Introducción a O'Keefe
Georgia O'Keefe es una de las artistas estadounidenses más legendarias del siglo XX. Es famosa por sus sensuales pinturas de flores en primeros planos.
Nombre chino: Georgia O'Keeffe.
George Keefe
Nacionalidad: Estados Unidos
Fecha de nacimiento: 1887
Fecha de fallecimiento: 1986
Ocupación : Artista
Obras representativas: "Roca Negra", "Cielo Azul y Nubes Blancas", "Cielo Sobre las Nubes".
Introducción
George O'Keeffe (1887-1986) es la artista femenina estadounidense más grande del siglo XX. Surgió en Nueva York en la década de 1920 y murió en Nuevo México en 1986. Lleva más de ochenta años pintando. Desde que fui al desierto de Nuevo México para vivir solo, no me han importado los cambios en el mundo y solo me he centrado en pintar y experimentar la vida. Aunque se mantuvo alejada de las tendencias, su cabaña en Santa Fe se ha convertido en un lugar de peregrinación para innumerables admiradores de O'Keeffe.
Vida del personaje
A la edad de 12 años, O'Keeffe fue enviada a la Escuela del Sagrado Corazón en la República Dominicana, donde visitaba con frecuencia el estudio y los bosques y lagos cercanos. La profesora que impartía una clase de pintura le pidió que observara los detalles de una orquídea estrella india, lo que despertó su interés duradero por los detalles florales. Diez años más tarde, O'Keeffe creó una serie de pinturas al óleo que muestran partes de flores, yendo más allá de la realidad superficial y penetrando en la esencia de las flores. Esta observación y apreciación de los detalles de la naturaleza que la gente no ve, comenzó cuando se convirtió en artista.
En 1905, O'Keefe llegó al Instituto de Arte de Chicago para continuar sus estudios, pero la rigidez y el aburrimiento de la enseñanza universitaria la deprimieron y lo abandonó poco después. En 1907 vino a Nueva York por primera vez y se unió a la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Nueva York a principios de siglo era una metrópolis bulliciosa y ruidosa. Los cursos, la vida urbana y los viajes de estudiantes le brindaron una atmósfera artística sin precedentes. Los cursos que tomó en la Art League fueron mucho más radicales que los que había recibido anteriormente. El pintor impresionista estadounidense Chase enseñó aquí, lo que le permitió a O'Keeffe recibir una formación técnica al estilo Sargent.
En aquella época, había una famosa galería 291 en Nueva York, que a menudo albergaba exposiciones de pintores europeos modernos y presentaba a pintores de vanguardia como Picasso al público estadounidense. Su propietario es el fotógrafo secesionista Stieglitz, que estuvo rodeado de un gran número de pintores americanos modernos como Marin, Dewey y Haviland. En 1908, cuando se llevó a cabo una exposición de los dibujos de Rodin en la Galería 291, O'Keeffe quedó profundamente impresionado por su enfoque abstracto y simple.
En el otoño de 1908, O'Keeffe abandonó la escuela debido a dificultades económicas y se fue a Chicago para dedicarse a la pintura comercial durante dos años. Posteriormente, asistió a una clase de arte de verano impartida por Alan Bement. Bajo la influencia de Bement, O'Keeffe aceptó las ideas artísticas de Escherdorf. La composición de Dolph resume los factores decorativos del postimpresionismo y el arte oriental, enfatiza la combinación de diseño e instinto humano y revela una forma americanizada de color y composición de imágenes. Este libro despertó el interés de O'Keeffe por el arte oriental, especialmente el método de composición plana, la simplificación de la forma, el uso simbólico y religioso del color y la forma, y tuvo un profundo impacto en la vida de O'Keeffe.
La segunda influencia importante sobre O'Keeffe fue Kandinsky. Propuso en "Sobre el espíritu del arte" que la emoción es una extensión del espíritu y el alma del artista, y el color es una metáfora de la emoción.
Durante 1913-18, O'Keeffe practicó directamente las teorías de Dolph y Kandinsky. La acuarela "Tent Door at Night" que escribió en 1913 se compone de varios triángulos divididos, enfatizando la aplicación de la geometría natural en la pintura, con colores simples y fuertes.
En 1912, O'Keefe llegó a Amari, Texas, para trabajar como profesora de arte en la Escuela Central Rowe Ranch. Aquí, el esplendor y el misterio de las grandes llanuras y cañones acercan su arte a la naturaleza. Posteriormente, recibió un puesto en la Escuela Badlands en South Conerida y viajó a Texas y South Conerida para enseñar y pintar. Todos los días daba largos paseos por el páramo, recogiendo flores silvestres. Utiliza líneas y ritmos simples y francos para expresar su forma natural y sus sentimientos introvertidos del cielo estrellado ordinario. Envió su trabajo a amigos en Nueva York. Las obras fueron enviadas a la galería Stie Gerriets. Stie Gerriets quedó tan conmovido por el talento artístico de O'Keeffe que organizó una exposición para ella en la Galería 291 en la primavera de 1917. Desde entonces, O'Keefe se ha hecho muy conocido entre el público.
La inspiración artística de O'Keefe durante este período provino principalmente del paisaje natural del Gran Cañón del Oeste de Texas. Todo en el Gran Cañón, especialmente el cielo nocturno y las llanuras, es embriagador. A menudo caminaba largos tramos a lo largo de los acantilados, observando la tenue luz de la tierra reflejar el desierto y el cielo tan vasto como el océano. Capta los colores cambiantes del cielo y utiliza cintas rojas, naranjas y azules para expresar las ondas de luz del universo. Estas luces de las llanuras y del cielo se convirtieron en un tema del que nunca se cansaría.
El arte y la vida posteriores de O'Keeffe también estuvieron estrechamente vinculados a Stie Gerriets: habían desarrollado una correspondencia desde su primera exposición individual en 2001. En el verano de 1918, Stie Gerriets invitó a O'Keeffe a Nueva York y le proporcionó un estudio. O'Keefe pintó y Stee Glitz la fotografió. Su relación se hizo cada vez más estrecha y, finalmente, su esposa echó a su marido de la casa.
Este cambio los convirtió de amigos a amantes. En 1924, Stie Gerriets se divorció oficialmente y se casó con O'Keefe. El amor de Stieglitz cambió rápidamente la vida de O'Keefe. Evocó el amor y el despertar espiritual de O'Keefe, dejándola con mayor confianza y gracia. Al mismo tiempo, Stie Gerriets la presentó a los pintores modernos y otras figuras de vanguardia en los círculos literarios y artísticos que la rodeaban.
Los diez años transcurridos entre 1919 y 1929 fueron el período más productivo y rico de la vida de O'Keeffe. Ha realizado exposiciones individuales desde la década de 1920 y Stieglitz ha estado fotografiando sus retratos. Bajo su lente, la apariencia inocente y rebelde de O'Keeffe y su personalidad excéntrica la convirtieron en la primera pintora en atraer la atención del público con su apariencia, vida y arte. Apareció en la portada de la revista Life dos veces, lo que provocó innumerables críticas sobre ella.
Esta década también fue un punto de inflexión en el arte de O'Keeffe, basada en su temprana exploración abstracta de bocetos y acuarelas, que combinó con un sentimiento figurativo, haciendo que sus pinturas fueran suaves y sobrias. Conserva su enfoque de dibujar patrones y la inspiración de la naturaleza. Uno de sus principales objetivos era el lago George. La familia de Stieglitz tenía un alquiler de vacaciones en Lake George. Después de que Stieglitz se fue de casa, O'Keefe pasó muchas horas felices con él en el lago. Pintó muchas obras con Lake George como tema a lo largo de su vida, y Lake George en 1923 es su obra representativa de este período. El agua, la tierra y el cielo en la imagen se expresan de manera concisa, y los colores se restauran a azul y marrón. La forma del suelo es nítida y digna en forma de triángulo abstracto. Solo el cielo es cambiante y está lleno de. vitalidad.
Durante este período, los temas florales también se convirtieron en un microcosmos del crecimiento artístico de O'Keeffe. Su tema favorito es la canna. Sus composiciones florales no presentan detalles en la tradición de las naturalezas muertas realistas, ni tienen sombras normales, sino que dan a las pinturas vida propia. Esta representación de la vida continuó cambiando de 1918 a 1938: la serie canna se expandió gradualmente hasta la imagen central de canna, ocupando los bordes de la imagen. La Canna Roja de 1923 es un extremo: poética, los pétalos danzantes son abstractos y los pétalos violetas se ubican en el centro de la luz central del cuadro, expresando la soledad y el misterio de la flor.
Las flores de O'Keeffe tienden a enfatizar ciertas formas y colores. En "Red Poppy" de 65438 a 0927, feroces pétalos rojos chinos salen volando de la pantalla y se abalanzan sobre la audiencia, estallando con poderosa energía en la pequeña imagen. En los "Iris negros" que le dieron gran fama, lo más atractivo es la majestuosidad de las flores curvadas hacia arriba: el espectador sigue la mirada del pintor hacia el centro de la flor, un pétalo interior muy rizado y la estructura diagonal que fluye. Parece irradiar desde el centro del diamante y presenta una belleza frágil en comparación con la brillante y fuerte canna.
La evaluación del trabajo de O'Keeffe ha sido debatida interminablemente, en primer lugar porque O'Keeffe era una pintora y, en segundo lugar, y más importante, por sus flores brillantes, enfocadas, maravillosas y frágiles. fantasías sexuales para muchos espectadores. Algunos han sugerido que sus flores aluden a genitales humanos, y un crítico incluso sugirió que los pistilos que sobresalen de las flores eran una representación del clítoris. El propio O'Keefe rechazó el tropo. Por supuesto, en la década de 1920, la sexualidad estadounidense era todavía más clandestina que pública. Independientemente, las flores de O'Keeffe están inevitablemente asociadas visualmente con asociaciones sexuales, y muchos pintores más jóvenes afirmaron que sus representaciones del sexo, los genitales y los sentimientos sexuales se inspiraron en el trabajo de O'Keeffe.
La fama de O'Keefe en la década de 1920 estuvo, por supuesto, relacionada con los arreglos de planificación de Stieglitz. Desde 1923, han aparecido frecuentemente reseñas sobre ella en importantes revistas como The New York Times y The New Yorker. Los precios de sus obras aumentaron innumerables veces entre 1918 y 1937: en 1918, sus dibujos se vendieron por menos de 100 dólares, en 1927 alcanzaron los 3.500 y 1.937 dólares respectivamente. La carrera artística de O'Keeffe también alcanzó su apogeo.
El verano de 1929 supuso otro punto de inflexión en la carrera artística de O'Keeffe. Dejó Nueva York y vino a Taos, Nuevo México. O'Keefe se fue debido a su crisis emocional con Stieglitz: debido a su carácter retraído y su evitación del público, tuvo un conflicto con Stieglitz, que vivía en el centro del público. En ese momento, otra mujer entró en la vida de Stieglitz. O'Keefe llegó a Taos con el corazón roto.
Taos fue una vez un lugar donde vivían los indios. El vasto y magnífico paisaje natural y los colores brillantes aquí hicieron que O'Keeffe olvidara temporalmente su dolor emocional. Aquí, ella conducía por el desierto interminable, bañándose en el resplandor del sol poniente. La meseta aquí está a 8.000 pies sobre el nivel del mar. El aire seco y limpio y los colores intensos permitieron a O'Keefe escapar de los verdes grises del lago George y del ajetreo y el bullicio de Nueva York. La tierra y el cielo nocturno evocan la naturaleza salvaje y rebelde que experimentó en el Gran Cañón de Texas. En esta tierra mágica, O'Keeffe estableció su propio estudio. Está ubicado en un lugar llamado Ghost Ranch, que para ella es más un hogar que cualquier otro lugar, aislado y rodeado de cactus, tunas y artemisa. Amplio estudio con enormes ventanales que dan al desierto y a los escarpados acantilados carmesí. Después de la década de 1930, O'Keefe pasó más tiempo en el desierto. Está sola, pero tranquila y feliz. Se relaja en el trabajo, toma sus propias decisiones y actúa de forma espontánea.
En el desierto, eligió conchas, huesos, colinas, cruces y antiguas iglesias de mampostería para expresar sus pensamientos sobre la muerte, buscando nuevas imágenes para expresar su paulatina independencia del deseo de Stie Gerriet. Este colorido entorno natural era perfecto para su estado de ánimo y sus necesidades artísticas. Aquí, O'Keeffe pintó casi todos los rincones que pudo ver, escribiendo sobre su vida en sus momentos de soledad.
Durante los siguientes diez años, sus pinturas alcanzaron una nueva etapa: los colores se volvieron intensos y exagerados. Su imaginación del color se combina con la naturaleza. Completó pinturas de iglesias de Taos, colinas desérticas y flores. En 1931, se dedicaba principalmente a pintar cráneos de vaca. Los efectos contrastantes de la serie "Skeleton" expresan una meditación sobre los dos conceptos opuestos de vida y muerte, realidad e ilusión, masculino y femenino. Estas calaveras desmanteladas de ensueño son también un símbolo del dolor físico y mental del pintor.
Las pinturas de O'Keeffe centradas en flores comenzaron a cambiar entre los años 1930 y 1940, mostrando una concepción y una actitud más artística: grandes y regordetas, pequeñas y delicadas. La serie de girasoles de 1936 es tan clara y poderosa como Van Gogh, y más viva que las flores anteriores. Dos plantas venenosas del desierto, Datura datura, que florecen por la noche, son versiones ampliadas de las reales. Son audaces y llenos de fantasía: los pétalos están hinchados como nubes blancas, y el centro negro verdoso y las semillas son extraños y llenos de muerte. En comparación con las flores anteriores, estas flores gigantes tienen más energía pero detalles menos sutiles y precisos.
La exposición de 1936 de las obras de O'Keeffe en Nueva York causó otra sensación. El crítico Mumford comentó: "Cada obra es un capítulo de su autobiografía, pero la correspondencia está hábilmente oculta. Esta exposición trae a los admiradores de O'Keeffe un despertar de vida y una sensación de primavera. Echo, no sólo es técnicamente perfecta, sino también tiene un poder misterioso y un alma oculta, que es invisible para la gente común."
El entorno natural de Nuevo México tiene una gran influencia en las pinturas de O'Keeffe. Los críticos resumieron sus pinturas en esta etapa como "luz , vasta tierra y color". Estas obras se caracterizan por composiciones panorámicas, solemnidad monumental, composiciones de franjas estáticas, colores fuertes, representaciones planas, bordes ajustados pero no duros y la comunicación de formas naturales y humanas, formando su realismo y abstracción, una cualidad que combina tranquilidad, desapasionamiento y atemporalidad.
En 1945, O'Keefe compró una iglesia abandonada en el desolado pueblo de Abigail, Nuevo México, y la convirtió en su retiro a largo plazo. Allí vivían hispanohablantes y O'Keefe estaba completamente aislado aquí. Construyó un muro para proteger su residencia y su jardín persa cerrado, en el que pintaba y vivía sola. Al igual que su trabajo, su vida posterior fue sencilla, tranquila y poética. "Sky Above the Clouds", terminada en la década de 1960, se convirtió en un símbolo de su estatus artístico posterior con su estilo enorme e impredecible.
Logros artísticos
El arte de O'Keefe en sus últimos años prestó más atención a la contemplación de la naturaleza, y cada contemplación contenía un sentimiento condensado y agudo. La calidad de la meditación en su arte alcanzó su punto máximo en 1972, cuando tenía 85 años, en su obra "Roca negra, cielo azul, nubes blancas". Buscó nuevas imágenes en el colorido entorno del páramo para expresar su deseo de obtener independencia espiritual de Stieglitz, y su estilo de pintura también cambió significativamente. Sus obras se caracterizan por "la luz, el espacio amplio y el color". Su solemnidad monumental y su representación plana forman una cualidad tranquila y eterna. Eligió huesos, nubes blancas, montañas lejanas, cruces e iglesias para expresar su anhelo de muerte y soledad. Por ejemplo, la serie Girasol es clara, poderosa y más vital, pero los detalles son menos sutiles y meticulosos. La falta de énfasis en los símbolos sexuales muestra sus sentimientos más metafísicos y no físicos hacia el conocimiento sexual después de elegir estar soltera. La serie de calaveras expresa una especie de contemplación entre la vida y la muerte, el lirismo y la racionalidad, la abstracción y la concreción, el yin y el yang, la realidad y la ilusión, y es un símbolo de soledad espiritual.
Valoración Social
O'Keeffe fue un pintor que se integró con éxito en la naturaleza y la pintura. El trabajo de su vida fue su "autodefinición": flores sensuales inmersas en el amor secular en los años 1920, vida en el desierto y dunas de arena, iglesias y mandalas venenosos en los años 1930, y eligió piedras negras como tema cuando vivió recluida en su años posteriores. Todos los temas naturales de su obra fueron completamente divinizados por la imaginación estadounidense. En un sentido más profundo, el arte de O'Keeffe expresa una lucha contra el tiempo perdido, los extremos de la naturaleza y la relación del hombre con la naturaleza.
Información adicional
El Museo O'Keefe en Georgia también lleva el nombre de la artista, y la película del mismo nombre la presentó a ella y a su secretaria biográfica.