Arte Moderno 150, una historia inacabada: ¿Qué más puede ser el arte?
De hecho, en la percepción de muchas personas, las obras de arte deberían embellecer y reproducir el mundo, brindar placer espiritual a las personas y brindar adornos confortables a la vida. Sin embargo, el valor y la importancia del arte van mucho más allá. Entonces, ¿qué más puede ser el arte? Will, el famoso crítico de arte británico y ex director de medios del Museo Tate, fue nombrado uno de los 50 pensadores más creativos del mundo por la revista Creativity de Nueva York. El libro "Arte moderno 150, una historia inacabada" escrito por Gómez puede servirte de inspiración. Con esta pregunta en mente, también podríamos seguir la narrativa vívida y humorística del autor, abrir el mapa de la historia del arte moderno y comenzar un viaje de exploración del desarrollo del arte moderno.
Desde la segunda mitad del siglo XIX, con el progreso tecnológico y el rápido desarrollo económico y social y los cambios provocados por varias revoluciones industriales, el arte de la superestructura en el campo ideológico también ha experimentado una evolución continua durante más más de 150 años subvirtiendo y rebelándose contra la tradición del arte clásico. El arte moderno se originó a partir del impresionismo, del cubismo, el expresionismo, el primitivismo hasta el dadaísmo, el surrealismo, el arte pop, el idealismo, el posmodernismo, etc. , ha redefinido “qué es el arte” a través de repetidos movimientos e ismos para que el arte ya no tenga que tratarse de belleza, sino más bien de ideas, y los artistas pueden elegir cualquier medio para transmitir e interpretar estas ideas de forma irrestricta.
Subvierte la tradición de las técnicas del arte clásico e inicia una revolución en el color y la composición.
Con la invención de la fotografía a mediados y finales del siglo XIX, el arte clásico, que siempre se había centrado en el uso de técnicas realistas tradicionales para reproducir la autenticidad de los objetos creativos, ya no tenía ventaja. Con la mejora y el avance de la tecnología de los pigmentos, los artistas preimpresionistas liderados por Monet y Manet abandonaron los métodos tradicionales de pintura de interiores del arte clásico. Salieron del estudio uno tras otro y aprendieron a usar pinceles para capturar y presentar la vida cotidiana en forma natural. y entornos urbanos emergentes. La encantadora transformación de la luz y la sombra en escenas de la vida. Esto inició una revolución vigorosa y subversiva en el color y la composición en la historia del desarrollo del arte.
Después de casi medio siglo de resistencia y rebelión de los impresionistas contra la rigidez de la escuela académica parisina y la tradición neoclásica, Van Gogh heredó las técnicas de pintura al aire libre de sus predecesores impresionistas y las combinó con el Ukiyo japonés. -e pinturas, optando por utilizar colores fuertes contrastantes y técnicas de expresión más exageradas para distorsionar las imágenes en la obra, que no solo describe lo que se ve sino que también expresa lo que se piensa y siente. Dio origen a lo profundo y largo. Movimiento expresionista duradero en el siglo XX, que influyó en una generación tras otra en el artista moderno. Su amigo Gauguin entró en Tahití y utilizó imágenes de colores vivos y una rica imaginación para representar y esculpir la vida indígena, creando un estilo primitivista de gran alcance para Picasso, Giacometti y otros.
Como maestro del arte impresionista, Cezanne aportó avances revolucionarios a las técnicas de creación de arte moderno al "pintar con los ojos", cambiando la forma anterior de observar la creación desde una única perspectiva y desde múltiples perspectivas. desde diferentes ángulos y composiciones unificadoras restauraron la "autenticidad" que veía, abriendo así la puerta al modernismo. Fue este concepto creativo subversivo el que influyó profundamente en Picasso y dio origen a su gran estilo cubista de deconstrucción de creaciones desde múltiples perspectivas. Hoy, cuando nos encontramos frente a las obras maestras de Picasso "Las señoritas de Aviñón" o "Guernica", ya no cuestionamos la inmadurez de obras como los graffitis infantiles, como pensaba el público ligado al arte clásico hace cien años, sino gracias a arte por brindarnos diferentes dimensiones del mundo.
Al mismo tiempo, el fauvismo, que nació a principios del siglo XX, subvirtió al extremo las creaciones coloridas basadas en la obra de Van Gogh, Seurat y otros. En la obra típicamente fauvista de Matisse "La alegría de vivir", la hierba se vuelve azul violeta, los árboles se mezclan con verde y naranja y el cielo es rosa. Este extraño trasfondo subversivo muestra la vitalidad del tema más que su absurdo. Al igual que el estilo "bestia" que fue satirizado por las fuerzas artísticas conservadoras desde el principio, los artistas usan el color con tanta imaginación como los poetas usan las palabras, con el propósito de señalar directamente la esencia de las cosas y transmitir emociones. El Young Knights Club, que heredó el manto de la aplicación del color, cruza fronteras creativamente e integra la música en la expresión emocional del color. Por ejemplo, en su serie de composiciones de obras maestras, Kandinsky creó una experiencia visual con el color como nota y la composición como nota clave.
Redefiniendo el arte: un juego conceptual que se adapta a los tiempos
Si decimos que el cubismo, el expresionismo y el primitivismo, que nacieron del impresionismo, no fueron más que subversiones y subversiones del clásico El arte en términos de técnicas de creación artística, luego la aparición innovadora del arte ready-made "Primavera" creado por Duchamp en 1917 utilizando un urinario comprado en una tienda, llevó el desarrollo de la creación de arte moderno en los siguientes cien años a un tema consistente: redefinir el arte.
Como padre del arte conceptual, Duchamp creía que los artistas no deberían limitarse a medios estrictos como la pintura y la escultura para expresar sus pensamientos y emociones, primero está el concepto, y luego debemos considerar qué es la expresión; Concepto en su mejor forma. Por lo tanto, el arte ya no tiene que tratarse de belleza, sino más bien de ideas, y estas ideas pueden realizarse a través de cualquier medio que elija el artista.
Por ejemplo, el surrealismo, famoso por su apariencia misteriosa y grotesca en el arte moderno, está profundamente influenciado por la teoría del subconsciente de Freud, subvirtiendo la realidad a través de imágenes locas y vívidas, o utilizando imágenes grotescas como las que revela Margaret Elements. el extraordinario mal que se esconde debajo de lo mundano o, como El reloj suavizante de Dalí, transmiten ansiedades que surgen de la impotencia, el miedo, la inexorabilidad del tiempo y la humillación de la muerte. Estas obras oníricas no pueden aportar belleza visual ni placer psicológico a las personas, pero a menudo pueden despertar las emociones y pensamientos del espectador.
En la segunda mitad del siglo XX, el arte pop, el idealismo y el posmodernismo surgieron uno tras otro, aclarando aún más el concepto central del desarrollo del arte moderno: las ideas son obras de arte que reflejan sus significados sociales, políticos. , económico y tecnológico para despertar nuestros sentidos, desafiarnos y ayudarnos a comprender las cosas.
Las famosas latas de sopa Campbell de Andy Warholton y las pinturas dobles de Marilyn cobran vida. Representa y satiriza profundamente el consumismo del arte pop y la cultura popular en la sociedad comercial. La sensacional performance de Amora "The Artist is Present" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York transforma directamente la propia contemplación del artista y la interacción con el público en la obra, ampliando aún más la definición de arte: el arte no solo incluye los propios conceptos de comportamiento del artista. , pero también incluye reacciones de la audiencia. El posmodernismo, que surgió a finales del siglo XX, ha realizado reflexiones conscientes y una amarga sátira de la era comercial del consumismo a través de la fotografía, el diseño gráfico, el vídeo e incluso el arte arquitectónico.
Hasta el día de hoy, The residual El calor de diversos ismos no se ha desvanecido, y rara vez se ven aristas políticas duras en el arte moderno. Los artistas comenzaron a complacer al capital, a atender el kitsch basándose en la construcción de una marca personal y a reflejar y ridiculizar la sociedad actual con una actitud relativamente gentil; sin embargo, el ritmo de la escritura artística nunca se ha detenido y el juego del arte conceptual continúa;
No importa cómo cambien y se desarrollen los tiempos, ante el surgimiento interminable del arte moderno, no tenemos que obsesionarnos con juzgar la calidad de las obras. Como decía el autor, debemos entender que ". El arte es como un juego, realmente necesitas saberlo. Son sólo sus reglas más básicas las que hacen que lo que alguna vez fue confuso comience a tener sentido. En otras palabras, siempre y cuando nos demos cuenta de que el arte no sólo puede representar la verdad y la belleza del mundo, pero también subvertir la tradición y avanzar con los tiempos. A través de juegos ideológicos influenciados por la época, podemos obtener resonancia o inspiración de las obras de arte modernas con una perspectiva abierta e inclusiva.