¿Qué intentó Pop para lograr la transformación del no arte al arte?
Roy Lichtenstein fue el primer pintor que eligió imágenes de cómics estadounidenses populares en la década de 1950 como temas creativos. La obra se llama Masterpiece y fue creada en 1962.
Arte Popular
Esta forma de arte basada en la cultura popular se llama "Pop Art".
1: El "arte pop" se hizo popular en Estados Unidos y Gran Bretaña desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los sesenta. Los artistas pop solían elegir cosas familiares como tema de sus obras.
2. Sus pinturas o esculturas se basaban en cosas que la gente veía todos los días en esa época. Como latas de sopa y palomitas de maíz, o billetes, gasolineras, señales de tráfico, banderas, etc.
3. Eligen como sujetos cosas que suelen aparecer en periódicos, revistas, televisión y películas, como actores, cantantes, gánsteres, vaqueros e incluso personajes de dibujos animados.
Estilo Pop Art
El estilo del Pop Art no es uniforme.
1: A los artistas pop como Lichtenstein les gusta imitar los estilos artísticos comunes que se encuentran en anuncios y cómics, con pinceladas suaves y muchos bloques monocromáticos.
2 Por otro lado, a Andy Warhol le gustaba imprimir imágenes de estrellas de cine y envases de alimentos sobre lienzo.
3: Hay algunos artistas. A Robert Rauschenberg, por ejemplo, le gustaba unir líneas gruesas.
Todos los artistas pop creen firmemente que quieren presentar la sociedad actual en la que vive la gente, no la sociedad pasada.
En muchos períodos de la historia del desarrollo del arte, algunos artistas Movimientos artísticos que siguen temas, estilos o inspiraciones similares. El arte pop y el impresionismo son ejemplos de movimientos artísticos. Si miramos hacia atrás en la historia, vemos que los artistas se distinguen fácilmente de este "movimiento". En ese tiempo. Los artistas trabajan de forma independiente. Crean arte en diferentes lugares y no copian el trabajo de los demás. Es posible que no se vean a sí mismos como parte del movimiento. Luego, diferenciamos entre diferentes movimientos para entender cómo se desarrolló el arte.
Nuevo Movimiento
¿Por qué se desarrolló el Pop Art en los años 50? ¿Qué estaba pasando en el mundo en ese momento? Sabemos que muchos países europeos comenzaron a retomar la producción nacional en 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial, pero desde la década de 1950, Estados Unidos y el Reino Unido han entrado en un nuevo período de prosperidad. Esta prosperidad impulsó cambios en todos los ámbitos de la sociedad, y también surgió el movimiento Pop en el mundo del arte.
En Broadway en Nueva York en la década de 1960, muchos artistas pop se inspiraron en sus anuncios brillantes y pegadizos y otras imágenes populares.
Cambios en la era de la posguerra (la comodidad, la velocidad y la novedad se convirtieron en algo común)
A mediados de la década de 1950, Estados Unidos y Gran Bretaña se habían transformado en sociedades de consumo. Con el rápido desarrollo de la industria, la población aumentó y la gente se hizo cada vez más rica. Compran más cosas para sus familias y familias que antes. Para muchos, sus objetivos también se han vuelto modernos y de moda. Por ejemplo, en la década de 1950, la gente compraba coches más grandes, televisores, muebles nuevos y afeitadoras eléctricas. Por primera vez se colocaron en los mostradores de las tiendas productos desechables, como bolígrafos, que sólo se usaban unas pocas veces y luego se desechaban.
La gente también empezó a comprar alimentos que no estaban disponibles durante la guerra. Este nuevo tipo de alimentos casi no requiere ningún procesamiento especial antes de su consumo, como las hamburguesas y los alimentos envasados congelados rápidamente (TV fast food). Estos productos están disponibles en supermercados cada vez más grandes, pero son difíciles de encontrar en tiendas privadas.
El auge del arte comercial
Debido a que el poder adquisitivo de las personas está aumentando, las empresas comienzan a competir entre sí para vender más productos. Necesitan personas con habilidades de pintura para crear arte comercial. Este arte incluye el diseño de productos y la publicidad que incita a los clientes a comprar productos.
La publicidad no es algo nuevo, pero después de la guerra, cuando las empresas luchaban por lograr una mayor facturación, las marcas y las imágenes publicitarias fácilmente identificables se volvieron más importantes que nunca. Muchos productos se empaquetan juntos en los supermercados; los anuncios aparecen no sólo en vallas publicitarias y carteles, sino también en revistas coloridas y en las pantallas de televisión.
Antes de la década de 1950, los artistas que trabajaban en las industrias de la publicidad y el diseño normalmente comenzaban un curso de arte tradicional en la escuela de arte, que incluía aprender técnicas de pintura al óleo a partir de pinturas de maestros anteriores. En la década de 1950, se establecieron nuevas escuelas de arte que no requerían el estudio de cursos de arte tradicionales. Esta escuela se especializa en la formación de diseñadores gráficos. Aquí los estudiantes se preparan para futuras carreras relacionadas con el arte comercial.
Cómodo y convencional
En la nueva sociedad de consumo de la década de 1950, la gente quería tener un estilo de vida cómodo. Desde los diversos productos amontonados en los supermercados hasta las comidas congeladas de comida rápida recién salidas del congelador, el deseo de comodidad de la gente está implícito. Los artistas comerciales deben diseñar publicidad y empaques para estos productos.
En la década de 1950, los anunciantes estaban ansiosos por crear eslóganes publicitarios concisos y llamativos, que combinados con imágenes de productos pudieran hacer que los consumidores recordaran más fácilmente sus productos. Un eslogan famoso de esta época fue:
¿Lo usó? Ella es una inútil (Clairol Hairspray. 1957)
Didi Xiang. Todavía tengo más que decir. (Maxwell Coffee, 1959)
Sólo se disuelve en la boca, no en las manos. (M&Chocolate Lady, 1954)
La pintura de la pared de abajo parece parte de un cómic ampliado muchas veces. El rostro del personaje del cuadro está formado por muchos pequeños puntos, como cuando se utiliza una lupa para leer una caricatura publicada en un periódico. Pero, en realidad, no se trata de una imagen de un cómic, sino de una pintura creada por el artista estadounidense Roy Lichtenstein en 1962. Esta obra de estilo caricatura imita imágenes populares de cómics o periódicos que son comunes en la vida de las personas. Este arte, que tenía la imagen más popular en ese momento, fue creado por primera vez a mediados del siglo XX por artistas como Roy Lichtenstein, conocidos como "artistas pop".
Roy Lichtenstein fue el primer pintor que eligió imágenes de cómics estadounidenses populares en la década de 1950 como temas creativos. La obra se llama Masterpiece y fue creada en 1962.
Arte Popular
Esta forma de arte basada en la cultura popular se llama "Pop Art".
1: El "arte pop" se hizo popular en Estados Unidos y Gran Bretaña desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los sesenta. Los artistas pop solían elegir cosas familiares como tema de sus obras.
2. Sus pinturas o esculturas se basaban en cosas que la gente veía todos los días en esa época. Como latas de sopa y palomitas de maíz, o billetes, gasolineras, señales de tráfico, banderas, etc.
3. Eligen como temas cosas que suelen aparecer en periódicos, revistas, televisión y películas, como actores, cantantes, gánsteres, vaqueros e incluso personajes de dibujos animados.
Estilo Pop Art
El estilo del Pop Art no es uniforme.
1: A los artistas pop como Lichtenstein les gusta imitar los estilos artísticos comunes que se encuentran en anuncios y cómics, con pinceladas suaves y muchos bloques monocromáticos.
2 Por otro lado, a Andy Warhol le gustaba imprimir imágenes de estrellas de cine y envases de alimentos sobre lienzo.
3: Hay algunos artistas. A Robert Rauschenberg, por ejemplo, le gustaba unir líneas gruesas.
Todos los artistas pop creen firmemente que quieren presentar la sociedad actual en la que vive la gente, no la sociedad pasada.
En muchos períodos de la historia del desarrollo del arte, algunos artistas Movimientos artísticos que siguen temas, estilos o inspiraciones similares. El arte pop y el impresionismo son ejemplos de movimientos artísticos. Si miramos hacia atrás en la historia, vemos que los artistas se distinguen fácilmente de este "movimiento". En ese tiempo. Los artistas trabajan de forma independiente. Crean arte en diferentes lugares y no copian el trabajo de los demás. Es posible que no se vean a sí mismos como parte del movimiento.
Luego, diferenciamos entre diferentes movimientos para entender cómo se desarrolló el arte.
Nuevo Movimiento
¿Por qué se desarrolló el Pop Art en los años 50? ¿Qué estaba pasando en el mundo en ese momento? Sabemos que muchos países europeos comenzaron a retomar la producción nacional en 1945 al finalizar la Segunda Guerra Mundial, pero desde la década de 1950, Estados Unidos y el Reino Unido han entrado en un nuevo período de prosperidad. Esta prosperidad impulsó cambios en todos los ámbitos de la sociedad, y también surgió el movimiento Pop en el mundo del arte.
En Broadway en Nueva York en la década de 1960, muchos artistas pop se inspiraron en sus anuncios brillantes y pegadizos y otras imágenes populares.
Cambios en la era de la posguerra (la comodidad, la velocidad y la novedad se convirtieron en algo común)
A mediados de la década de 1950, Estados Unidos y Gran Bretaña se habían transformado en sociedades de consumo. Con el rápido desarrollo de la industria, la población aumentó y la gente se hizo cada vez más rica. Compran más cosas para sus familias y familias que antes. Para muchos, sus objetivos también se han vuelto modernos y de moda. Por ejemplo, en la década de 1950, la gente compraba coches más grandes, televisores, muebles nuevos y afeitadoras eléctricas. Por primera vez se colocaron en los mostradores de las tiendas productos desechables, como bolígrafos, que sólo se usaban unas pocas veces y luego se desechaban.
La gente también empezó a comprar alimentos que no estaban disponibles durante la guerra. Este nuevo tipo de alimentos casi no requiere ningún procesamiento especial antes de su consumo, como las hamburguesas y los alimentos envasados congelados rápidamente (TV fast food). Estos productos están disponibles en supermercados cada vez más grandes, pero son difíciles de encontrar en tiendas privadas.
El auge del arte comercial
Debido a que el poder adquisitivo de las personas está aumentando, las empresas comienzan a competir entre sí para vender más productos. Necesitan personas con habilidades de pintura para crear arte comercial. Este arte incluye el diseño de productos y la publicidad que incita a los clientes a comprar productos. La publicidad no es algo nuevo, pero después de la guerra, cuando las empresas luchaban por lograr una mayor facturación, las marcas y las imágenes publicitarias fácilmente identificables se volvieron más importantes que nunca. Muchos productos se empaquetan juntos en los supermercados; los anuncios aparecen no sólo en vallas publicitarias y carteles, sino también en revistas coloridas y en las pantallas de televisión.
Antes de la década de 1950, los artistas que trabajaban en las industrias de la publicidad y el diseño normalmente comenzaban un curso de arte tradicional en la escuela de arte, que incluía aprender técnicas de pintura al óleo a partir de pinturas de maestros anteriores. En la década de 1950, se establecieron nuevas escuelas de arte que no requerían el estudio de cursos de arte tradicionales. Esta escuela se especializa en la formación de diseñadores gráficos. Aquí los estudiantes se preparan para futuras carreras relacionadas con el arte comercial.
Cómodo y convencional
En la nueva sociedad de consumo de la década de 1950, la gente quería tener un estilo de vida cómodo. Desde los diversos productos amontonados en los supermercados hasta las comidas congeladas de comida rápida recién salidas del congelador, el deseo de comodidad de la gente está implícito. Los artistas comerciales deben diseñar publicidad y empaques para estos productos.
En la década de 1950, los anunciantes estaban ansiosos por crear eslóganes publicitarios concisos y llamativos, que combinados con imágenes de productos pudieran hacer que los consumidores recordaran más fácilmente sus productos. Un eslogan famoso de esta época fue:
¿Lo usó? Ella es una inútil (Clairol Hairspray. 1957)
Didi Xiang. Todavía tengo más que decir. (Maxwell Coffee, 1959)
Sólo se disuelve en la boca, no en las manos. (M&Chocolate Lady, 1954)
El arte antes del arte pop en los Estados Unidos
Desde aproximadamente 1942 hasta la década de 1950, aproximadamente en la época en que comenzó el arte pop, el principal movimiento artístico estadounidense fue el abstracto. Expresionismo.
Expresionismo abstracto
1: Algunos artistas expresionistas abstractos, como Mark Rothko, llenaron todo el lienzo con varios colores ricos y oscuros.
2. Jason Brack y otros artistas comenzaron el "arte escénico" donde goteaban, salpicaban o manchaban pintura sobre lienzo.
3. Este tipo de trabajo es abstracto porque no representa un tema obvio y realista. Esto es el expresionismo,
4. Porque el artista quería expresar una emoción profundamente arraigada.
En febrero de 1941, la base naval estadounidense Pearl Harbor fue atacada y el ejército estadounidense entró oficialmente en la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente, comenzó a desarrollarse el movimiento expresionista abstracto. Esta fue la primera vez que muchos estadounidenses vieron los horrores de la guerra en el continente europeo, por lo que algunos artistas sintieron que las formas de arte realistas no podían expresar bien su confusión.
Confundido, confundido, confundido.
El expresionismo abstracto fue un nuevo movimiento artístico de la década de 1940.
Muévete. Artistas representados por Jason Brack. Se creó una imagen expresiva para expresar su creencia en el mundo en constante cambio que los rodea.
El nacimiento del arte antitradicional
Algunos artistas americanos creían que el expresionismo abstracto era demasiado difícil de entender, por lo que empezaron a buscar el desarrollo por otro camino artístico. Allen Caplow y Robert Lawsenberg, por ejemplo, creían que lo que sucedía durante la creación de arte era más emocionante que la pintura o la escultura terminadas.
El proceso de creación artística es más importante que el resultado.
El proceso de creación artística es más importante que el resultado.
El proceso de creación artística es más importante que el resultado.
A finales de los años 50, Kaprow organizó el movimiento "Arte Accidental".
1: En esta forma de arte, el público puede participar en la creación.
2. En algunas artes accidentales, los artistas pueden crear obras de arte a partir de cualquier cosa, desde sillas y comida hasta cigarrillos y calcetines viejos.
Los artistas pueden utilizar cualquier cosa para crear obras de arte.
3. En otras artes incidentales, los artistas sólo representan escenas ordinarias, como ir de compras o barrer las calles.
La clave del arte iconoclasta es la capacidad del público para responder al arte fortuito en un momento y lugar específicos.
4. El arte ocasional de algunos otros artistas musicales, como Red Grum, es como un extraño drama. El público tiene un guión que les orienta sobre qué hacer en esta producción.
El arte ocasional ha sido llamado "neodadaísmo".
El arte ocasional aparece a menudo en galerías, pero también ocurre en calles, estacionamientos y otros lugares poco probables. Este movimiento contra el arte tradicional a veces se denomina "neodadaísmo" porque las creencias de estos artistas eran muy similares a las de los artistas dadaístas de la década de 1920.