Cómo analizar obras fotográficasMira las ideas - lee la intención de la imagen ◎Mira el título de la obra fotográfica y capta el título del tema (incluidos los subtítulos) revelado en la imagen. Como ocurre con la mayoría de las fotografías, suele ser el toque final o el resumen sucinto. Ya sea que la obra fotográfica sea una serie de fotografías o una sola fotografía, guiándote por su título, conocerás inmediatamente el contenido y significado general de la obra. Entonces, cuando miramos una obra, debemos mirar la imagen junto con el título, o mirar el título junto con la imagen. La información que proporciona la pregunta proviene del tiempo (un determinado año, mes y día, que indica un determinado período histórico), del espacio (un determinado lugar, que indica un determinado lugar de rodaje), de acontecimientos, tramas e incluso de la expresión de determinadas emociones. Mentalidad y sentimientos extraños. Esta es la información más importante en el trabajo, o parte de la información importante. En definitiva, el título puede expresar o implicar más o menos el contenido de la obra y la intención del creador. ◎Basado en la imagen, resuma el tema (concepto) del trabajo. El tema (concepto) es el alma de la obra y el valor de la obra. En el proceso de análisis específico, primero determinamos la profundidad ideológica y la postura humanista de la obra con base en el concepto de la obra, e inferimos de ello su valor de existencia y efecto social. Inferimos el concepto de la obra a partir del título y la imagen. . Luego, a partir de la interpretación paso a paso de la obra, podemos apreciar con detenimiento el refinamiento y resumen del artista sobre el tema fotografiado, así como su dominio de diversas técnicas de expresión. En realidad, esto es una reproducción y restauración del proceso de operación mental del creador. A partir de esto podemos juzgar el éxito o el fracaso de la creación fotográfica. Mira expresiones: analiza varias técnicas de expresión dentro y fuera de la pantalla. No importa cuán importante sea la imagen, en última instancia depende de la forma en que se exprese. Las ideas pierden sentido una vez que se separan de la expresión, porque sólo las ideas expresadas pueden ser comprendidas y aceptadas por las personas. En otras palabras, lo que la mayoría de nosotros podemos entender y aceptar como significado sólo puede expresarse. El grado de comprensión y aceptación depende enteramente del grado de expresión. Por esta razón, "los monjes sólo hablan en casa". Lo que usted dice a los demás debe ser entendido, a menos que no quiera que lo entiendan en absoluto. Misterioso, su propósito es simplemente mostrar el "conocimiento" de uno. Sin embargo, el significado visual y el significado literal son muy diferentes. De hecho, la concreción en sí misma tiene un significado significativo, pero este significado significativo es a menudo arbitrario e incierto, y tiene muchas posibilidades de comprensión. La dificultad de la expresión visual radica en su propósito (es decir, la detección y confirmación de un significado específico). En lo que respecta a la fotografía, siempre que tomes una imagen, tendrás una expresión significativa. La pregunta es si esta expresión puede transmitir el significado y si todavía está lejos de la intención original. la distancia es la única manera de aprender la fotografía como medio visual El objetivo principal del medio de expresión. Esto incluye principalmente: el uso de la distancia focal del objetivo al fotografiar, selección y control de escenas, consideración de la distancia de disparo, altura de disparo, dirección de disparo, control del rango de fondo, luces y sombras, realidad, etc., selección de la profundidad de campo, procesamiento de acciones, y procesamiento de expresiones, control de la trama, elecciones momentáneas, caracterización de detalles, ideas y planos de montaje o presentación, etc. También se puede decir que es el único camino a seguir. Cada imagen fotográfica específica debe reflejar fielmente la intención fotográfica específica del fotógrafo. El fotógrafo demuestra plenamente su nuevo descubrimiento de un sujeto a través de la forma en que compone la toma en la escena de la toma, y ​​el descubrimiento visual del fotógrafo depende principalmente de su nuevo ángulo de observación del sujeto. Nuevos ángulos crean nuevos sentimientos. Sólo en marcos fotográficos con ángulos únicos se pueden enfatizar plena y efectivamente las nuevas sensaciones. Por lo tanto, aprovechar al máximo el método de expresión único de la fotografía para seleccionar y enfatizar el sujeto y el objeto se ha convertido en la tarea principal de la expresión fotográfica. ¿Qué distancia focal de lente debo utilizar? ¿Qué ángulo de disparo eliges? ¿Qué tipo de escena debo fotografiar (si es un primer plano, debo usar una lente gran angular para un primer plano o un teleobjetivo para una toma inversa)? ¿Qué profundidad de campo eliges? ¿Cómo controlar los detalles de la imagen? ¿Cómo se organiza la situación actual? ¿Cómo elegir al instante? ¿Cómo lidiar con el tono? Si se trata de una serie de fotografías, ¿cómo concibes la presentación general? Cuando analizamos obras fotográficas, solo queremos ver qué medios utiliza el fotógrafo para resaltar el tema de la imagen y lograr el propósito de expresión. Hay mucho que aprender en términos de distancia de tiro. Algunas personas dicen que la distancia produce belleza y señalan la importancia de mantener la distancia en situaciones estéticas. Pero muchas veces no sólo buscamos la belleza, porque hay algo más importante que la belleza en la creación. Por eso, Robert Capa me dijo sin rodeos: “Si tu foto no es lo suficientemente buena, es porque no estás lo suficientemente cerca. De hecho, para la fotografía de noticias, es importante que la foto reproduzca fielmente la verdadera sensación de la escena”. . Por supuesto, las palabras de Capa también contienen otro significado, que es la cualidad más admirable de un fotógrafo: perseverancia, coraje y sacrificio que está dispuesto a pagar el precio de la vida en cualquier momento y en cualquier lugar. Las ideas de Capa tuvieron un profundo impacto en el fotoperiodismo en el mundo moderno. Enzo San, un fotógrafo moderno italiano especializado en fotografía documental, también tiene una importante experiencia en fotografía: "Prefiero fotografiar de cerca, muy de cerca, aunque las grandes composiciones que toma no son, en el mejor de los casos, fotografías de actualidad, sino lo que obtiene de sus fotos". Los primeros planos son la autodisolución del acto de tomar la fotografía: el sentimiento que produce la imagen. La existencia de la cámara ha sido completamente ignorada y el punto de vista de la cámara parece haber desaparecido en la experiencia subjetiva. Lo que queda en las fotos son sólo los sentimientos del corazón. Casualmente, el fotógrafo chino contemporáneo Deng Wei, que ha fotografiado con éxito a celebridades políticas y culturales de todo el mundo por su propia cuenta, también aboga por tomar retratos de cerca para "escuchar los latidos del corazón de los demás". Esto se ha convertido en un gran desafío psicológico. Tensión y espíritu humanista. 2. Gestión del espacio pictórico.

Esto incluye principalmente: la relación entre la forma (forma principal y forma del fondo) y el espacio de la pantalla, como "suelto" y "apretado", "escaso" y "denso" la relación entre el equilibrio y el espacio de la imagen, como el principio de equilibrio; en la pintura tradicional y nuevos cambios en la ley del equilibrio en la composición de la fotografía moderna, la relación entre perspectiva y espacio pictórico, como la apertura de la perspectiva pictórica, el sentido de distancia y profundidad del espacio, la exageración y la compresión. de perspectiva mediante lentes de diferentes distancias focales, etc. La relación entre el movimiento y el espacio pictórico, como el silencio y el vuelo, el movimiento sugestivo interno y el movimiento intenso externo, afecta la formación y configuración del ritmo pictórico y el espacio pictórico, como el placer visual producido por el ritmo y la expresión completa de lo visual; significado; requisitos de factores simbólicos y sugerentes (expresos o implícitos) para establecer el espacio psicológico fuera de la pintura, etc. 3. La composición del tono de la imagen. Se refiere a la configuración de luz y oscuridad en una imagen fotográfica determinada para satisfacer las necesidades de expresión visual, tales como: la selección y distribución razonable de los tonos de la imagen; el procesamiento de sombras; el establecimiento de tonos de la imagen; control técnico de fotografías de tonos completos; ajuste de tono y fotografías en blanco y negro Control de contraste; la relación entre el tono de color y la sensación de realidad virtual en la imagen; la diferencia entre el sonido de fondo y el sonido principal; imagen, etc 4. La composición de las líneas del cuadro. Las líneas son los elementos visuales más abstractos y básicos que constituyen la forma principal de las imágenes fotográficas. Puede enfatizar la forma del sujeto y el fondo, formar un orden visual armonioso y generar tensión visual dentro y fuera de la imagen. En el análisis de obras fotográficas específicas, generalmente partimos de la línea principal de la imagen e inferimos la verdadera intención del fotógrafo al refinar e interceptar la línea principal de la imagen al crear. Porque cuando buscamos a lo largo de la línea principal, naturalmente podemos comprender el significado de la imagen. Por lo tanto, normalmente llamamos a esta línea principal que recorre el contenido de la trama de la imagen "línea de guía visual". 5. La composición del color del cuadro. La sensación del color es la más fuerte y externa en la expresión visual, por lo que también es el elemento visual más difícil y activo en la creación fotográfica. Mucha gente no puede hacer nada porque no comprende el temperamento de los colores. Especialmente en la selección de colores objetivos y el control de colores subjetivos, hay trampas por todas partes y siempre se enfrentarán nuevos desafíos. El color requiere no sólo un profundo logro artístico, sino también una experiencia única del color y métodos efectivos de expresión creativa. 6. Crea la atmósfera de fondo de la imagen. La dificultad de la expresión visual radica en la expresión de la atmósfera. Un excelente director de drama o cine no sólo es bueno dirigiendo dramas, sino también creando buena atmósfera. De hecho, lo mismo ocurre con la fotografía. Muchos principiantes cogen una cámara y toman fotografías. "Una hoja no puede ver la montaña", pero sólo ven el sujeto, sin fondo y con una distribución inadecuada de la atención. Se centran en un extremo del tema e inconscientemente renuncian a gestionar la situación global. Debido a que el fondo de la foto estaba seriamente fuera de control, la actuación del sujeto tuvo que verse perturbada visualmente por el fondo desordenado, haciendo imposible expresar claramente la verdadera intención del fotógrafo. Los fotógrafos experimentados saben que el tiempo y la energía dedicados a tomar fotografías del fondo de la imagen es mucho mayor que el tiempo y la energía necesarios para controlar la selección del sujeto. En el proceso de operación específico, los antecedentes suelen ser más importantes que el tema, porque la imagen comercial debe tener una consideración integral. Para los fotógrafos, el control total de la imagen es imprescindible. El trasfondo no sólo debe resaltar efectivamente al sujeto, sino que los factores del trasfondo también deben usarse conscientemente como información estrechamente relacionada con el sujeto para expresar la realidad. El fondo en sí es una parte integral de la expresión temática. ◇El uso de tecnología de luz para analizar técnicas fotográficas es en gran medida el uso de tecnología de luz. El éxito de la fotografía es, ante todo, el éxito de la iluminación. Una sensibilidad especial a la luz y un control meticuloso son cualidades esenciales que deben poseer los fotógrafos. Procesamiento de luz. Sólo cuando se dominan plenamente las habilidades se puede lograr un buen efecto de expresión. De lo contrario, por muy buena que sea la creatividad, no se reflejará en las imágenes fotográficas. Lo más importante aquí es una buena iluminación y sensación. Para distinguir entre profesionales y aficionados, puedes vislumbrarlo observando la conciencia del consumo de luz en la fotografía. Los fotógrafos profesionales siempre prestan atención a las técnicas de iluminación, incluso hasta el punto de preocuparse mucho por ellas, casi hasta el punto de ser duros. Además, el sentido de la luz de un fotógrafo profesional es más valioso, porque sólo con un buen sentido de la luz puede tomar decisiones y juicios decisivos sobre planes y medidas de iluminación específicos en el menor tiempo posible en la escena fotográfica y controlar estrictamente cada detalle específico. detalles. La sensación de consumir luz no es sólo una cuestión de competencia y habilidad. Lo que aquí se refleja es más bien un encuentro, o una habilidad y talento especial. Por ejemplo, al tomar retratos, a la mayoría de los fotógrafos les gusta usar luz de contorno para distinguir a los personajes del fondo. También se puede usar para delinear las partes más representativas de los personajes, embelleciendo así a los personajes. de luz es clásico. Sin embargo, un buen fotógrafo nunca será supersticioso con los llamados clásicos. Siempre está intentando innovar, intentando conseguir nuevas sensaciones. Tuvieron mucho cuidado al utilizar la iluminación lateral, porque se usan en exceso las cosas favoritas de todos, que deben ser las menos creativas y lucirán kitsch. Por lo tanto, a menudo usan la luz de fondo más simple y discreta para reemplazar la luz de la silueta, y usan la creación de la atmósfera de la imagen para reemplazar el embellecimiento del sujeto del personaje, haciendo que el personaje parezca más "connotativo". De hecho, es un enfoque más inteligente. El uso adecuado del lenguaje visual y otras habilidades integrales tiene sus limitaciones y la fotografía no es una excepción. En primer lugar, la fotografía es sólo visual, no auditiva ni olfativa. En segundo lugar, el espacio que se muestra en la fotografía es sólo un espacio plano bidimensional, que no se puede comparar con el mundo tridimensional real. En tercer lugar, la fotografía es una expresión estática. Sólo captura un momento en movimiento, pero de ninguna manera es una reproducción fiel de un proceso.