Todo el proceso de cómo hacer una escultura de yeso.

La espacialidad de la escultura debe ser comprendida en general por el público. La escultura es una categoría de arte que utiliza ciertos materiales materiales y medios para ocupar una determinada posición espacial en un espacio tridimensional real para crear una imagen artística estática visible. Desde una perspectiva puramente física, no hay diferencia entre escultura e instalación en términos de espacialidad. Pero una obra de arte nunca puede ser la existencia objetiva de una entidad simple. Como escultura, el volumen del espacio tridimensional es lo más fundamental en su lenguaje artístico, por lo que el rebaje, la protrusión, el intervalo, la ruptura, la penetración y el tamaño de la obra en sí son uno de los propósitos de la escultura. Aunque la escultura también puede lograr la conversión del espacio tridimensional al bidimensional, el espacio tridimensional es la raíz de su vida, como la exploración de la espacialidad pura de Henry Moore. Para el arte de instalación, el volumen tridimensional es un medio necesario para su presentación, es simplemente un portador de ciertos pensamientos y conceptos. Por lo tanto, no tiene sentido discutir factores como el volumen, la sensación de volumen y el ritmo que son extremadamente fundamentales en el lenguaje de la escultura en el arte de instalación. Al igual que en la pintura china, las líneas en sí mismas tienen un significado determinado, mientras que en el arte occidental tradicional las líneas existen más como un medio. Se considera imposible que la escultura, como arte tridimensional que existe en un espacio tridimensional, dure más que el tiempo de representación. Pero, de hecho, el arte escultórico no rechaza por completo el concepto de tiempo. Sin embargo, dado que las esculturas en sí son en su mayoría estáticas, el tiempo o el movimiento que representan proviene principalmente de las experiencias sociales y psicológicas y de los sentimientos psicológicos del artista y del público. Por ejemplo, el antiguo retrato chino en piedra "Jing Ke asesina al rey de Qin" muestra dos tramas de la historia en diferentes momentos en la misma imagen. Por ejemplo, las manos levantadas y el disco a punto de volar en "El lanzador de disco" de Miron, las alas voladoras en "El beso de Cupido" de Cavanaugh, "Hércules el arquero" de Blair y la antigua estatua india "Shiva". La enorme dinámica y los procesos del tiempo. en "Estatua de bronce bailando". Así como Lessing discutió el "momento antes del clímax" en "Laocoonte": Todos los objetos no sólo existen en el espacio, sino que también existen en el tiempo. Los objetos continúan y pueden aparecer en cada momento de la duración. Se ven diferentes y están en diferentes combinaciones. Tal aparición y combinación momentánea es la consecuencia de la aparición y combinación del momento anterior, y también puede ser la causa de la aparición y combinación del momento posterior, y así se convierte, por así decirlo, en el centro de un factor en movimiento. 2) Si todos estos ejemplos sólo pueden mostrar la temporalidad de la recepción psicológica de las esculturas, entonces en el siglo XX, las esculturas móviles impulsadas por fuerzas mecánicas o naturales y el uso del sonido, la luz, la electricidad y otros principios para producir efectos de movimiento. hace que la escultura se mueva en un sentido físico. Por ejemplo, "Tres líneas rojas" de Calder, "Columna" de George Reese y muchas esculturas móviles de artistas japoneses después de la guerra. Sin embargo, aunque disuelven el concepto atemporal de escultura hasta cierto punto, todavía están claramente definidos en la categoría artística de escultura porque la temporalidad que presentan es de un modo no lineal. La existencia tiene las características de incertidumbre, más que de incertidumbre. la expresión de conceptos narrativos. Entonces, independientemente de la forma de movimiento, lo que finalmente apuntan es la entidad escultórica misma. Debido a que la escultura, una disciplina madura, tiene su propio significado y regulaciones, la temporalidad en la escultura sirve completamente a la función estética o función social de la entidad escultórica. La temporalidad del arte de instalación es obvia e incluso inherente. La temporalidad del arte de instalación está integrada física y psicológicamente. Por ejemplo, en "Eating Lard" de Jeanne Anthony, los bloques de manteca se derriten y colapsan lentamente con el paso del tiempo. Este tipo de movimiento está relacionado con la escultura móvil. El movimiento en el arte de instalación generalmente tiene un cierto orden, propósito y una lógica de desarrollo interna propia, y esta lógica es generalmente de modo narrativo, pudiendo incluso ser tramada o dramática. Al mismo tiempo, requiere que la temporalidad del movimiento de la obra coincida con el proceso psicológico aceptado por el público, porque esencialmente su movimiento no está subordinado a las entidades de la obra, sino para permitir que el público interprete mejor la situación. Información analizable implícita en la obra. La idea, o el proceso, es su fin en sí mismo. Por tanto, existe una diferencia esencial entre ambos en términos de temporalidad. El material es la vida de la escultura como arte espacial físico. La naturaleza del material en sí es siempre más importante que la decoración exterior. En el proceso de dar forma a la entidad de la escultura, la naturaleza del propio material se fortalece, purifica y caracteriza, logrando así un alto grado de unidad entre la naturaleza del material y la entidad del objeto. En este proceso, la preservación de las características materiales se ha convertido de hecho en uno de los objetos estéticos. En otras palabras, para las esculturas, el material es lo primero y el pensamiento que lleva en segundo lugar. Especialmente antes del siglo XX, las características geométricas de las esculturas y las propiedades físicas de los materiales, como la densidad, la opacidad, la dureza y otras condiciones, eran los factores decisivos. Incluso hoy en día, el desarrollo de la ciencia y la tecnología ha provocado la aparición continua de diversos materiales nuevos, como fibra de vidrio, plásticos sintéticos, resina de poliéster, mármol artificial, metales sintéticos e incluso materiales blandos, como el "Fragmento completo" de Zhao Bowei, el "Fragmento completo" de Zhao Haibo. " "For an Unpleasant Thing" y "Untitled" de Han Meilun, aunque sus obras rompieron el principio no escrito de utilizar únicamente materiales duros, no cambiaron fundamentalmente la originalidad de los materiales utilizados en las esculturas. En última instancia, no dejan de ser un intento y una reflexión sobre la naturaleza de los materiales.

Pero para el arte de instalación, este principio no existe. El arte de instalación generalmente se guía por un concepto determinado y se combina con el arte escénico, el arte corporal, el arte sonoro, el arte procesal, el arte terrestre y muchas otras formas de arte. expresar, y la forma material es el segundo factor, después de los conceptos y las ideas. En otras palabras, los requisitos materiales de la instalación son sólo si el uso de un determinado material puede expresar adecuadamente el mensaje que el artista quiere transmitir al público. . Para estos materiales como soportes\medios, no es necesario considerar la importancia de su volumen, calidad, textura y otros factores, solo se requiere que sean portadores de un cierto significado reconocido por los hábitos públicos, y de esta manera lograr el propósito. de orientación y difusión del pensamiento. Por ejemplo, el pelo y los globos son metáforas del sexo, pero el arroz no puede expresarlas. Otra característica del uso de materiales en la creación de esculturas es la singularidad de los materiales. Es raro utilizar diversos materiales en una misma escultura, ya sea mármol, cobre fundido, yeso, fibra de vidrio, metal directo, etc., que son relativamente sencillos. Debido a sus propias estipulaciones, el arte de instalación puede utilizar una combinación de varios materiales sin restricciones. Por ejemplo, en "El desarrollo de una botella en el espacio" de Boccioni, toda la obra está hecha de material de bronce. La singularidad y la naturaleza no confeccionada del material y su naturaleza escultórica definen el significado escultórico de la obra. Si este trabajo tiene una sensación más de instalación, se puede usar una botella de vidrio ya preparada en el trabajo. Las obras de escultura suelen utilizar materiales no confeccionados que se pueden tallar. Esto está relacionado con el lenguaje y el propósito del arte escultórico en sí. Lo que necesita es una expresión general implícita. Si se utilizan una variedad de combinaciones de materiales, causará confusión. en el lenguaje escultórico y dilución del tema. Por tanto, la singularidad del material surge de la necesidad de legibilidad directa en el arte escultórico. Los trabajos de instalación suelen utilizar productos prefabricados que se pueden combinar. Por eso, el arte de instalación también se denomina arte prefabricado. El uso extensivo de objetos prefabricados está relacionado con el propósito del arte de instalación. Para los espectadores, los objetos que se utilizan en la vida real son más interpretables. Por ejemplo, en "Gil Peters" de Keith Edmeer, el modelo de yeso vestía ropa real e incluso pelucas. "El bodhisattva herido" de Chen Lide utiliza gasa para vendar las heridas del bodhisattva. El uso de diferentes materiales bloquea el pensamiento estético normal del público y, naturalmente, guía el pensamiento del público en la dirección del concepto que el autor quiere expresar. Si se utiliza un solo material, no será muy diferente de las esculturas ordinarias. El propósito de transmitir el concepto de arte de instalación no se puede lograr en absoluto, o será difícil de lograr, o llevará por mal camino. Hoy en día, a medida que la tecnología avanza cada vez más, el arte de las instalaciones es inherentemente sensible a los nuevos materiales, desde la costura hasta los equipos de aviación. Como arte que da forma a formas en un espacio tridimensional, la escultura inevitablemente ocupa un cierto espacio físico e interactúa con el entorno que la rodea. La visión humana no sólo puede conectarse con la obra de escultura en sí. El público debe colocar la obra en un entorno determinado de antemano para verla, porque como escultura que existe en un espacio tridimensional, es imposible utilizar un marco para combinar las dos. El mundo real y el arte como una pintura. El mundo está dividido, e incluso una escultura en una sala de exposiciones todavía tiene un entorno en el que existe, es decir, la sala de exposiciones y otras obras de arte a su alrededor. Antes de realizar esculturas ambientales o esculturas escénicas, el escultor debe tener en cuenta los factores del lugar en la integración de ideas abstractas e ideas empíricas. En otras palabras, este tipo de escultura está hecha enteramente para el medio ambiente. Henry Moore dijo: "Prefiero colocar mis esculturas en un escenario natural, casi cualquier escenario natural, que colocarlas incluso en los edificios más bellos, como por ejemplo su "Rey y Reina" ". las vastas y desoladas montañas de Escocia. Los derechos de la era civilizada y el caos nebuloso de la era primitiva están integrados en la naturaleza. La unidad interna del hombre y la naturaleza se expresa apropiadamente debido al ajuste del entorno. 3) Se resalta su efecto general como escultura. El entorno de la escultura se ha ampliado con la continua expansión de la tecnología y los efectos de la luz también han intervenido en el campo de la escultura después del auge del arte OP. Por lo tanto, "el lugar o la ubicación determina la forma de la obra" (Klass Oldenburg). , 4 ) Por lo tanto, el entorno se ha convertido en uno de los prerrequisitos indispensables para las obras de escultura, pero siempre puede ser sólo la premisa, la condición y el fondo, y nunca puede convertirse en parte de la connotación de la obra. Existe sólo para contribuir a la creación. la estética y los sentimientos del público, que en sí mismo no tiene ningún significado. Para el arte de instalación, el entorno no es indispensable. Algunas instalaciones artísticas pueden existir de forma completamente independiente del entorno y tener su propio significado. Para este tipo de obras, el entorno interno y la estructura compositiva parecen ser más importantes, como en la instalación "Total" de Kabakov y "We Lived Here". No hay mucha diferencia entre estos tipos de obras, porque su propósito es simplemente. Deje que el público experimente su espacio interior. Otro tipo de arte de instalación se basa en la existencia del entorno, es decir, el entorno se ha convertido en parte de la obra y tiene su propio significado, y ya no es sólo una condición de fondo.