¿Cuáles son las características de las pinturas de Auguste Renoir?
Originalmente, estuvo muy asociado al movimiento impresionista. Sus primeras obras son obras típicas del impresionismo que registran la vida real, llenas de un brillo deslumbrante. Pero a mediados de la década de 1880 (siglo XVIII), se separó del movimiento impresionista y se dedicó al retrato y al retrato, especialmente al retrato femenino, ejerciendo sus técnicas pictóricas más rigurosas y formales.
De todos los pintores impresionistas, Renoir es probablemente el más popular porque pintó niños hermosos, flores, paisajes hermosos y, sobre todo, mujeres encantadoras. Estos son instantáneamente atractivos. Renoir expresó sus sentimientos de placer directamente sobre el lienzo. Una vez dijo: "¿Por qué el arte no puede ser bello? Ya hay suficientes cosas feas en el mundo". También era un admirador de las imágenes femeninas. Dijo: "Sólo puedo completar un retrato del cuerpo humano cuando siento que puedo tocar a la persona en la pintura".
Renoir era un miembro más joven de la escuela impresionista, un año menor que Monet. . edad. La mayoría de las obras de la vida del artista representan a mujeres jóvenes, especialmente sus desnudos, en tonos brillantes, fuertes y cálidos. Utilizó una técnica tradicional especial para representar la piel suave y elástica y la figura regordeta de las mujeres jóvenes. Aunque también pintó muchos paisajes al aire libre e imágenes de niños inocentes, los desnudos y las imágenes femeninas dominaron las obras de su vida. Sus pinturas al óleo de cuerpos humanos son diferentes de la hipócrita artificialidad perseguida por pintores académicos anteriores. Los cuerpos femeninos de Renoir están llenos de alegría y energía juvenil. Todos son como Eva en el Jardín del Edén, que nunca probó el fruto prohibido. Son despreocupados y encantadores.
Renoir utilizó los principios del impresionismo para crear un hermoso mundo onírico, una nueva "Isla Venus", y luego la envió a París a finales del siglo XIX. Este baile en la Rue Moulin Rouge encarna el momento más impresionista de su vida. Aunque la pintura representa un país de las maravillas etéreo, las personas que están dentro están vestidas con ropa contemporánea. Los hombres usan sombreros de copa o sombreros de paja, y las mujeres usan faldas con aros que cubren sus cinturas. En este cuadro, una escena ordinaria de un baile bohemio al aire libre se convierte, para una bella mujer y un hombre atento, en un sueño lleno de luz y color. Los rayos de luz que destellan sobre las formas coloreadas de las figuras: azul, rosa y amarillo, detalles que se funden en el humo romántico, suavizan la belleza de todas estas personas felices y aumentan el valor de esta belleza.
Renoir inicialmente siguió al pintor Courbet, simpatizando y apoyando a Courbet contra el arte académico. Él mismo siguió estrictamente la vida real y supo combinar la luz y el color del impresionismo con la pintura tradicional europea. Debido a que fue aprendiz en una fábrica de porcelana cuando era joven, utilizó esta delicada técnica en la creación de sus retratos. Antes de colaborar con los impresionistas, expuso en el Salón Oficial un cuadro de género "Esmeralda" basado en la novela de Víctor Hugo "El jorobado de Notre Dame", que la mostraba bailando y tocando en la calle en la plaza de Notre Dame. Pero más tarde sintió que imitaba demasiado las pinturas anteriores y no tenía características individuales. Aunque fue elogiado por el salón, siempre se avergonzó de su búsqueda artística y rompió la pintura en secreto.
Desde que siguió a Courbet en la pintura, su pintura se ha relajado un poco, pero desde el punto de vista compositivo, tanto los personajes seleccionados como los detalles del cuadro todavía tienen el carácter de imitar a Courbet aunque el cuadro La imagen. La imagen de la diosa del cuadro fue creada por una mujer popular y luego fue rechazada por el salón. Tomar el camino que otros han tomado no es lo que él quiere hacer. Renoir aprendió una verdad del cuadro de Manet "El almuerzo sobre la hierba": asistir a exposiciones oficiales siempre será un callejón sin salida para su arte. Para encontrar un nuevo camino, hay que atreverse a aceptar el desafío.
En 1870, Renoir tenía 29 años, su carrera aún no había despuntado y atravesaba dificultades económicas. Tenía que ir a la casa de empeño de vez en cuando y mudarse de un loft a otro varias veces. Durante este período, fue a Argenteuil y siguió a Monet en sus bocetos al aire libre para comprender y sentir los efectos de la luz y el color en la naturaleza.
"Estanque de ranas" fue pintado cuando siguió a Monet a un lugar pintoresco en las afueras de París. Este estanque de ranas no está lejos del río Sena. Cuando Renoir y Monet estaban pintando allí, se sabía que cerca había un restaurante del tío Funes, y que Monet estaba cenando allí. Pintaron juntos y Renoir debió frecuentar el restaurante. El cuadro de Renoir "El estanque de las ranas" siguió plenamente el consejo de Monet y se centró en la relación entre el agua y el reflejo. Pintó dos cuadros con la misma composición, intentando expresar las sensaciones de luz y color con pequeñas pinceladas claras. La superficie del agua es brillante, los colores se reflejan fácilmente y la impresión visual es fuerte. Este cuadro se convirtió así en la creación de "entrada" de Renoir al impresionismo.
La Caja fue una de las primeras exposiciones de pintura impresionista de Renoir. Envió siete óleos a la vez. A partir de sus "impresiones" en el teatro, regresó al estudio y contrató a una modelo para pintar. La mujer del vestido frente al cuadro está vestida como una modelo llamada Nini Robles. La imagen del caballero de mediana edad con un telescopio a la espalda fue creada por uno de los hermanos de Renoir. Curiosamente, la pintura impresionista también se podía realizar en el salón, y logró pintar la atmósfera de un rincón del teatro. Especialmente las expresiones de los dos personajes en la pantalla no dan señales de haber sido escenificadas. Parecían estar mirando la obra con gran atención, intoxicados por la representación teatral en ese momento. Esta placa, aunque gran parte del marco está recortada, sólo acentúa la figura de la dama dentro de la caja. Debido a que Renoir representó la atmósfera de color, el público podía sentir la atmósfera de un público de teatro. El rostro maquillado de la dama contrasta marcadamente con el caballero detrás de ella.
El color de la caja es cálido. Se compone de colores rosa, blanco y negro. Destaca el vestido negro de rayas de esta mujer. Estas gruesas rayas negras y el blanco claro de su cuerpo hacen eco del abrigo negro y la camisa blanca del caballero. El uso del negro era tabú entre los pintores impresionistas porque la luz exterior apenas reflejaba el negro puro. Quizás Renoir lo añadió gradualmente con pequeños trazos, para que no haya ninguna sensación de terquedad.
La pintura del retrato tuvo un período largo y próspero en la historia de la pintura europea. Los retratos impresionistas fueron más coloridos y activos. Los retratos de Renoir se ganaron la admiración de estudiosos posteriores. Renoir es famoso por pintar mujeres desnudas. Su amor por el cuerpo femenino comenzó ya después de la guerra franco-prusiana. Durante la guerra se unió a la caballería. Tan pronto como se declaró la paz, dejó su carabina y regresó a París para hacer lo que siempre hizo: sentarse frente a su caballete y pintar sus retratos favoritos.
65438+Los retratos más famosos del Impresionismo de los años 70 son los tres cuadros que aquí se aprecian.
El retrato de Madame Monet fue realizado durante la Primera Exposición Impresionista. En ese momento, siguió a Monet y cofundó el "Salón" impresionista. En este cuadro, la búsqueda de la luz y el color casi fascinó a Renoir. Madame Monet y su hijo están sentados en la hierba, completamente bañados por el cálido sol. Su vestido se reflejaba fuertemente en la luz del sol sobre la hierba amarilla, por lo que la pintora sólo utilizó un color rosa claro para desarrollar la historia, y la pincelada fue bastante simple.
"Retrato de Lady Samantha" es el más maravilloso de los dos cuadros del mismo nombre. La famosa actriz que aparecía a menudo en los salones de París era también una mariposa social. Su nombre es Jenny Shamari. Este busto utiliza un enfoque impresionista, abordando la belleza juvenil en una atmósfera de luz y color. Se apoyó la barbilla con la mano izquierda y miró al público. Sus pechos regordetes quedaron reflejados por la luz fuerte y el contorno no era muy claro. No se debe subestimar la experiencia de Renoir como ceramista, ya que su capacidad para representar el color transparente influyó en gran medida en su estilo personal. Renoir pintó muchos retratos vestidos y desnudos, pero nunca dio ideas a sus propios retratos. Utiliza la emoción de un observador sincero para explorar nuevas formas de dar forma. Utilizó el principio del análisis prismático del espectro para descomponer todos los detalles plásticos en innumerables pequeños trazos y los pintó uno al lado del otro en el lienzo.
Retrato de Madame Henrique (1876) ilustra las técnicas que aprendió desde sus primeros años en la alfarería. La señora Henrio se sentó allí en silencio, con tonos extremadamente suaves y colores puros y transparentes, dando a la gente una sensación de atmósfera llena de niebla, y todo a su alrededor estaba integrado. Si te alejas un poco de la mujer, obtienes una ilusión de color impredecible y no puedes saber en qué entorno se encuentra el personaje. El fondo casi se mezcla con esta hermosa imagen, pero el rostro está representado con detalle. El cofre que da la sensación de subir y bajar no está hecho de pintura plana, sino de colores armoniosos con varias pinceladas finas.
Este es el modelismo característico de los pintores de esta época. Renoir es considerado un impresionista, pero expuso varias pinturas en exposiciones de arte impresionista. De hecho, cuando ingresó en Grey Studio, con 21 años, cayó rendido a los pies del clasicismo. Desde 65438 hasta 0874, su tendencia básica se decidió después de asistir a la primera exposición impresionista. Pronto rompió con el impresionismo y recurrió al Salón, donde logró el éxito. En todas las obras humanas de Renoir (se estima que son unas 4.000), no hay el más mínimo atisbo de tristeza e inquietud. Como impresionista, fue atacado políticamente y se le pusieron muchos obstáculos en el camino, lo que hizo que sus primeras experiencias fueran dolorosas.
Desde los 41 años ha estado enfermo con frecuencia. Durante los últimos 15 años de su vida sufrió de artritis y apenas podía vivir sin una carretilla. Tenía que dibujar con el pincel atado a su mano rígida. Sorprendentemente, en este momento no quedan rastros de sufrimiento personal en su obra. Su arte siempre afirma la belleza de la vida. Instintivamente elige cosas felices que le son familiares: la vida en la calle, la belleza del paisaje rural, las flores o las frutas, un intérprete casual frente al piano, un cuerpo femenino sano y joven. Es particularmente sensible a la delicadeza floral de los niños. Tenía un extraordinario sentido de la vida a su alrededor. Las sombras y los dolores quedaron excluidos de él.
En sus últimos años, una enfermedad le impidió ampliar sus horizontes y llegó a un callejón sin salida en la pintura del cuerpo humano. Aún así, sería inapropiado hacer comentarios frívolos sobre su búsqueda. Renoir no era un artista frívolo. Su arte siempre permite a las personas ver el lado feliz y dulce de la vida.
En la pintura de Renoir, un área importante es el retrato. Como notamos al admirar el "Retrato de Madame Henrique", la pureza y transparencia del color es una característica importante de los retratos de Renoir. En la década de 1970, Renoir pintó varios de sus retratos más exitosos, a saber, dos retratos de Vito Chauquet (1876), dos retratos de Shammaria (1877) y Madame Chabandier y su retrato de niños de varias figuras. Renoir, que entraba en el apogeo de su carrera artística, no tuvo suerte en su vida personal. La pobreza lo obligó a plantar campos de patatas con Monet y a ganarse la vida vendiendo patatas. Después de que la primera exposición de pintura impresionista fuera ridiculizada por la sociedad, al año siguiente publicó 14 pinturas de género, entre ellas "Pancake Shop", que también atrajo muchas críticas. Alguien escribió en Le Figaro en tono sermoneador: "Recuérdele al señor Renoir que el cuerpo de una mujer no es un montón de carroña. Hay manchas verdes y moradas en su cuerpo completamente podrido".
Por supuesto, hay muchas personas justas que lo defienden. Pero para ganarse la vida, también tuvo que pintar muchos retratos de otras personas.
Recuperó su reputación en el retrato. Las pinturas de pequeñas fases mencionadas anteriormente son ejemplos de esa época. Vito Chauquet era un admirador del arte de Renoir y era perspicaz, pero no era más que un funcionario en París. Tanto Renoir como Cézanne lo pintaron. "Retratos de Samari" son dos de los retratos más exquisitos que el artista jamás haya pintado de la actriz Jeanne Samari. Uno es un retrato de cuerpo entero; el otro es un busto. En estos retratos, los colores están llenos de pasión y entusiasmo.
Este cuadro "La señora Charbantier y sus hijos" es su famosa obra de los años 1970.
La señora Charbandier es la esposa de un famoso editor, una socialité y anfitriona de un salón. Se hizo amiga de celebridades de los círculos literarios y artísticos. Escritores como Zola, Maupassant, Flaubert, Edmond Goncourt, Turgenev y otros visitaban a menudo su salón. Los artistas incluyen a Henner, Carolus Durrant y otros. Renoir pronto se convirtió en un visitante habitual de su salón. Fue allí donde el pintor conoció a la famosa actriz Jeanne Shamari. Esta pintura fue encargada por esta señora.
Aprovechando al máximo sus arraigadas habilidades de estilismo, adquiridas en su juventud en el estudio Glaire, de las que agradece. El espacioso interior refleja el estado de ánimo de la mujer y sus dos inocentes hijas. La mujer se sentó al lado derecho de los niños, mirando tranquilamente a sus dos hijas. La expresión inocente del niño está vívidamente representada y los dos parecen estar conversando de manera caprichosa. Una niña a la izquierda está sentada sobre el lomo de un perro grande. Todo el panorama está lleno de diversión familiar exclusiva de las familias adineradas. El fondo es de color rojo parduzco y hay un fuerte contraste en el color de la ropa entre los personajes. El vestido negro de la mujer domina el conjunto, haciendo aún más abruptas las faldas celestes y blancas de las dos niñas de la izquierda.
Este cuadro fue bien recibido en el Salón de París de 1879. La vida cambió para mejor para Renoir. Recibió una remuneración de 65.438+0.000 francos, lo que fue como rocío que caía del cielo para los artistas pobres de aquella época. A partir de entonces, los clientes que encargaban sus retratos llegaron en masa, sin mencionar la transformación económica. Renoir no sólo pintó un retrato de Madame Charpentier, sino que también pintó retratos de la madre y la hija de la dama. Por lo tanto, no es sólo esta pieza de "Madame Chabandier y sus hijos" la seleccionada para la exposición del Salón. A pesar de esto, Renoir no olvidó sus objetivos declarados debido al reconocimiento del salón. Aprecia este sentimiento auténtico de la vida, pero también su habilidad con el color en la luz exterior, que adquirió a través de largos esfuerzos.
Los ocho años de Renoir, de 1881 a 1888, fueron un período de cambio en su estilo. Tras su éxito en el Salón de 1879, empezó a viajar. Encargar retratos transformó su vida de la pobreza a la riqueza. Durante la primera mitad de su vida recorrió la ciudad de París y las orillas del Sena. Esta vez quería cumplir su ansiado deseo de viajar y hacer turismo. El primer destino fue la costa de Normandía, luego al oeste de Croix. En la primavera de 1881 fui a Argel. Ese verano volvió a Normandía y en otoño viajó a Italia, incluyendo Roma, Venecia, Florencia, Nápoles, Pompeya y otros lugares. El mecanismo que impulsó el cambio en su estilo pictórico fue este viaje a Italia. Cuando Renoir visitó los antiguos murales romanos de Pompeya, descubrió que sus colores eran simples, densos y hermosos. Esos antiguos murales eran rojizos, pertenecientes al color rico y bermellón. Más adelante en su vida, Renoir pintó un retrato de una mujer desnuda usando este tono "rojo pompeyano". Los murales antiguos generalmente utilizan pocos colores, pero los efectos son extremadamente ricos. Esto le hizo comprender que el tema de una pintura suele desempeñar un papel clave. En 1883 compró en una librería de segunda mano de Francia un ejemplar de "Sobre la pintura", escrito por el pintor italiano Cinino Cinini a finales del siglo XIV, que le fascinó. Además, aprendió de Italia el secreto de la simplificación del color en la pintura clásica, lo que despertó aún más su entusiasmo por el clasicismo de su predecesor Ángel. Por lo tanto, algunos investigadores llaman al período de Renoir de 1881 a 1888 el "período anglo" o período neoclásico. Más tarde, cuando habló con el pintor Vlal sobre las razones de su cambio de tendencia artística, dijo: "Hacia 1883, estaba al límite del impresionismo. Finalmente tuve que admitir que había agotado mis pinturas al óleo y bocetos, en definitiva, para mí el impresionismo es un callejón sin salida."
Esta es la razón interna por la que rompió con el impresionismo cuando apreciamos sus retratos como "Madame Henrique".
Los dos cuadros aquí, "Paraguas" y "Danza Country", son obras representativas de este pintor que cambió su estilo pictórico.
En "Umbrella" no nos hemos deshecho por completo de la forma en que se describen los colores bajo la influencia de la luz exterior. Este cuadro muestra una primavera en París. Los bulliciosos peatones comenzaron a llover, por lo que los paraguas abiertos formaron una interesante red en forma de arco. El artista se dio cuenta del interés decorativo del propio paraguas en el cuadro. Dibujó estos arcos superpuestos en la parte superior del cuadro. A través de estos paraguas curvos, el espectador ve una escena compleja y animada: en el lado izquierdo del primer plano hay una hermosa joven que sostiene una canasta con varios sombreros a la venta. Un hombre con aspecto de caballero detrás de él la miró fijamente, tratando de complacer a la mujer que sostenía un paraguas para protegerla de la lluvia. A la derecha, en primer plano, dos niñas en el mercado. El más pequeño sostiene un aro de juguete y mira fijamente al público. En el medio hay una escena de dos mujeres bellamente vestidas de pie en el medio.
El de delante parece estar interesado en la niña que sostiene el anillo de hierro en la mano; la mujer de atrás acaba de abrir su paraguas. No hay mucha gente en esta pintura, pero debido al procesamiento superpuesto, las diferentes direcciones del arco del paraguas y la atmósfera tonal general, la escena en la pintura es extremadamente vívida y rica, dando a la gente una sensación de hacinamiento. Renoir utilizó un tono de azul y violeta como tono base, llenando así la imagen con un ritmo simple. La escena es muy conmovedora. La persistente lluvia primaveral en las calles de París añade ritmo de vida a este concurrido mercado.
El cuadro "Country Dance" se ha recortado para resaltar varias figuras danzantes. Se sabe que Renoir pintó varios óleos sobre la pareja de bailarines con el mismo tema pero con diferentes composiciones. El magnífico vestido de la compañera formaba un marcado contraste con el solemne vestido negro del compañero masculino. El pintor se centró en la tez de la compañera y en el vestido de noche de raso plisado. Para dibujar a esta compañera bien proporcionada, el pintor pidió que posara Susan Valentine, una famosa modelo de la época (esta modelo había sido formada durante mucho tiempo por los pintores impresionistas y más tarde se convirtió en pintora). En términos de efecto general, "Country Dance" es más clásica, lo que también molestó a algunos impresionistas. Pero Renoir fue un hombre que nunca estuvo satisfecho con sus logros. Cuando poco a poco sintió que las líneas estables de la pintura clásica entraban en conflicto con su fuerte sentido del color, quiso cambiar su estilo pictórico e incluso cambió su tema.
El estilo pictórico de Rubia bañándose (hacia 1882) pertenece al período en el que su estilo cambió durante su viaje de estudios a Italia, y se inclinó más por el color inherente del objeto. Los tonos brillantes y suaves se acercan a la realidad objetiva. El aire y el color claro del objeto se diluyen. Según los estudiosos, la motivación más antigua para crear esta pintura puede haber procedido de un bajorrelieve del siglo XVII que vio en el Palacio de Versalles. Este relieve fue realizado por Hiladon. Renoir realizó varios bocetos y ejercicios para este relieve. Además, prestó más atención a la pintura clásica en este momento y finalmente completó una pintura de desnudo con una composición rigurosa y llena de textura del cuerpo humano en el estudio. A juzgar por el esbelto cabello rubio, la tez brillante y las líneas precisas y suaves del desnudo, esta pintura ha sido considerada la obra maestra de Renoir durante el período neoclásico.
Las pinturas posteriores de Renoir sobre el cuerpo femenino fueron mucho más numerosas y de mayor calidad que sus obras anteriores. Las mujeres desnudas que pintó a menudo tienen los rasgos radiantes de las pinturas de Rubens, pero también tienen rasgos de rica belleza funcional. A los pintores les gusta pintar la piel de las mujeres tan suave y brillante como perlas. A veces, el cabello de una mujer es esponjoso y sus cejas todavía exudan el encanto de la juventud. A veces parece infantil, pero es sano y maduro. También hay algo tremendamente simple en los pocos trabajos sobre el cuerpo femenino. En definitiva, su estilo de pintura de figuras no parece coincidir con su personalidad y vida. Por ejemplo, la chica desnuda de "La mujer después del baño" (1888) tiene una tez sonrosada que muestra la fuerza y la forma física de la chica. Pinceladas delicadas enmarcan la superficie rica y suave de la piel de esta mujer. Su elástica y seductora imagen corporal femenina no puede relacionarse con la propia vida de Renoir en aquella época.
Toda la pasión de este pintor está volcada en su pintura. En 1894, Renoir padecía artritis reumatoide y el pintor, que tenía más de cincuenta años, fue profundamente torturado por la enfermedad. En los años siguientes, su estado se deterioró y en 1903 tuvo que trasladarse a Canneau en Provenza, en el sur de Francia, para un período de recuperación. El clima más templado del sur puede haber sido beneficioso para su condición. También buscó tratamiento médico de muchas fuentes y se sometió a cirugías en las rodillas, los pies y las manos. Inicialmente, puedes caminar con un bastón. Después de 1910, sus miembros inferiores quedaron paralizados y tuvo que utilizar una silla de ruedas por el resto de su vida. En 1912, quedó paralizado. Después del tratamiento, mejoró un poco y la parte superior de su cuerpo también recuperó sus funciones fisiológicas. Sin embargo, durante un período de enfermedad tan desafortunado, se esforzó por contener la tortura física. Sentado en una silla de ruedas, pintó una gran cantidad de cuadros de desnudos que mostraban la belleza de la juventud femenina y la alegría de vivir. Los cuerpos femeninos posteriores de Renoir realmente pueden mostrar los ricos y delicados colores y texturas del cuerpo humano. Apreciar sus pinturas de figuras hará que la gente sienta que la sangre fluye debajo de la piel, humectando la piel y dándole un color carne rosado.
Se dice que una de las modelos favoritas de Renoir en sus últimos años fue Gabrielle. El pintor a veces le pedía que se vistiera como si se bañara y se limpiara los pies; a veces le pedía que se vistiera como una mujer de diferentes identidades y guiara a los niños; a veces le pedía que usara ropa tosca o la dejara leer un libro; , etc. En cuanto a la imagen del desnudo, suele colocarse en un día soleado. El sol es abundante y muestra la piel tersa como el cristal de las mujeres jóvenes en suaves colores naturales.