¿Cuál es la importancia del período Asuka en la historia del arte japonés?
En concreto, el arte de las Regiones Occidentales con los estilos de la India, la Dinastía Sasánida y el Imperio Romano de Oriente se combinó con el arte de las Dinastías del Sur y del Norte con el estilo Han. Una de las escuelas formó el arte de la dinastía Sui, y la otra escuela fluyó hacia Corea y luego se extendió a Japón, formando el arte del período Asuka. Desde este punto de vista, durante el período Asuka, el arte de la escultura se introdujo en Japón desde Corea y se cultivó y prosperó continuamente sobre esta base. Pero también fue influenciada por la dinastía Sui.
En cualquier caso, los japoneses durante el período Asuka creían en el budismo, una nueva religión, y expresaron su sincera creencia en el budismo tomando prestada la forma artística de la escultura occidental. Este es un hecho indiscutible. Aquí se encuentran elementos muy arraigados del arte oriental. Éste también es un hecho indiscutible. La formación del arte de talla de aves es la misma que la del arte de talla de Gandhara en la India. Por tanto, es necesario que el autor hable sobre la historia del desarrollo de la escultura en la antigua India.
Este trabajo no está exento de mérito. Hay esculturas en los pilares construidos por Ashoka. Esta es probablemente la escultura india más antigua. Estas columnas son palos de madera redondos y monolíticos decorados con letras mayúsculas. Los capiteles están decorados con tablones en relieve. Las tallas de la mesa son animales o símbolos de animales, o una combinación de ambos.
En general, la técnica de tallado es vigorosa y poderosa, y la técnica es hábil. En particular, los animales tallados en él son realistas y tienen un sentido de fanatismo, lo que tiene el valor de guiar a las generaciones futuras en el arte de la talla. La creatividad de las tallas del Pilar Ashoka obviamente estuvo influenciada por el arte de la talla persa y asiria. Estas influencias continuaron hasta el siglo V a través de las esculturas de Buchal Huth y Sanjay. Pero las esculturas en sí son esculturas indias.
Aunque los artistas indios tomaron prestados conceptos de arte escultórico extranjeros, los asimilaron completamente en el arte escultórico indio y los hicieron suyos. Además, conserva estatuas de la misma época y elementos del arte escultórico de otros países. Entre las ruinas del siglo II a. C. se encuentran las rejas de piedra de Boucharhut. Tiene relieves exquisitos que invitan a la reflexión. Sin embargo, estas obras quedan eclipsadas por las esculturas de Bouchard Huth y Sanjay.
Hay una Mujer Pagoda muerta en Bouchard Cottage. Zutapo consta de una valla de piedra y una puerta bellamente tallada que representa la leyenda de Gautama Buda. El riel del gancho mide siete pies y una pulgada de alto, con una piedra corona de longitud similar en la parte superior. Fueron talladas en la primera mitad del siglo II a.C. También hay tallas en la puerta de la pagoda de Sanji, y el exquisito arte de las tallas es asombroso.
La altura de las cuatro puertas es de treinta y cuatro pies. Cada puerta consta de dos columnas cuadradas verticales de catorce pies de alto y tres vigas ligeramente curvadas que sostienen varias estatuas y símbolos. Ambos lados expresan la leyenda de Sakyamuni y están grabados con relieves decorativos. Se puede especular que datan del siglo II a.C.
En este y otros lugares sagrados budistas, los símbolos más comunes son elefantes, árboles, ruedas y mujeres pagoda. Estos objetos fueron elegidos porque todos simbolizan el verdadero significado del budismo. Cuenta la leyenda que la madre biológica de Sakyamuni, la señora Moev, soñó con un elefante que caía del cielo y dio a luz a Sakyamuni. El elefante también es un símbolo de Gautama Buda. El árbol es un árbol Bodhi. Sakyamuni alcanzó la iluminación bajo el árbol Bodhi. La Rueda del Dharma simboliza las enseñanzas de Gautama Buda.
Zutapava es la muerte de Sakyamuni para alcanzar el Nirvana. Es una forma de expresar un estado de tranquilidad trascendente. Además, lo más destacable es que aunque estas antiguas esculturas indias muestran el proceso de Sakyamuni convirtiéndose en Buda, el propio Sakyamuni no aparece en las esculturas. Cuando el arte escultórico griego se introdujo en la India, la postura corporal de Gautama apareció en el arte griego y enseñó a los indios a abrir los ojos y ver las cosas sagradas.
Sin embargo, el arte griego entró en la India en una época posterior. Las antiguas esculturas budistas tienen un encanto. Este encanto no sólo se refleja en la rica decoración y las hábiles habilidades, sino también en el instinto de los altibajos emocionales y la alegría de vivir. Las esculturas de Bouchard Huth transmiten un aire de decidida audacia. La compasión que se muestra en las esculturas está llena de ternura. Las esculturas pertenecen al arte budista avanzado. Más tarde, aparecieron las esculturas de la Escuela Gandhara, que estaban un tanto ligadas al espíritu antiguo y no se mostraban por completo.
El arte escultórico indio se ha desarrollado en diversos grados.
Esto es similar a la atmósfera luminosa y los símbolos totémicos adorados en Japón antes de que el budismo fuera introducido en Japón. El arte secreto de la talla en la antigua India estuvo influenciado por influencias persas y asirias. La influencia del arte escultórico xiongnu y turco también se puede ver en la escultura japonesa antigua. En este punto, India y Japón son similares. Barnett, que conoce bien la historia antigua de la India, cree que el arte indio fue influenciado por Grecia.
Esta es la llamada escuela greco-india de Gandhara. Los detalles son los siguientes: "La escuela de Gandhara surgió en el siglo I a. C.. Del 50 al 250 d. C., el arte escultórico de la escuela de Gandhara alcanzó un nivel maduro. El centro del surgimiento de esta escuela fue la región de Gandhara en el noroeste. frontera de la India. Se han dejado muchas esculturas en el área de Gandhara.
El arte de Gandhara agregó elementos del arte escultórico griego al estilo indio antiguo, y luego la esencia espiritual del arte escultórico indio y griego fue asimilada. Se logró la fusión final. Los budistas del norte de la India, como medio para expresar sus elevados ideales, utilizaron el arte de la escuela Gandhara para pintarlos y esculpirlos. La pintura y la escultura se extendieron por Asia Central hasta China, Corea y Japón. >
En cierto sentido, el arte escultórico japonés durante el período Asuka fue la germinación de semillas sembradas en Corea y absorbió el fertilizante de la dinastía Sui y prosperó. Pero el autor cree que si rastreamos el origen, todavía debería estar en la región de Gandhara en la India. El autor cree que el arte escultórico japonés durante el período Asuka tiene sus raíces en Siria, Grecia, el Imperio Romano de Oriente, Mesopotamia y Egipto. Este es el sistema y la esencia del arte escultórico japonés durante el período Asuka.
La característica del arte japonés durante el período Asuka es que "la gente de todo el mundo está en casa", es decir, son "compatriotas de todo el mundo". El autor ya ha hablado de esto antes. Para buscar constantemente la verdad, la bondad y la belleza, los artistas japoneses del período Asuka se deshicieron de los prejuicios raciales y trascendieron las fronteras nacionales. No tuvieron tiempo para considerar si su pensamiento artístico se basaba en el espíritu japonés inherente o se adhería a hábitos extranjeros. Los artistas japoneses del período Asuka simplemente crearon basándose en el agudo sentido artístico de la época.
Este sentimiento artístico está impulsado por fuertes creencias budistas. Los artistas japoneses del período Asuka no siguieron tradiciones ni imitaron las ideas de un arquetipo, sino que se centraron por completo en la creación artística. Por supuesto, hay algunos ingredientes imitativos, pero también algunos ingredientes tradicionales. Incluso en estas obras, todavía podemos ver elementos de los métodos y prototipos originales, pero una vez que estos elementos se integran en sus mentes, la impresión que se deja al mundo exterior ya no es simplemente la de imitar y seguir. Mostrará su estatus histórico y su valor como arte de la época.
Por tanto, el arte del período Asuka tiene sus propias particularidades que no se pueden ver en el arte de otras épocas. ¿Es su especificidad la esencia del arte de época de Asuka? La encarnación del "cosmopolitismo" El autor cree que el representante de esta particularidad es lo que los historiadores del arte llaman patrones de pájaros. Al examinar la posición de los patrones de aves voladoras en la historia del arte mundial, este artículo analiza específicamente el concepto de "cosmopolitismo" en el arte japonés durante el período Asuka.
Los tres doctores en ingeniería respetados por el autor, Ito, Tsumoto y Sugano, suelen estudiar diversos temas de la historia del arte. Tienen buen ojo para la tecnología, por lo que han hecho muchos descubrimientos especiales. Estos descubrimientos nos hablan del valor y sistema del arte japonés durante el periodo Asuka, así como de su estatus en el mundo. El Dr. Ito escribió un artículo académico sobre los patrones de las aves. Aunque la cantidad no es grande, la calidad es bastante destacable.
El Dr. Ito señaló: "En el arte de la decoración de superficies, los patrones más importantes se dibujan vertical y horizontalmente con innumerables líneas y se representan libremente a través de infinitos colores. A primera vista, los resultados son muy diferentes y mutuamente excluyentes. Es irrelevante, pero si lo organizamos y clasificamos sistemáticamente, podemos rastrear sus orígenes. Resulta que hay muy pocos prototipos, y se puede encontrar que su origen es Egipto y Asiria. Es increíble que los patrones japoneses también. heredó este sistema. Manto." Con su previsión, el Dr. Ito estudió patrones en las aves.