Habilidades coherentes de posedición de cine y televisión.

La posproducción de cine y televisión es parte del proceso de producción de cine y televisión. La posproducción comenzará una vez finalizado el rodaje de cine y televisión. ¿Cuáles son entonces las técnicas de postproducción cinematográfica y televisiva? A continuación he elaborado una técnica coherente de edición y postproducción para ti, ¡espero que te sea útil!

Fue esta conocida "edición de continuidad" (también conocida como "edición suave" y "edición de planos") la que dominó las películas clásicas de Hollywood y luego fue adoptada por un gran número de películas fuera de Hollywood. Su prototipo se ha visto ya en los primeros días de la historia del cine, y hacia 1919, sus principales características ya estaban establecidas. El propósito de la edición de continuidad es permitir que la audiencia comprenda la historia y le preste atención sin interrupción. De acuerdo con el enfoque narrativo de Hollywood, el principio básico es la "transparencia", es decir, la técnica de actuación debe estar oculta y no llamativa, de lo contrario la atención del público no se centrará en lo que sucedió, sino en cómo sucedió.

Es decir, yuxtaponer las tomas de forma que se minimicen las marcas inherentes del clip. Al diseñar interruptores, evite omisiones confusas del espacio de la pantalla o cambios desorientadores en la orientación de la pantalla. Las tomas de campo fijo ayudan a distinguir el diseño y los límites de una escena, por lo que las escenas siguientes, más cercanas, se entienden como escenas dentro de este espacio más grande.

Otra técnica comúnmente utilizada es la regla 180, que puede asegurar la consistencia del espacio en tomas consecutivas y evitar los siguientes fenómenos en la programación de escenas: las cosas que aparecen en un lado de la pantalla en la toma anterior están en al siguiente. La cámara se mueve al otro lado del encuadre (como una imagen reflejada). La Regla de los 30 juega un papel similar, asegurando que haya suficiente cambio de encuadre entre el plano anterior y el siguiente para evitar saltos. Para lograr una yuxtaposición espacial suave y coherente, también es importante "hacer coincidir" las secuencias, como la coincidencia de líneas de ojos y de acciones. Todo esto nos proporciona un mapa de posición, que determina la relación espacial entre esta imagen y la siguiente, y conecta la toma con la historia misma: los personajes y la trama. Como implica "coincidencia de líneas de ojos", la edición es muy importante para construir el punto de vista del personaje (es decir, lo que realmente ven, en lugar del significado metafórico contenido en el término "enfoque"). A su vez, el proceso de mostrar lo que mira la persona en pantalla comunica claramente la relación entre planos, lo que también resulta especialmente útil. También se considera otra técnica de reproducción del montaje coherente, generalmente denominada estructura plano-contraplano. Se utilizan más comúnmente para mostrar diálogos entre dos personajes, con la cámara colocada a la altura de los hombros. Esta técnica puede decirnos claramente dónde está cada hablante y qué ve, y también puede mostrar la intimidad de las interacciones de los personajes.

La apertura de Girlfriend Friday ofrece una demostración de continuidad en la edición en acción: el plano del escenario de la película sigue la trayectoria de la sala de redacción del Washington Post, no solo dejando claro lo ocupado que está este lugar de trabajo, sino que también ilustra a grandes rasgos lo relativo. posiciones de la oficina del editor (lado derecho de la escena), área de reunión de reporteros y mecanógrafos (centro) y ascensor (lado izquierdo). La superposición posterior nos trae un primer plano. Hittie y Ralph toman el ascensor. Sus pasajes de diálogo están representados por escenas de avance y retroceso a la altura de los hombros, que contrastan con las animaciones anteriores. Esta parece ser una escena tranquila. En la ruidosa sala de redacción, se creó un mundo solo para ellos dos. Luego viene una dosis saludable de inyecciones. Action Match le resultó útil cuando pasó junto al equipo de mecanografía y entró en la oficina de Walter. Sheedy inicialmente se para en la puerta, mirando a la derecha de la lente de la cámara, luego pasa a una toma de Walter y Louis. Como sabemos, son objetos que ve Sano. Hitty llamó para decir que había llegado. La cámara pasa a la escena intermedia, y la escena no solo cambia a tres personas, sino que también explica el diseño básico de la nueva sala.

Justo después de saludar, entró Lucas y se produjo un doble disparo de larga distancia, lo que permitió a Sheedy y Walter tener una larga conversación. Hittie cruzó la foto y se sentó detrás de Walter: ahora ella estaba en el lado derecho de la foto y Walter estaba en el izquierdo. Para hablar con Sheedy, Walter giró su silla para quedar frente a Sheedy y de espaldas a la cámara. Entonces consigue otro, Walter, este es para nosotros. Aunque este cambio cambia la cara de Walter de espaldas a nosotros, la cámara no se mueve 180 grados, al igual que en el primer plano dejó claro que la posición de Walter está ligeramente hacia la izquierda, y en el segundo plano está sólo ligeramente hacia la derecha. La siguiente es una toma desde el punto de vista de Hitty, que conserva la relación espacial establecida por la toma de media distancia anterior. Hittie todavía está a la derecha, y el hombro de Walter todavía es visible en el lado izquierdo del encuadre.

Este escenario sigue las reglas de edición continua y también muestra cómo se aplican los cambios dentro del alcance de las reglas. También pudimos haber notado que cuando Hitty se sentó detrás de Walter, cambió la posición del eje imaginario que rige la regla 180: había cuatro personas en la escena, tres de ellas entrando y saliendo, y la posición de la fila era desde la puerta. a ventana; La escena solo contiene a Walter y Hitty, y el eje dibujado a partir de las figuras en realidad ha sido recalibrado por Hitty, lo que equivale a desarrollar una serie de posibles asientos de un extremo al otro del eje. También hay algunos cortes inteligentes que insinúan cambios en las interacciones entre los personajes, mientras Walter y Sidney se ríen y discuten sobre los detalles del encuentro. La edición de toda la escena es fluida y fluida, lo que nos ayuda a comprender la trama hasta cierto punto, pero en su mayoría pasa desapercibida para nosotros.

Dado que la edición coherente sigue siendo el "lenguaje" cinematográfico principal tanto de las películas convencionales como de autor, el público se ha vuelto cada vez más sofisticado en la representación cinematográfica, lo que hace que las oportunidades de romper esta regla sean cada vez más frecuentes. En particular, las secuencias de acción a menudo rompen la regla de los 180 grados, como agregar una programación dinámica de escenas donde la cámara se mueve y la imagen cambia. Las películas de arte a menudo alteran la coherencia de las secuencias (como las secuencias de salto utilizadas por Godard) como parte de su exploración consciente de las técnicas cinematográficas.

Explicación del término:

Regla 180 (regla 180). Ésa es la ley axial. Esta técnica de montaje establece que se extrae un eje imaginario de la escena y la cámara siempre debe estar a un lado de esta línea imaginaria. De lo contrario, estará fuera de eje, lo que fácilmente puede generar confusión en la dirección espacial de la audiencia.

Regla de los 30 (Regla de los 30). Esta técnica de edición requiere que la cámara se coloque en un ángulo que siempre esté al menos a 30 grados de la posición de la cámara en la toma anterior.

Los ojos coinciden. En un cambio, una toma muestra a alguien mirando a algún lugar fuera del encuadre, por lo que la siguiente toma debería mostrar el objeto que se está mirando. Es más común mostrar primero al observador, pero no es raro invertir este orden en la edición real.

Operación de emparejamiento. De hecho, la acción que se muestra en el plano anterior se puede realizar en el segundo plano, con los dos espacios intercambiados.

Cámara de marcha atrás. Cambiar en posiciones de lentes esencialmente opuestas o casi opuestas en un espacio complementario o coincidente, dentro de los límites de la regla 180.

Extensión: Introducción a la tecnología de postproducción cinematográfica y televisiva

Primero, la calidad de edición

1. La capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados. .

2. La capacidad de cortar materiales y encontrar su conexión con la siguiente imagen.

3. Creatividad mediante el uso de imágenes y capacidad de elegir música para crear melodías y argumentos.

4. El montador también necesita darle a la película una sensación de salto compuesta por imágenes fijas continuas, inyectando vida a la imagen.

5. El editor encontrará naturalmente la mejor expresión en muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando lentamente en muchos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.

2. Cómo encontrar puntos de edición

¿Dónde debo cortar y unir? Encontrar el punto tangente es sin duda una de las tareas importantes de la edición. Cabe señalar que este es el vértice de la imagen.

El llamado vértice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como el momento en que los brazos del personaje están completamente extendidos, el momento en que termina la acción de inclinarse después de asentir , el momento en que la pelota sube y está a punto de caer, el momento en que la sonrisa se retrae.

La imagen es una serie de fotogramas fijos debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.

Por lo tanto, cuanto más intensa sea la acción, cortar en la parte superior de la pantalla o en el momento antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en el vídeo posterior, dejando una profunda impresión en la audiencia.

En tercer lugar, el punto de entrada que crea una sensación de melodía

Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto de entrada.

Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente parada, filma fielmente la acción de girar el libro de principio a fin, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar. Biblia.

Pero la belleza de la imagen no puede reflejarse sólo a través de la claridad. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué debemos hacer?

Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de pasar páginas se divide en 1 a 24 imágenes, entonces los primeros 3 a 4 clips se cortan como punto de corte inicial.

Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar página. Al contrario, también puede mostrar la melodía y la comodidad de la acción. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.

En cuarto lugar, no existe sólo una forma correcta de editar una película.

Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.

Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, o se puede usar como punto de corte cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar.

Según las diferentes obras y las diferentes escenas antes y después, el punto de corte se puede cambiar y el método de edición correcto no es único.

Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero la edición en sí es un trabajo creativo, por lo que a veces hay que romper las reglas y probar algo nuevo.

Verbo (abreviatura de verbo) Propósito de la edición

Libre de limitaciones físicas, libre control del tiempo y el espacio. En fotografía y producción, a veces es necesario dividir las tomas y formar una trama en la posproducción.

Omitir el paso real del tiempo en la historia, omitir el movimiento del espacio en la historia, combinar la intención de la actuación para formar la trama y determinar la apariencia final de la obra.

Conecta intencionadamente los planos para aclarar y enfatizar lo que se quiere expresar, hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.

6. Reglas fijas en la edición de acciones

Métodos de edición cuando el sujeto está en movimiento.

La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del sujeto.

Antes, muchas veces era necesario interrumpir el rodaje de una acción debido a cambios de película.

Sin embargo, la misma acción conectada desde diferentes tomas parece sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.

7. Edición de planos

(1) Acción Conexión 7:3.

Primero, echemos un vistazo a los conceptos básicos de la edición de acciones: conexión de acción, que se refiere al método de edición que conecta una acción a dos imágenes.

En teoría, los dos conjuntos de imágenes difieren sólo en el tamaño de la pantalla y representan la misma acción, por lo que puedes editar desde cualquier punto. Pero en este momento, las acciones serán inconsistentes o repetitivas, y la imagen editada final carecerá de sentido del ritmo.

El método general de edición de imágenes consiste en conectar las acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia delante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge espontáneamente una sensación de ritmo y vitalidad. Por supuesto, la proporción 7:3 no es una verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano experimenta a veces la ilusión de repetición y salto. Por lo tanto, cortar o superponer deliberadamente algunas tomas hará que la acción parezca más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.

(2) Conecta dos acciones en una.

Conecta múltiples acciones de diferentes sujetos en uno, el llamado clip de acción única.

Ejemplo: El lanzador y el primera base que conectó un jonrón miran hacia atrás el elevado, y ambos jugadores completan la "mirada hacia atrás" al mismo tiempo. Si desea aprovechar al máximo el material existente, definitivamente utilizará esta conexión: haga un jonrón -> devolución del lanzador -> devolución del corredor -> la pelota vuela muy lejos. Pero con esta conexión, se repite la acción de dos concursantes que giran y retroceden, dando al público una aburrida sensación de aprobación. Una única secuencia de acción combinaría los dos movimientos de espalda en uno, editándolos para eliminar la diferencia horaria. Específicamente, se corta la primera mitad del retorno del lanzador y se conecta la segunda mitad del retorno del primera base. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente.

Conexión de puntos clave de acción

Dos cámaras capturan dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si están en diferentes posiciones y ángulos, puedes utilizar esta regla para manejarlos.

Por supuesto, si los materiales no se disparan al mismo tiempo, siempre que cambies el ángulo y utilices el vértice de una acción (una acción característica) como punto tangente, habrá muchas maneras. para conectar. Por ejemplo, el momento antes de que se suelte la pelota, el dorso de la pelota se tira hacia abajo y luego se conecta. Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.

1. Utilice la lente más larga como lente principal.

2. Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla sin afectar la continuidad de la acción.

3. Cambiar significativamente la posición de la aplicación y la cámara hará que la imagen se vea muy impresionante.

4. La conexión basada en el tiempo real parecerá retrasada, por lo que las partes omitidas de las acciones de transición deben comprimirse. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.

5. En teoría, los materiales filmados simultáneamente se pueden editar en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que la acción sea más fluida.

6. Cuando se conecten diferentes imágenes para la misma acción, intente conectarlas en el vértice de la acción.

(C) Superposición intencionada de acciones para enfatizar

Enfatizar una acción mediante una repetición intencionada se denomina acción doble o acción triple. En este ejemplo, el tiro del brazo del lanzador elevado a su punto más alto se utiliza como punto de corte, y los tiros de acción antes y después se conectan, y finalmente se conecta el tiro lateral completo de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la pelota. De esta forma, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "lanzar la pelota" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante. Los movimientos dobles solo funcionan si deseas conscientemente resaltar un determinado movimiento, mantenerlo breve y evitar las palabras.

(4) La parte media de las escenas de acción violenta se puede omitir.

Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio. Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, no importa cuánto tiempo se utilice, no será suficiente para expresarlo y el público lo encontrará tedioso. Un método más eficaz en este momento es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos. Este método, también conocido como técnica de mitad de corte, puede acortar enormemente el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público nunca se canse de ella. Al utilizar esta técnica, debes elegir qué tomas realizar, que es la parte difícil. Lo más importante es no cortar el vértice de la acción (acción característica). Si eliminas estos planos de vértices, no hay forma de saber en qué dirección irá la acción.

La edición con salto desarrolla esta técnica y es una técnica de extracción intermedia, como saltar para conectar imágenes como la aguja de un gramófono. Los cortes con salto se atreven a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo rodar escenas impresionantes.

Métodos para eliminar el punto medio de la acción

A la hora de omitir el tiempo y resaltar la sensación de velocidad eliminando los planos intermedios, debes prestar atención a lo que se debe omitir. Omitiendo otros tiros, en el estado inicial, cuando el brazo alcanza su posición más alta al lanzar, el brazo cae. Sólo estos tres tiros pueden mostrar la acción de lanzamiento al nivel más bajo.

& gt& gt& gt& gt(5) Conecta dentro y fuera del marco.

Cuando el sujeto está en el cuadro de disparo, se llama cuadro dentro; en cambio, cuando el sujeto sale del campo de tiro, se llama cuadro fuera.

Personas que caminan o corren, animales, automóviles, tranvías, todos estos objetos en movimiento se pueden editar. Consideremos cómo el mismo sujeto conecta el marco dentro y fuera en diferentes contextos. Una escena de una bicicleta andando frente a la cámara. Se filmaron dos sets del mismo tamaño en diferentes lugares.

Por supuesto, podemos conectarnos en el orden desde que la bicicleta entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no hay objetos fotografiados) hasta que la bicicleta sale de la toma. No hay ningún problema con este método de conexión, pero el espacio es demasiado espacioso y los movimientos no son lo suficientemente fluidos. Una forma excelente y rítmica de vincular la acción es vincular disparos del último grupo justo cuando el objeto está a punto de abandonar el campo de tiro.

El punto clave es utilizar una imagen con el sujeto mitad dentro de la cámara y mitad fuera de la cámara, para que las acciones conectadas se vean más fluidas. Si los ángulos de los sujetos en las tomas frontal y posterior son diferentes, agregar una toma del escenario vacía entre los fotogramas hará que la imagen sea más coherente.

& gt& gt& gt& gt (6) Lente oscura o * * * acción de conectar diferentes objetos en un mismo punto.

¿Cómo conectar los movimientos de diferentes sujetos? Un ejemplo es la conexión entre una figura corriendo y un coche a toda velocidad. Primero, deje que la figura corriendo se acerque cada vez más hasta que llene todo el encuadre y lo vuelva negro, y luego conecte las tomas posteriores.

Aunque el personaje corre a una velocidad diferente a la del coche, la pantalla negra (o tomas muy oscuras) entre ambos reproduce con éxito un movimiento suave.

La edición de diálogos es un método para editar filas de caracteres usando reglas fijas. El diálogo aquí se refiere a filas. La edición de diálogos se refiere a editar las líneas de personajes en una escena. Está ligado a la edición de acción como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama.

Los fragmentos de diálogo aparentemente simples son en realidad algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.

8. Conexión de línea

(A) Conexión de línea a 1:3

Entre líneas, excepto se y bgm, el resto son silenciosas. Para la edición de vídeo, es importante crear este estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película. Un ejemplo es una escena de dos personas hablando en un coche. La clave de la edición es cuánto espacio hay entre dos personas que hablan.

Una escena de diálogo tras otra se filma con una cámara en lugar de con otro personaje, por lo que las dos personas realmente no hablan (=intermedio). Al editar, es importante dejar un espacio natural entre los diálogos.

En general, los intervalos entre diálogos serán más coherentes si están conectados en una proporción de 1:3.

Si el espacio después de las líneas en el plano anterior era de 1 largo, entonces debería haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en el plano siguiente.

(B) Las líneas se mueven hacia arriba y hacia abajo, aumentando el efecto dramático

La conversación se mueve hacia arriba y hacia abajo, es decir, insertando las líneas en la toma anterior (moviéndose hacia arriba) o arrastrando llevarlos al siguiente plano (moviéndose hacia abajo). Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por la conversación. Por ejemplo, cuando alguien detiene al Sr. A, el Sr. B lo saluda y le dice: "Hola, Sr. A". Esta parte se mueve hacia arriba. Luego aparece la cámara del Sr. B y se insertan las líneas del Sr. A. "¿No es este el Sr. B?"

Esto hace que toda la escena sea más fluida y coherente. Por ejemplo, en la toma anterior, el nombre clave "Tengo a alguien que me gusta" se ha movido hacia abajo para resaltar los cambios de expresión del protagonista bajo la influencia de esta frase. Esta es la intención de esta habilidad. Por ejemplo, para resaltar el cambio en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la toma facial de la heroína.

Si las líneas no se mueven hacia arriba, habrá una toma silenciosa del rostro de la heroína en la pantalla, y la película parecerá muy larga y no tendrá sentido del ritmo. No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de la toma, sino el corte intencionado que tiene en cuenta la trama, lo cual es importante.

(3) Utilice montaje incrustado para expresar emociones

Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, también puedes mostrar algunas tomas de seguimiento. En el conjunto de tomas anterior, cuando las líneas de la heroína están en el medio, se inserta una toma del rostro del protagonista masculino, que no solo puede mostrar los intensos cambios en la expresión del protagonista masculino después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también enfatiza la estado previo de calma y felicidad. Métodos de edición de diálogos y no acciones, cambios de escena y creación de puntos de conexión.

1. Los principiantes pueden utilizar el método tradicional o.l para realizar una transición suave de tomas.

O.l (fotografía superpuesta), al igual que el desvanecimiento y la aparición, es un efecto de transición muy común, que indica el paso del tiempo y el movimiento del espacio, y también se puede utilizar para expresar el estado de ánimo. Métodos de transición similares incluyen el método de limpieza y el método de disipación.

2. ¡Usa el refugio para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana

El cambio de ventana se refiere al método de edición en el que cuando hay una obstrucción frente al sujeto, la pantalla queda bloqueada por la obstrucción y pasa a la toma siguiente.

Los escudos se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: refugios inamovibles (paredes u otros objetos grandes) y objetos móviles como los peatones.

Ambos se pueden conectar directamente, pero conectar con un refugio es más natural.

3. Utiliza imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.

La agregación y la no agregación se refieren a la síntesis gradual de imágenes borrosas en imágenes claras, o la transformación gradual de imágenes claras en imágenes borrosas.

Al ser una imagen muy abstracta, resulta muy natural utilizarla para conectar dos tomas diferentes.

Pero cabe señalar que si la imagen frontal y la imagen posterior no tienen ninguna similitud en color e imagen, el efecto final se verá muy disonante.

Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona al rostro de otra, la imagen borrosa debe vincularse a la escena específica solo cuando el escenario o el sujeto lo tienen. Mismo color y solo se puede usar en esta forma.

4. Conecta la lente con un efecto de desenfoque provocado por el movimiento.

El disparo en movimiento rápido implica mover la cámara (o hacia arriba y hacia abajo) muy rápidamente.

Al utilizar este método, se produce un efecto de desenfoque que conecta diferentes tomas.

Esta técnica da la impresión de poner énfasis en el movimiento espacial, y se debe prestar atención al uso de planos muy cortos y rápidos. Si se utiliza una lente larga, será difícil utilizarla como toma de conexión para cambios de escena.

Ten en cuenta que el fondo en diferentes escenas también cambia mucho.

5. Conecta tomas del mismo paisaje.

La edición en blanco es cuando se conectan dos escenas diferentes al mismo tiempo en la lente frontal, levantas la cámara para fotografiar el cielo y luego bajas la cámara para convertirla en otra escena en lugar del azul. cielo, puedes usar lentes de la luna, el sol, las estrellas, etc. Método de edición. Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto de conexión (como el mar).

6. Conectar lentes con efectos de exposición

Al igual que disparar con un flash potente, el método de conectar diferentes lentes con un flash (una lente completamente blanca de flash rápido) se llama un efecto de flash. Incluso si conecta lentes sin * * * puntos de conexión, no podrá lograr ninguna sensación de falta de armonía. Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.

7. Pasa a la toma siguiente con pantalla dividida.

El planteamiento general es separar los planos realizados al mismo tiempo y juntarlos. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen. Separe la mitad derecha de la lente e inserte otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos de sincronización. Se puede decir que otros productos de imágenes de métodos de edición representativos son una colección de montajes. Finalmente, se introducen métodos de edición representativos como la reducción. Los editores pueden utilizar diferentes métodos de edición para realizar grandes cambios en la trama, las emociones de los personajes y el significado de la imagen. Algunas obras incluso dan un giro de 180 grados. El montaje es la combinación de imágenes para crear una historia. Aquí, me gustaría presentarles este método de edición muy efectivo.

8. Deja que aparezcan diferentes tomas alternativamente al mismo tiempo.

Dejar que las cosas sucedan alternativamente en diferentes lugares, esto se llama corte inverso (también llamado corte transversal). El corte inverso no sólo enfatiza la continuidad de la escena, sino que también realza la tensión y la expresividad.

Al cambiar la velocidad de disparo de la cámara (cámara lenta), se puede hacer más expresiva la trama. Sería mejor alternar tomas de diferentes lugares en flashbacks, con ambas partes terminando en el mismo lugar. Por ejemplo, si llega tarde a una cita, se alternan tomas del hombre corriendo rápido y tomas de la mujer esperando en el lugar acordado. Finalmente, tanto si los dos se encuentran al final como si el hombre no llega, la toma de la mujer comprando sola será muy efectiva. También hay flashback, un estilo de edición similar al cutback. Flashback significa insertar una gran cantidad de planos ultracortos a la hora de expresar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes en escena.

9. Cuando la conexión sea difícil, inserte una imagen que parezca adhesivo.

El corte es un método de edición que conecta tomas frontales y traseras como si fueran pegamento. Es un método teórico antitradicional. Al conectar dos imágenes del mismo tamaño, toda la audiencia quedará enormemente impactada. Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, las tomas específicas de las dos personas no estaban conectadas entre sí, sino que se insertaba una toma de cubitos de café en el medio para que la película pareciera más rítmica. Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior. Por ejemplo, una toma de una mujer mirando gemas, un primer plano de las gemas y una toma de sus compras en otras tiendas están conectadas. Por favor, sientan por sí mismos la diferencia que sería el ritmo y el impacto para el público sin la lente de esta joya.

10. ¡Conecta lentes de diferentes monturas para crear una sensación de ritmo!

Acercar y alejar el zoom es una forma habitual de aportar frescura al metraje normal. Suele dividirse en tres etapas, conectando tomas de estado de ánimo (normalmente primeros planos que pueden expresar el estado de ánimo del personaje) de diferentes escenas con tomas de escena (tomas situacionales, normalmente tomas largas o tomas superlargas). Tenga en cuenta que las imágenes de diferentes lentes son diferentes. Por ejemplo, una toma de tres veces acercándose a un hombre que fuma (acercar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos. Si el mismo cuadro es muy monótono, puedes utilizar este método. Lo maravilloso de los "recortes" de las películas es que los recortes son una técnica de edición que hace que dos o más escenas diferentes se alternen y parezcan algo relacionadas.

Este método parece difícil. De hecho, lo vemos a menudo en series de televisión y películas. Esta es una técnica de edición muy común. Por ejemplo, hombres y mujeres aparecen alternativamente en el teléfono. Esta es una toma muy común, pero utiliza un método de corte inverso.

La ventaja del corte inverso es que hace que el paso del tiempo aparezca repetidamente, dando una sensación de tiempo más cercana a la de una película. Por ejemplo, al describir al asesino y a la policía persiguiéndolo, utilizar el método de corte inverso llevará la película al clímax, aumentará la sensación de velocidad y le dará al público una mayor sensación de tensión.

El clímax de "El silencio de los corderos" se desarrolla hábilmente mediante recortes. La técnica del corte inverso puede dar un nuevo significado a la lente. Por ejemplo, en la película de Hitchcock Para atrapar a un ladrón, Kelly Brand y Grace Kelly están hablando en una habitación de hotel mientras estallan fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí son una metáfora de su amor. Aquí, los fuegos artificiales se reducen para hacer más expresiva la trama de la película.

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