modernidad se convierten en el centro del debate entre defensores de la modernidad como Habermas y sus negacionistas como Foucault. >

Este no es el lugar apropiado para abordar este debate. Sin embargo, una visión concisa nos ayudará a comprender los problemas de la modernidad. Foucault cree que la modernidad no tiene un contenido normativo (es decir, un contenido que pueda convertirse en una norma universal). ), y la modernidad es puramente una conciencia y actitud crítica, porque la modernidad no tiene esencia, la modernidad está en constante autonegación. Obviamente, Foucault heredó el lado negativo del concepto de modernidad de Baudelaire, porque la estrategia de Foucault aquí es referirse al de Baud. El concepto de modernidad alimenta la definición de Ilustración de Kant.

Habermas cree que la modernidad tiene su contenido normativo, y el discurso filosófico de la modernidad ha estado en la dualidad de autoestablecimiento y autovalidación, autocrítica y abnegación desde el principio. Si Descartes y Kant crearon la autofundamentación y la autovalidación de la modernidad, entonces Rousseau y Hume crearon la autocrítica y la autonegación de la modernidad. Esta dualidad de la modernidad se expresa en su grado más alto en el sistema dialéctico de Hegel. Por lo tanto, en opinión de Habermas, la idea de que la modernidad no tiene más que una constante abnegación hereda la tendencia estético-crítica demasiado fuerte de Baudelaire, que no solo es inconsistente con los hechos históricos de la modernidad (por ejemplo, Habermas Bemas señaló algunos valores positivos de la modernidad: la ampliación de la libertad personal y del espacio de participación política personal, la igualdad jurídica y la humanización del sistema judicial, mejoras sustanciales en la vida material, la educación y la salud, etc.). modernidad, es decir, el hecho o la perspectiva de la unificación europea (Habermas considera la unificación europea como la realización del ideal kantiano de paz permanente). Por lo tanto, si la modernidad misma es una estructura dinámica de fundamento y resolución, de autoconfirmación y de dudas, de autolegitimación y de autocrítica, entonces la conclusión final de los posmodernistas sobre la modernidad es bastante cuestionable. Los posmodernistas creen que la modernidad ha perdido completamente su fundamento y legitimidad, por lo que tienen que recurrir al poder loco de Dioniso (Nietzsche), al pensamiento poético socrático (Heidegger) y a la deconstrucción sin ningún meta-punto de vista (Derrida), o a la rebelión sin ningún meta-punto de vista. cualquier carácter prescriptivo (Foucault). Creo que nada de esto se basa en una comprensión correcta del mecanismo autocrítico de la modernidad, por lo que no ayuda a resolver verdaderamente los problemas de la modernidad. 22

En su extenso artículo "Tradición literaria y conciencia contemporánea de la modernidad", Jauss también discutió la conciencia de la "modernidad" de Baudelaire y la mala interpretación de Benjamin de Baudelaire. Este análisis nos ayuda a comprender mejor la complejidad y la importancia de este tema. El artículo de Jaus pretende capturar la relación entre tradición y modernidad mediante la discusión de la historia de los términos y conceptos. Jauss rastrea los significados caleidoscópicos de la palabra "moderno" y describe conceptos opuestos como "antiguo" y "clásico" para descubrir cómo la nueva conciencia de una era se aleja de sus tradiciones anteriores. En esta conclusión, Jauss señala la profunda ambigüedad en el tratamiento que hace Benjamin de un par de conceptos opuestos: clásico/moderno (o antiguo/moderno). Por un lado, Benjamin sigue los comentarios de Baudelaire sobre Merion al sostener que la antigüedad es el punto de partida de la modernidad. Por otro lado, contrariamente a la intención original de Baudelaire, Benjamin "regresó la relación funcional entre modernidad y clasicismo a una oposición de contenido".

Jaus creía que Benjamin había entendido mal a Baudelaire. Esto es ciertamente una paradoja porque era esto; obra de crítica que contribuyó en gran medida a una nueva comprensión del poeta. Gracias a Benjamin, la gente ya no considera "Las flores del mal" como el umbral para que la poesía se retraiga en su propio "arte por el arte"; sólo a través de él podemos darnos cuenta de que es el producto de la experiencia histórica y la transformación de lo social; proceso del siglo XIX como producto de la experiencia histórica del arte 23

La interpretación que Benjamin hace de Baudelaire es unidimensional: sólo interpreta "Las flores del mal" como evidencia de la experiencia de estar lejos del público urbano. lejos de la naturaleza. A continuación, ignora el "otro lado" dialéctico de la alienación, es decir, la nueva energía productiva liberada por la conquista de la naturaleza; en este sentido, la poesía lírica urbana y la teoría de la modernidad de Baudelaire también son de gran importancia. Benjamin parece haber ignorado la piedra angular de la teoría del arte moderno de Baudelaire: 1859 Sobre Guy, "El pintor de la vida moderna". Jauss señaló que la visión de Baudelaire sobre la "dualidad de la belleza" no sólo cuestionó el concepto de "universalidad de la belleza" como esencia del arte clásico y estándar del arte académico, sino que también restableció la "historia" que había sido suprimida por el arte clásico. art "" es el estatus correcto del concepto de belleza temporal. En la teoría de Baudelaire, el arte moderno puede descartar el arte clásico como el pasado autoritario debido a la zona de belleza temporal o transicional implícita en el concepto de modernidad. Según Baudelaire, la tarea del artista es extraer belleza del misterio temporal de la vida moderna, porque sólo así la modernidad puede volverse "clásica".

Si ya no se considera la "pérdida de la naturaleza y de la simplicidad" en las obras de Baudelaire como resultado de la alienación social de la producción de mercancías en el Segundo Imperio, entonces Benjamin, al interpretar a Baudelaire, mira la contradicción que enfrenta desde otro ángulo. Para apreciar el significado dialéctico de la crítica de la naturaleza de Baudelaire, no se debe negar que el signo de la energía productiva -en su teoría estética y en su práctica poética- la nueva pasión del hombre por la producción -ya sea económica o artística- ha destruido esta pasión. por querer superar su estado natural para crear un camino hacia un mundo de su propia creación. El lado peligroso, desolado y solitario de la metrópoli descrito por Benjamin tiene su lado interrelacionado y mutuamente construido en "El descubrimiento de la poesía" de Baudelaire. La mala interpretación de Benjamin es a menudo el presagio de una mala interpretación común por parte de generaciones posteriores: esta mala interpretación retrata a Baudelaire como un poeta que niega completamente la modernidad, en lugar de un poeta que la critica dialécticamente.

Baudelaire siempre es una clave. Comprender la naturaleza de la crítica estética de la modernidad que hace Baudelaire -ya sea una pura negación de la modernidad o una negación dialéctica de la modernidad- determina la comprensión que la gente tiene de la naturaleza y los principios de la crítica de arte modernista.

A través de la incansable discusión sobre Baudelaire, hemos llegado al momento en que sacamos la conclusión básica: Baudelaire no es una persona pura del "arte por el arte", sino una persona que trabaja bajo el lema "el arte por el arte". se preocupa profundamente por el "arte para la vida"; Baudelaire no es una persona que sostiene una negación estética pura de la modernidad, sino una persona que sostiene una negación estética dialéctica de la modernidad. Baudelaire no es una persona que cree que la modernidad no es puramente negativa; (es decir, en su transicionalidad, perecibilidad y contingencia), pero alguien que ve la modernidad como positiva y relacional (es decir, en su eternidad, inmutabilidad e inevitabilidad). Con base en esto, podemos extraer algunos principios del arte modernista de Baudelaire: la relación dialéctica entre el contenido de verdad y la tendencia moral del arte modernista y su forma y la negatividad del arte modernista (el modernismo es una crítica de la modernidad y la negación) y su constructividad ( el modernismo es una "construcción de imagen" de la modernidad); así como el impulso negativo del arte modernista hacia la tradición ("nueva" y "moderna") y su propio deseo de inmortalidad. Persigue el principio de tensión ("presencia" y "clásico").

De esta manera, llegamos también a los principios básicos fijados por Baudelaire para la crítica de arte modernista: el principio de partido y el principio de restricción formal.

Desde el Romanticismo, tras deshacerse de las leyes objetivas del neoclasicismo, la crítica de arte se ha convertido en realidad en una ganga en el mercado de las opiniones. Entonces, ¿cuáles son los principios de la crítica de arte? ¿No ha degenerado en partidismo arbitrario? La teoría crítica de Baudelaire puede entenderse en parte como una respuesta a este dilema. En este sentido, Baudelaire propuso el principio del partidismo crítico (pero no del partidismo arbitrario). Dijo: "La mejor crítica es la que está llena de diversión y poesía: no una crítica fría y matemática. Usando la excusa de explicar todo, sin amar ni odiar, barriendo el temperamento sin sentido. En aras de la justicia, en En otras palabras, para justificar su existencia, la crítica debe ser focalizada, apasionada y política, es decir, desde una perspectiva única, no desde una que muestre una visión extremadamente amplia.”25

Se puede ver que cuando se planteó la cuestión de ver el arte desde las leyes objetivas del neoclasicismo o desde la perspectiva de Dios omnisciente y omnipotente, Baudelaire salió a demostrar su principio partidista o principio de perspectiva limitada de la crítica de arte. Baudelaire era claramente consciente de que hay gustos diferentes y que la crítica sólo puede ser de carácter visual. Lo que preocupaba a Baudelaire, sin embargo, no era el hecho en sí, ni el hecho de que la crítica fuera vista de manera diferente, sino la cuestión de si la crítica podía justificarse cuando inevitablemente se convertía en una empresa partidista. O, más exactamente, ¿existe una base legítima para la crítica? Obviamente, Baudelaire no dio una teoría general sobre la base racional de la crítica, o lo que los posmodernistas llaman una "metanarrativa". Sin embargo, Baudelaire creía que la crítica tiene su "existencia racional" ("para ser justo... para justificar su existencia racional..." No existe una teoría o metanarrativa universal sobre la base racional de la crítica, lo es). La contradicción de que la crítica tiene una "existencia razonable" parece conciliarse con esta explicación: en opinión de Baudelaire, aunque la crítica ya no tiene leyes objetivas de una vez por todas, es imposible comprenderla desde la perspectiva de un ser omnisciente y omnipotente. Dios. . En otras palabras, la crítica ya no tiene una base racional permanente, pero puede tener una base racional temporal. Es decir, en un momento determinado, todavía se puede llegar a una * * comprensión sobre qué género es mejor que otro género, o qué artista del mismo género es mejor que otro artista, o qué obra del mismo artista es mejor que otras obras. . La práctica crítica de Baudelaire puede demostrarlo. Elogió a Delacroix, Monet y Guy porque creía que eran los que mejor representaban las mejores cualidades de la creación artística de un momento determinado (por ejemplo, el espíritu del romanticismo, la atención al presente, la modernidad, etc.). demostró que incluso sin leyes objetivas del arte, la crítica de arte todavía es posible; esta posibilidad se basa en la racionalidad provisional de la crítica; Para esta racionalidad, la crítica debe ser focalizada y limitada. La crítica sin enfoque y limitaciones es imposible, porque sin enfoque y limitaciones, como dicen los posmodernistas, "todo el mundo es un artista" y "ninguna obra de arte podrá separarse de la historia del arte". "Alcance", esto y aquello, es irreprochable... simplemente destruye la premisa sobre la cual existe todo el arte: el arte es la revelación de la verdad y el indicio de la tendencia moral, pero al final está perdido. En otras palabras, si todo estuviera ahí y todos fueran artistas, no habría necesidad de crítica.

Es por esto que Baudelaire no sólo insistió en las limitaciones y el partidismo de la crítica, sino que también abogó por las limitaciones de la forma en la creación artística y la alta seriedad de los juegos artísticos en momentos concretos. Baudelaire destacó especialmente la importancia de las reglas del juego. Esta regla del juego se refleja particularmente en las limitaciones de esta forma de arte. Dijo: "Debido a que la forma actúa como una restricción, las ideas surgen cada vez con más fuerza... ¿Alguna vez has notado que a través de una claraboya, o entre dos chimeneas, entre dos rocas, o a través del cielo visto desde una buhardilla? ¿La ventana evoca ideas más profundas e ilimitadas que la vista panorámica desde la cima de una montaña? Los posmodernistas a menudo acusan al modernismo de ser formalista, como si el modernismo fuera forma por la forma.

Como todos sabemos, a partir de Baudelaire, el modernismo ha comprendido claramente la importancia de las limitaciones de la forma en las actividades lúdicas artísticas: ¡porque sólo a través de las limitaciones de la forma "las ideas fluirán cada vez con más fuerza"! De hecho, la comprensión de la importancia de la forma en sí no comenzó con el modernismo. Fue sólo en el modernismo que las "limitaciones de la forma" se convirtieron en el símbolo más destacado. Como limitación, la forma constituye el requisito previo de todo arte; eliminar la forma es eliminar el arte mismo. Se ha hablado más de una vez de Toussaint (representante del arte de vanguardia en la historia, como decía Berger) y del infame urinario. Parece simplemente demostrar una verdad evidente: la razón por la cual la fealdad se ha convertido en un honor es porque ningún adulto está dispuesto a arriesgarse al desdén del mundo y señalar que las llamadas ropas nuevas del emperador en realidad están simplemente desnudas.