El estilo personal de Miyazaki Hayao y sus trabajos de fotografía de paisajes.
Se presenta por separado a continuación.
Miyazaki Hayao:
Miyazaki Hayao (Miyazaki Hayao) es un famoso director de dibujos animados japonés. Nacido en Tokio el 5 de junio de 1941.
Se puede decir que Miyazaki Hayao es una leyenda en la industria de la animación japonesa. Sin él, la industria de la animación japonesa sería muy inferior. Fue el primer pensador en elevar la animación a un nivel humanista, y también fue el pilar espiritual de tres generaciones de animadores japoneses. Mientras rompía la sombra gigante de Osamu Tezuka, Hayao Miyazaki dio el ejemplo a los futuros animadores con su carácter fuerte y su lucha sin límites.
Introducción personal
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Experiencias tempranas
Hayao Miyazaki nació en Tokio en 1941. Su familia vivía originalmente en Bunkyo Ward, Tokio. Posteriormente, debido a la evacuación durante la Segunda Guerra Mundial, la familia se mudó a Utsunomiya y Kashima. Su familia regentaba una fábrica de aviones y era una empresa militar-industrial, por lo que pudieron mantener una vida bastante adecuada al final de la guerra. Sin embargo, Hayao Miyazaki, que creció en este entorno, inesperadamente empezó a dudar de los privilegios de su familia.
Cuando Hayao Miyazaki era niño, le gustaba leer libros y cómics. En la escuela secundaria, planeé convertirme en caricaturista y comencé a practicar activamente los dibujos animados. En tercer grado de la escuela secundaria, conoció a su primer interés amoroso: la Serpiente Blanca en el primer largometraje japonés en color de Toyo Animation, "White Snake".
Posteriormente, Hayao Miyazaki ingresó al departamento de política y economía de la universidad. No había ningún club de cómics en la universidad, así que me uní a la sociedad de investigación de literatura infantil más cercana a ella. Se dice que Miyazaki es el único miembro. Durante este período, creé muchos cómics y también los envié a Lending Comics Publishing House, pero parecía que no había trabajos completos. En ese momento, Miyazaki era sólo un espectador en el turbulento movimiento de seguridad, y sólo se involucró como una persona no partidista en el último minuto.
En ese momento, Hayao Miyazaki tomó una decisión laboral para toda la vida: ir al Este a mostrar animación.
Dado que Miyazaki es el segundo hijo y el mayor hereda el negocio familiar, puede elegir su carrera como quiera. Según yo, la razón por la que dejé los cómics y elegí la animación fue porque otros decían que mis obras imitaban a Osamu Tezuka, pero yo no lo creía en ese momento. Al darse cuenta de que no podía superar a un artista de manga como Osamu Tezuka, eligió un anime que era nada más que original. El valor del tiempo es 1963.
Toei Animation fue fundada por Toei Pictures mediante la absorción de Nippon Film Co., Ltd. En 1961, antes de que Osamu Tezuka fundara Bug Pro, era casi la única empresa de animación japonesa con una fuerte atmósfera humanista y una larga tradición. . Worm Pro fue influenciado por la animación televisiva de bajo costo, pero en ese momento, las películas animadas con altos costos, gráficos detallados y una fuerte tradición todavía eran el mundo de Eastern Reflection. Cuando Hayao Miyazaki entró en Japón, era sólo un pintor original de bajo nivel. En aquella época, después de la guerra, había una tendencia izquierdista en los círculos literarios y artísticos (no olvidemos que el movimiento de seguridad acababa de terminar) y la sociedad estaba llena de democracia. Muchas cosas en el trabajo se decidieron mediante discusión. El diligente y altamente educado Miyazaki destacó así en la discusión. Desde 65438 hasta 0964, el club inició actividades sindicales, con Yasuo Tsuka como líder, Isao Takahata como vicepresidente y Hayao Miyazaki como secretario.
Yasuo Tsuka, un antiguo miembro del club, descubrió los talentos de Takahata y otros graduados de la Universidad de Tokio. En 1965, este grupo de sindicatos comenzó a trabajar juntos en la empresa Taiyo Prince Hall. Otsuka era el supervisor de pintura y Isao Takahata, un recién llegado a la industria de la moda, fue ascendido a supervisor por él. El propio Hayao Miyazaki jugó un papel tan importante en su trabajo que todos inventaron un título para él: escenógrafo. El talentoso Isao Takahata aportó un nuevo concepto a esta obra, añadiendo connotaciones más profundas y ricas técnicas de expresión. Se puede decir que esta es la primera animación japonesa de larga duración en color no solo para niños. Cabe mencionar también que la producción de esta animación fue interrumpida el 10 de junio de 1966, continuó el 10 de junio de 1967 y se estrenó oficialmente en julio de 1968. Durante este período, Miyazaki se casó con su colega Ame Ohta en 1965 y su hijo mayor nació en 1967. Debido al afán de excelencia de los productores, la producción se retrasó y se presupuestaron. Sin embargo, aunque este trabajo recibió críticas muy favorables más tarde, no alcanzó el punto de equilibrio en taquilla en ese momento. Después de completar este trabajo, Yasuo Tsuka dejó Toei Animation y se unió a A-Pro, que había sufrido pérdidas y problemas sindicales.
Junto con Isao Takahata y Yoichi Oda, Hayao Miyazaki continúa su trabajo de animación en Toyo, y su puesto sigue siendo el de pintor original. En 1969, comenzó a publicar por entregas el cómic corto "Gente en el desierto" en los periódicos bajo el seudónimo de Akitsu Saburota. Este puede ser un prototipo de la posterior "Nausicaa del Valle del Viento".
En 1971, los tres saltaron de Toei Animation a A-Pro en Asozuka. Para hacer una digresión, fue en ese momento cuando conocí a Given Kondas, quien más tarde dirigiría "Hear the Ear" y actuaría como supervisor de dibujo en muchas obras de Ghibli. Este grupo de personas lleva veinte o treinta años trabajando juntos, lo cual es un destino terrible. Como uno de los principales creadores del nuevo proyecto "Pippi in Socks", Hayao Miyazaki viajó al extranjero para inspeccionar Escocia por primera vez. Pero por razones del autor original, el proyecto finalmente fue abandonado. Al principio, a Miyazaki le gustaban los paisajes de los pueblos y ciudades europeos, y esta experiencia dejó una profunda impresión en muchas de sus obras posteriores.
A continuación, todos participaron en la producción de la versión en serie de televisión de "Lupin the Third" dirigida por Yasuo Tsuka. Hasta el día de hoy, casi todos los años se emite un especial de televisión o una versión teatral de Lupin III. Lupin también ha pasado de ser un ladrón que vive en una mansión a una imagen civil familiar. La adaptación no autorizada de la obra original por parte de Takadan y Miyazaki tuvo un profundo impacto.
Después de eso, la combinación de Isao Takahata, Little Sheep y Hayao Miyazaki, quienes supervisaron la pintura, crearon muchas obras, la más notable de las cuales es "La familia Panda". Este trabajo describe principalmente la vida cotidiana por primera vez, lo que supone el primer intento de Takahata de crear un nuevo estilo. En Panda Mania, esta aventura está muy bien valorada.
En 1974, los tres saltaron a Zuiyu Video, la empresa matriz de Nippon Animation, que más tarde se hizo famosa por la serie "World Famous Theatre". Se puede decir que la primera animación "Girl in the Alps" coproducida por las tres personas es el trabajo que estableció el estilo de toda la serie. Isao Takahata describió principalmente la vida cotidiana, y su estilo de director enfatizó el momento de las acciones. formado. Este nuevo estilo de animación fue un gran éxito. El posicionamiento de Hayao Miyazaki esta vez es el diseño y la composición de la imagen, y también es un nuevo posicionamiento inventado para coincidir con la nueva forma de la pintura. Para Takahata, que no sabía dibujar, Miyazaki era como sus manos y sus pies, transformando sus ideas en composiciones.
En la mundialmente famosa serie dramática, Isao Takahata también fue productor ejecutivo de "3000 Miles Away" (1976) y "Red-Haired Anne" (1979). Más tarde, después de practicar durante mucho tiempo y tener experiencia protagonizando muchas series de televisión, Hayao Miyazaki consiguió su primer puesto de productor en 1977, que fue Future Youth Conan (1978). Comparado con Takadan, que respeta la obra original y tiene un estilo tranquilo, Miyazaki se caracteriza por su rica imaginación y expresividad de acción. Hayao Miyazaki transformó el trabajo original originalmente pesimista en una historia brillante para una niña. Esta historia se puede ver a la sombra de historias posteriores como Castle in the Sky.
En 1979, para producir la versión teatral de la película animada "Lupin III: El castillo de Cariostro", me trasladé a la Agencia de Noticias de Cine de Tokio. El supervisor de pintura fue Yasuo Tsuka, un creativo original. Miembro de la serie de animación Lupin. Si te sientes bien con las obras de Ghibli, ve y mira esta obra. Tiene la misma calidad y encanto que las obras posteriores de Ghibli y sigue siendo un clásico legendario hasta el día de hoy. Sin embargo, fue un trabajo relativamente bueno en ese momento. Posteriormente, Miyazaki trabajó en Telecom, una empresa de desarrollo de nuevos talentos de la Agencia de Noticias de Cine de Tokio, y continuó produciendo la serie de televisión "Shin Lupin". Aquí, Miyazaki expuso sus planes para lo que se convertiría en el precursor de La princesa Mononoke de Mi vecino Totoro. Sin embargo, ciertamente no fue adoptado.
Un punto de inflexión en la vida
En 1981 se produjo otro punto de inflexión en la vida de Hayao Miyazaki. Toshio Suzuki, editor en jefe de Animage, una nueva revista de animación fundada por librerías japonesas y alemanas, espera que los animadores visiten el álbum. Se estima que originalmente planeó visitar a Isao Takahata, famoso por su serie de obras maestras mundiales, pero fue rechazado por Takadan y Hayao Miyazaki. Al final, no sé por qué, se convirtió en un álbum de entrevistas a Hayao Miyazaki, que era joven y nada famoso. Se puede decir que este movimiento aparentemente caótico trajo a las librerías alemanas una gallina que puso huevos de oro.
"Animage" también descubrió y financió a otros productores de animación jóvenes y talentosos, como Mamoru Oshii, y trabajó duro para hacerlos famosos, pero la cooperación no fue tan fluida como la de Miyazaki Hayao.
Bajo el liderazgo de Toshio Suzuki y la Librería Alemana, Hayao Miyazaki comenzó a crear su propia animación. El plan para la animación teatral "Nausicaä del Valle del Viento" fue inicialmente rechazado porque no había un trabajo original, por lo que en 1982, Hayao Miyazaki serializó su manga en Animage. Reflexiones densamente pintadas, profundas y múltiples hacen de esta comedia épica intermitente un logro considerable. Después de completar la producción de "Sherlock Holmes", Hayao Miyazaki dejó Tokyo Film News para prepararse para un nuevo trabajo.
En 1983, comenzó la leyenda. Las personas que habían estado trabajando juntas desde los tiempos del Príncipe Heredero se reunieron nuevamente y comenzó la animación de Nausicaa del Valle del Viento. Hayao Miyazaki fue responsable de todos los aspectos de la supervisión, el guión y el guión. De abajo hacia arriba, Miyazaki tiene la capacidad de dirigir la mayor parte del trabajo, desde la historia hasta la pintura y la animación. La película termina con una nota religiosa. Aunque los productores no quedaron satisfechos, la proyección fue sorprendentemente conmovedora. En medio de su éxito, en 1985 se fundó el Estudio Ghibli. El nombre proviene de un avión de reconocimiento italiano durante la Segunda Guerra Mundial (un pasatiempo familiar) y significa "viento caliente en el Sahara". Hayao Miyazaki supervisa el trabajo aquí, que es un viaje para restaurar libros ilustrados.
Con la producción de la nueva animación "Castillo en el Cielo", se cierra el cómic "Nausicaa del Valle del Viento". Después de eso, "Nausicaa del Valle del Viento" fue cerrada y reabierta de forma intermitente hasta 1994 para seguir la producción de la animación de Ghibli. "Castle in the Sky" sigue siendo una exposición individual producida por Hayao Miyazaki. Se utiliza al máximo el estilo del mundo de fantasía de Hayao Miyazaki, lleno de acción y tensión dramática, toques y detalles reales.
(El trasfondo de "Castle in the Sky" es los 19 años de Revolución Industrial en Europa. Acompañada por el amable y valiente niño Pazu, la linda e inocente niña Sita busca su ciudad natal perdida. El viaje es Al final, City in the Sky finalmente entendió que no importa cómo avance la tecnología y se desarrollen los humanos, la gente no puede vivir sin la tierra.
El tema del hombre y la naturaleza se refleja aún más aquí, y la destrucción final de La Plata, una gran ciudad flotando en el aire, parece advertir al mundo que en el siglo de la maquinaria y el acero, en realidad nos enfrentamos a un futuro incierto. ))
El siguiente paso son los esfuerzos del supervisor Gao Qi. En 1988, se lanzaron simultáneamente "My Neighbor Totoro" producida por Hayao Miyazaki y "Grave of the Fireflies" producida por Takada. Aunque esta última ha recibido amplios elogios en los círculos literarios y artísticos y ha conmovido a innumerables audiencias, la primera es una de las obras más populares de Ghibli. Después de Ghibli, se formó un sistema en el que dos productores se turnaban para producir películas animadas.
Oshii Mamoru:
La industria de la animación japonesa actual está llena de héroes, incluida la moderada y estable escuela Hayao Miyazaki, la radical e innovadora escuela Anno Hideaki y el extraño y audaz Otomo Masaru. Autobots, está el tibio Tomino Hiroyuki, y también hay una persona que no debemos olvidar, el Mamoru Oshii que también creó milagros.
Muchos de los animadores y dibujantes presentados en el pasado son personas con habilidades únicas que pueden sostenerse solos con un pincel después de dejar su trabajo de animación. Pero este señor Oshii Mamoru es diferente. Es un verdadero animador que no sabe nada sobre la creación de cómics. Creo que cualquier lector que esté leyendo este artículo puede dibujar mejor que él.
Sin embargo, sería un error subestimar a este maestro que sólo sabe "hablar sobre el papel". Ya sabes, no es necesariamente bueno que un productor aprenda y deje las dieciocho habilidades de artes marciales. Demasiada habilidad le permitió asumir muchas tareas con confianza, lo que le provocó exceso de trabajo, afectó su salud personal y también afectó el proceso y el nivel de producción (por supuesto, esto no es lo mismo). ¿Es cierto que los sentimientos artísticos no pueden distinguirse con argumentos tan simples como “¿esta persona sabe dibujar?” Mamoru Oshii ha creado muchas obras maestras impresionantes a lo largo de los años que realmente demuestran que es un pintor que no sabe dibujar y un maestro escultor que no sabe esculpir. En comparación con muchos de sus compañeros, prefiere el arte a los negocios, por lo que sus obras son más arte que negocios, con pocos rastros de cincelado. Para la mayoría de los lectores, sus obras son difíciles de entender. Sólo aquellos a quienes les gusta masticar con cuidado pueden comprender verdaderamente su verdadero significado.
1951 Mamoru Oshii nació en Ota Ward, Tokio, el 8 de agosto. Después de graduarse de la Universidad de las Artes de Tokio en 1976, se unió a la famosa Ryuko Animation Company (esta compañía debería ser familiar para el público nacional. Ellos Se han proyectado en China muchos dibujos animados como "Space Knight". Las obras representativas incluyen "Revival Boy", "Mobile Police" y "Ghost in the Shell". En 2004, ganó el Premio Japonés de Ciencia Ficción por la animación dramática "Innocent".
Es mejor conocido por supervisar la serie de televisión "The Boys". Este trabajo ha ganado muchos elogios en Japón e incluso en muchos países del este de Asia. Además del estilo cómico original, también añadió muchas de sus propias técnicas de producción a este trabajo, demostrando con éxito sus pensamientos personales únicos, técnicas de segmentación de lentes y procesamiento de atmósferas, que atrajeron la atención generalizada de todos los ámbitos de la vida.
La versión teatral de 1982 de "Renaissance Boy Only You" es el primer trabajo cinematográfico de Mamoru Oshii. Tiene mejor contenido que la versión televisiva. Las actuaciones líricas se pueden ver en todas partes, lo que refleja plenamente el talento de Mamoru Oshii.
Aunque la versión teatral de 1984 de "Renaissance Boy 2 ~Beautiful Dreamer" no tuvo un desempeño tan bueno como su predecesor "Only You", dio rienda suelta al talento de Oshii Mamoru y se convirtió en una apuesta.
La obra maestra en la carrera de Shou como director se ha convertido también en una obra en la que su estilo personal ha quedado plenamente formado. La película utiliza muchas imágenes fijas con un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, añadiendo un poco de color artístico a una animación muy comercial. El extraño mundo de "Renaissance Boy" dio a conocer su nombre al público de inmediato, y también es un trabajo excelente para él. Un análisis exhaustivo de la obra original con una expresión cinematográfica y una trama concisas, reensambladas en el mundo ficticio de la animación. Las obras de Oshii en este estilo inevitablemente tienen algunas partes que se dice que están "fuera de control" y que no gustan a los seguidores originales. Sin embargo, no violó el trabajo original sobre cuestiones fundamentales. La visión del mundo original se introdujo de forma gradual y natural en el "mundo diferente" donde el juego es rentable. No importa qué tipo de "Rampage" se lance, debe derivar del amor por el trabajo original. Este equilibrio entre "amor" y "escape" es el sentimiento único y maravilloso del mundo de Betting Well. "Renaissance Boy" ha sido animado repetidamente, y sólo este trabajo puede considerarse el mejor.
En 1983 se estrenó "Angel's Egg" de Mamoru Oshii. Esta es la primera serie de OVA en la historia de la animación japonesa. Un total de 10 episodios de "Dallos" también abrieron el mercado de OVA, dando al círculo de animación y a los animadores otra salida (la nueva generación de animadores debería proporcionar el nombre de Mamoru Oshii en honor a Osamu Tezuka, porque trabajó en Adding a piece of fat to el plato de arroz de todos). Esta película muestra "¿Es este mi sueño?" desde una perspectiva positiva, profundamente en las obras de Mamoru Oshii. El tema "¿Quién soy yo en el sueño, un momento en el sueño" no es sólo una expresión visual de la profunda psicología de Oshii Mamoru, sino también la obra más importante sobre el mundo de las "Apuestas Bien".
En 1988, Mamoru Oshii, junto con el famoso ilustrador Akemi Takada, el guionista Kazunori Ito y el autor original Masami Yuki, lanzaron conjuntamente la versión OVA de la animación clásica "Mobile Police". Esta famosa obra ciertamente no necesita presentación, su éxito ha estado ahí para que todos lo vean. Después de este trabajo, Kazuma Ito se convirtió en el guionista real de Mamoru Oshii, comenzando con "Mobile Police".
Mientras esté dirigida por Mamoru Oshii, el personaje del exmarido de Akemi Takada será el guionista ejecutivo. En los siguientes seis años, Oshii Mamoru, Ito y otros han estado produciendo trabajos relacionados con la policía móvil.
En "Long Live the Ancestors" de 1989, se utilizan fondos, líneas y acciones cuidadosamente seleccionadas a lo largo de la historia en forma de obra de teatro. Como tecnología, esto es interesante. Todo el artículo gira en torno a "La risa irónica", que es una de las obras más destacadas de Yasui Masaru.
Además de OVA, su invencible combinación lanzó dos versiones teatrales de "Mobile Police" en 1989 y 1993. Sin embargo, los finales de ambas obras fueron "muy exitosos, pero también agridulces". Después de que el estilo sombrío y consistente de Oshii Mamoru se incorporó a "Patlabor", el sabor relajado y filosófico de la versión televisiva desapareció. Aunque la escena de tropas aerotransportadas y soldados móviles agitando armas móviles fuera de control como hojas caídas meciéndose con el viento y la lluvia fue muy elogiada por las películas comerciales estadounidenses, el estilo demasiado emergente de Mamoru Oshii está lejos de la esencia de Mobile Police. Abandonar a la heroína más popular, Izumi, y elegir a los silenciosos Nagumo y Goto es obviamente una ruta para adultos, pero crear otra forma que sea inconsistente con el trabajo original definitivamente no venderá a la audiencia. Ambas películas dan a la gente una sensación de frialdad en cuanto al uso de la cámara y el tono. Las historias están predispuestas hacia el llamado sentimiento de estar preparados para el peligro en tiempos de paz, acusando a los seres humanos de entregarse a la falsa paz del momento sin uno mismo. -reflexión.
En 1993, apareció "Mobile Police Patlabor2TheMovie" en el mundo real imaginario definitivo que persigue sentimientos verdaderos. Como segunda obra de la versión teatral, el contenido es más serio que el trabajo anterior en todos los aspectos. Se suponía que la policía ambulante y las armas del futuro cercano de la película aparecerían años después, pero las historias basadas en ellas están llenas de realismo. En la película todo lo que puedes ver recibe la máxima información, y toda la información está relacionada con el misterio que es el centro de la trama. Este es el nivel más alto de regulación del juego. A medida que se desentraña el misterio, nos sumergimos en la obra.
Del año 65438 al 0994, Mamoru Oshii se involucró en la industria del cómic y colaboró con el dibujante Satoshi Kon, a quien Katsuhiro Otomo admiraba, para crear el cómic de ciencia ficción "Seraph", que fue publicado en la revista de animación " ANIMAGE" serializado. Sin embargo, Mamoru Oshii se vio obligado a abandonar la cooperación en el manga debido a la necesidad de encargarse de la versión cinematográfica del anime "Conquest Force" de otro gran nombre de la industria del manga, Shirow Masamune.
"El fantasma en el caparazón de la tortuga", lanzado en 1995, es la famosa obra de Mamoru Oshii en el campo de la animación mundial. También es la vanguardia de la animación japonesa y representa el límite entre la ficción y la realidad. El mundialmente famoso "estilo de animación japonés" ocupa un lugar destacado en este trabajo. El libro se estrenó simultáneamente en Japón, el Reino Unido y los Estados Unidos, y pronto encabezó la lista de la revista estadounidense "Billboard". Incluso el director Yuan Tan Nick escribió un artículo para la versión japonesa LD de la película. Se verá lo impresionante que es la actuación de esta película. Pronto, la película incluso llegó a Hollywood, donde también obtuvo elogios de la crítica. Desde entonces se ha convertido en una obra maestra de la animación japonesa. Aunque el cómic original es un tema importante en torno a los fantasmas, en la versión cinematográfica, como tema principal del juego, el "límite entre realidad y ficción" es más claro. El encanto de Mamoru Oshii es que siempre tiene sus propios temas de los que hablar y los refleja objetivamente. También se refleja en su sentido del equilibrio con la obra original, que es única.
Desde la victoria de "Conquest Team", Mamoru Oshii ha recibido un mayor presupuesto de producción y desde entonces se ha embarcado en el camino de la producción a gran escala y con un gran presupuesto, con el lujo adquiriendo mayor protagonismo. Ahora, Mamoru Oshii está preparando un nuevo trabajo, que es la película totalmente digital "GRM", dirigida nuevamente a Hollywood y cuyo estreno está previsto para 2001.
G. Resonancia magnética
G. r. m. garmwar (ガルム), un proyecto con un presupuesto de hasta 8 mil millones de yenes (por ejemplo, 4 mil millones de yenes). se encargó de supervisarlo, pero posteriormente el presupuesto se redujo significativamente y el proyecto permanece congelado hasta el día de hoy.
Otomo Katsuhiro:
Si Miyazaki Hayao es el pionero de la animación japonesa en el mundo, entonces Otomo Katsuhiro es su sucesor. Desde la década de 1980 hasta la de 1990, sus obras atrajeron la atención internacional como Hayao Miyazaki y His Life. La creación del cómic de Otomo Katsuhiro fue mucho anterior a la animación y logró buenos resultados. Ganó varios premios de cómic, el más especial de los cuales fue el "Cuarto Premio de Ciencia Ficción de Japón" de Meng Tong en 1983. En el pasado, este premio sólo se otorgaba a escritores de ciencia ficción, y Otomo Katsuhiro se convirtió en el primer dibujante en ganar este honor. Katsuhiro Otomo hizo su debut en 1973 con "The Sound of Guns" (publicado en "Manga Action"). Posteriormente, se concentró en publicar varios cuentos en la misma revista. Desde su debut, sus meticulosas descripciones y su inteligente desarrollo de la historia han sido muy elogiados. "Otros trabajos del Maestro Judah incluyen "Meng Tong", "Atmosphere of War", "Farewell", etc.
Otomo Katsuhiro dijo que sus cómics son muy diferentes de los demás. Dijo: "Mis cómics son Muy realista en los detalles de los personajes y los fondos, y la animación también continúa con esta característica. Mis obras no dan a la gente una sensación plana como los cómics comunes, pero tienen un espacio profundo, que produce una sensación aterradora de realidad. El trabajo es demasiado real y Otomo Katsuhiro también se da cuenta de que puede no ser muy popular entre los fans de Accept, por lo que insistió en que “la historia y el protagonista deben destacarse para atraer lectores.
Como resultado, como esperaba, los protagonistas de "Akira" y "Montong" tienen personalidades sobresalientes, trayendo nuevos horizontes al mundo de la animación y el manga. El tema de la obra es profundo. Katsuhiro Otomo extendió la vitalidad de los cómics a la animación, lo que causó un mayor impacto. Esto puede deberse a la influencia de Hayao Miyazaki. Otomo Katsuhiro dijo una vez que su nuevo trabajo "Steam Boy" es similar en arte y estilo de época a la película animada "Detective Dogs" dirigida por Hayao Miyazaki.
De hecho, aunque sus obras tengan estilos completamente diferentes, mostrarán en sus obras su insatisfacción con la realidad. Katsuhiro Otomo tuvo una experiencia profunda al filmar "Akira". Cuando su hijo estaba en la escuela primaria, participaba en competiciones deportivas. Los padres, cámara en mano, siguieron un pequeño juego y el colegio no pudo detenerlo. Otomo Katsuhiro se lamentó: "Los japoneses ni siquiera tienen un sentido de la moral pública. Aunque los protagonistas Kaneda y Tetsuo en la obra maestra de Otomo Katsuhiro "Akira" son malos elementos que alteran el orden, lo hacen conscientemente, lo cual es mejor que aquellos que Rompe inconscientemente las reglas. La gente es mucho mejor. El tema profundo de la obra hace que la influencia del trabajo de Otomo Katsuhiro se extienda por Europa y Estados Unidos. La obra maestra "Akira" rompió el récord de animación japonesa, con un número total de pinturas. 654,38+0,5 millones de yenes. La película incluso simuló una sincronización de labios de una persona real, lo que ha causado revuelo desde entonces y se ha estrenado en seis idiomas en todo el mundo, con unos ingresos netos de 10.000 dólares estadounidenses. >
"Memories" fue creada por Katsuhiro Otomo y dos nuevos animadores, Koji Morimoto y Entre ellos, "Gun Street" es una colección de animación de 3 unidades creada por Okamura Tensai y dirigida por Katsuhiro Otomo. La historia es de 22 minutos. explicó una escena a la vez. Solo la plataforma de rodaje tiene 10 metros de largo. Un avance audaz en la historia de la animación.
Otomo Katsuhiro no solo crea cómics, sino que también se dedica a ilustraciones y anuncios. La colección de Kaba incluye sus obras desde su debut hasta 1989, y algunas de sus obras aún no han sido publicadas. El álbum fue reeditado recientemente en Japón, pero no hay muchos trabajos publicitarios de Judah. Los carteles fueron producidos por Katsuhiro Otomo para Canon. Las cámaras son muy raras.
Kon Satoshi:
El chico Gundam.
Público que nació en los años 60 y se enamoró de los dibujos animados de robots de televisión. En la década de 1970, nunca olvidará la conmoción provocada por "Mobile Suit Gundam". Luego, utilizó la rígida dicotomía de lealtad y traición para transformar la estructura unitaria de un episodio en una "serie larga". La personalidad y la apariencia del personaje cambian con el desarrollo. de la historia. La revolución de "Mobile Suit" no sólo eleva la animación a otro nivel, también ha atraído a muchos jóvenes a unirse a las filas de la creación de animación.
Kon Satoshi se enamoró de la serie Gundam en la escuela secundaria. Más tarde, Satoshi Kon comenzó a publicar cómics en la revista "Youth". A principios de la década de 1990, había publicado cómics como "Return to the Sea" y "Horror of the World". Apartamento".
Kon Satoshi no solo es un fanático de la animación. También es un gran fanático, lo que le da a sus obras de cómic un fuerte sentido cinematográfico y se enfoca en organizar cada pintura a través de la segmentación cinematográfica. Esta característica tiene También ha continuado en sus trabajos de animación, y ha tomado un camino con la corriente principal de hoy. La animación es un camino completamente diferente
Stilts de Otomo Katsuhiro
En 1990, Kon sirvió como arte. Diseñador de "Old Man Z" de Otomo Katsuhiro y entró oficialmente en la industria de la animación. Esto comenzó su colaboración a largo plazo con Judas. Desde el montaje de dibujos animados hasta los colores brillantes y gruesos de la animación, Kon obviamente estuvo influenciado por Otomo Katsuhiro. No es de extrañar que la industria de la animación japonesa siempre haya considerado a Judah como el maestro de Kon Satoshi, y este famoso maestro que es 10 años mayor que él es realmente raro durante muchos años y ha estado buscando oportunidades para que sus aprendices cooperen. su maestro. También sirvió personalmente como planificador de su aprendiz Lan Ai.
Se trata de terror psicológico.
En los últimos años, la tecnología de la animación japonesa se ha vuelto omnipotente, y maestros de todos los ámbitos de la vida han construido sus propios mundos de animación sobre esta base: Mamoru Oshii busca la definición de identidad entre virtualidad y realidad; expresa cuidado humanista en sueños de cuentos de hadas Otomo Katsuhiro persigue una visión amplia... Sólo Kon Satoshi, en su "Blue Fear", abandonó el exquisito estilo de pintura, escenas extrañas, etc. Las habilidades de Aplausos solo se centran en la narrativa; , creando una animación de suspenso psicológico llena de suspenso.
La heroína de "Blue" no es indiferente. Planea transformarse de una cantante ídolo de segundo nivel a una actriz de televisión, sin embargo, sufre de esquizofrenia y los fotógrafos, guionistas y gerentes que la rodean. son asesinados uno tras otro. La realidad y la fantasía en la película se entrelazan a través de técnicas de edición, aportando muchas posibilidades al desarrollo de la historia. Finalmente, apareció el verdadero asesino, y la audiencia quedó impactada por todas las discusiones anteriores y pudo interpretarlo desde una nueva perspectiva; sin embargo, la experiencia entumecida también reveló la tragedia de las personas que se pierden en la cultura de los ídolos;
Buscando el amor milenario
En "Millennium Actriz", Satoshi Kon una vez más viaja entre los sueños y la realidad. En la película, el propietario de una compañía cinematográfica y fotógrafo entrevista a la actriz Chiyoko Fujiwara, quien se jubiló repentinamente hace 30 años. Como superestrella de la posguerra, Chiyoko viajó a través de miles de montañas en busca de su primer amor después de los períodos de los Estados Combatientes, Shogunato, Taisho y Showa en Japón. Sin embargo, el amante de los sueños murió en la guerra. Chiyoko, que no sabe nada de esto, sufre desde hace muchos años por parte de sus familiares.
Quizás sea precisamente por el romance y la tristeza japoneses que "Millennium Actriz" ganó numerosos premios en Japón e internacionalmente, y también atrajo a DreamWorks a hacer una excepción y comprar los derechos para distribuir la película en Estados Unidos.
Xin Haicheng: Xin Haicheng, hombre, nacido el 9 de febrero de 1973, vive en la prefectura de Saitama. Estudié chino en la universidad y trabajé en Falcom Game Club de 1996 a 2001. Actualmente trabajo como freelance, principalmente haciendo animación personal.
La animación OP de Ys2 Forever debería estar fresca en la memoria de los jugadores de Falcom. Magníficos efectos de animación 2D combinados con un ritmo casi perfecto dan a la gente una fuerte sensación de shock. Esta es una de las obras maestras de Makoto Shinkai durante sus cinco años en el F Club. De 65438 a 0996, después de graduarse de la Universidad, Xin Haicheng se unió al Falcom Game Club japonés (generalmente aparece en nombre de Xin Jincheng en asuntos relacionados), responsable de programación, arte, animación, producción de videos promocionales, etc. Mientras estaba en Falcom, Xinhai comenzó a crear cortometrajes de animación personales. Incluyendo el cortometraje en blanco y negro de 1997 "The Distant World" (1 minuto y 30 segundos), el cortometraje en 3D de 1998 "The World Surrounded" (30 segundos) y el cortometraje en blanco y negro de 1999-2000 "Her and Her". Gato" (5 minutos). A principios del verano de 2000, Xinhai comenzó a producir la animación de imagen personal "Voice of the Stars". Pero debido al intenso trabajo, la voz de la estrella se estancó por un tiempo. En mayo de 2001, Xinhai presentó su dimisión a Falcom. Después de eso, la producción de "Voice of the Stars" se puso en marcha y se completó en junio de 5438 + octubre de 2002, lo que tomó un total de 7 meses. Además, Shinkai también participó en la producción de animación de apertura de los juegos de Minori Games Club "Bitterweet Fools" (2001+0) y "Wind a Breath of Heart" (2002). En 2003, la nueva película de Makoto Shinkai, "Más allá de las nubes", se ambientó en un lugar acordado (50 minutos programados). En términos de entorno y trama, es más estable y natural que las voces rígidas de las celebridades. Tazawa fue más allá en el diseño de personal, compensando la palidez del diseño de Xinhai. Se desempeñó como director de animación del juego de Minori Game Club "EF-First Story" (2006).
No entraré en detalles sobre sus obras. ¡Hablemos de mi evaluación personal de él!
En el campo de la supervisión de animación japonesa, ¡Makoto Shinkai es mi favorito! Fue la primera vez que vi su obra "La Voz de las Estrellas". Aunque la gente que estaba dentro era muy normal, aun así me produjo un shock absoluto y un shock para mi alma... ya fuera la trama, la música o la producción. ¿Cómo puedes mirar más sus obras y descubrir que el nivel de producción de la mayoría de las animaciones simplemente está más allá de tu comprensión? :-)! ¡Pero su trabajo definitivamente resuena en la gente! ¡Ni siquiera tienes el valor de leer algunas de sus obras una y otra vez! Jaja, no digas demasiado, se habla sin fin. Sus obras:
La voz de las estrellas, El otro lado de las nubes, El lugar prometido, 5 centímetros por segundo, espero que definitivamente la veas.
¡Creo que no te decepcionarás!