¿Cuáles son los estilos de las ilustraciones de moda europeas y americanas? ¿Cuáles son los estilos de ilustración comunes?
A continuación, echemos un vistazo al desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.
1. El comienzo de la ilustración de moda
La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social que causaron estos descubrimientos.
Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.
Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.
Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un creciente número de lectoras deseosas de mantenerse al día con las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.
2. El plato de moda en el siglo XIX
El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.
La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.
Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.
A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.
Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX
Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes.
Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de compras.
Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.
En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.
Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre presentó imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.
Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.
4. La edad de oro de la ilustración de moda
El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.
Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.
Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.
El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".
Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.
verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda
En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.
Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.
Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.
En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.
6. La ilustración de moda hoy
En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.
La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.
Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.
Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.
Bienvenido a la cuenta pública "Painting Practice", obtenga un paquete de regalo de secretos de pintura de ilustradores y conozca los precios de las ilustraciones comerciales en el mundo.
¿Cuáles son los estilos artísticos comunes de las ilustraciones en el diseño de moda? ¿Puedes dar más detalles? 1. Estilo pop
La ilustración de estilo pop apareció y se hizo popular en 20_ Lan50_ Nafen, principalmente a través de las técnicas creativas del arte comercial, formando un nuevo estilo que integra la cultura popular y el arte comercial al mismo tiempo. las imágenes de dibujos animados, impresiones de periódicos, lemas humorísticos, etc. relativamente exagerados del estilo pop son exclusivos del estilo pop, y el estilo pop es muy artístico [3]. Andy Warhol es una de las figuras más destacadas que contribuyó al desarrollo del estilo pop en el campo del diseño de ropa. Fue pionero en el primer uso de papel, plástico y cuero artificial como materiales básicos para la producción de ropa. Sus ilustraciones contienen conceptos de diseño subversivos, que se caracterizan por colores brillantes, conceptos de diseño vanguardistas y selecciones de colores atrevidos. Hasta el día de hoy, las ilustraciones de estilo pop conservan muchas similitudes con Andy Warhol.
2. Estilo abstracto
Las obras de estilo abstracto son generalmente creaciones en profundidad basadas en puntos, líneas, superficies, círculos, triángulos y cuadrados geométricos, y son típicamente abstractos. característica de estilo creativo. Mondrian fue una de las primeras figuras más exitosas en obras de estilo abstracto. Su estilo de creación de estilo abstracto es único y se centra en el uso de varios patrones rectangulares como contenido de ilustración. Esta forma de arte de ilustración tiene una profunda influencia en el estilo abstracto. Tomemos como ejemplo la obra de estilo abstracto "Rojo, amarillo y azul" creada por un famoso diseñador de moda francés. Esta obra está inspirada en el estilo abstracto de Mondrian y utiliza varios colores como líneas, triángulos y rectángulos para brindar al público una experiencia única de apreciación del arte y darle a la obra un fuerte impacto visual y frescura.
3. Estilo figurativo
El estilo concreto se diferencia de los dos estilos anteriores en que sus características gráficas son generalmente realistas y realistas. Además, la expresión de líneas en las obras de estilo figurativo es relativamente directa y puede resumirse, exagerarse, deformarse y decorarse, mejorando así el sentido del color de la obra y resaltando la simplicidad y sofisticación de la obra. Tomemos como ejemplo a la famosa diseñadora de moda italiana Miuccia Prada. Alguna vez tuvo la capacidad de utilizar ilustraciones directamente en sus creaciones de diseño de moda. Podía completar ilustraciones en sus trabajos de diseño de moda. magnificencia de las obras[4]. Además, las líneas en el estilo figurativo son más elegantes y pueden brindar al público una experiencia psicológica de ensueño. Especialmente en el diseño de ropa, pueden mejorar efectivamente la sofisticación del trabajo de diseño y brindar a las personas una sensación de belleza inteligente.
¿Cuáles son los estilos de las ilustraciones? ¿Cuáles son los estilos de ilustración comunes? Los estilos de ilustración se pueden dividir a grandes rasgos en las siguientes categorías:
1. Estilo japonés y coreano
Características: El estilo japonés más típico es el "celuloide", con un hermoso estilo de pintura y personajes delgados. , y los cambios en hombres y mujeres no son grandes. Pero al mismo tiempo, son ligeramente diferentes. Por ejemplo, el estilo japonés es más informal y orientado a la vida, mientras que el estilo coreano es más hermoso y romántico, básicamente similar al estilo realista.
2. Estilo europeo y americano
Características: las ilustraciones de estilo europeo y americano son en su mayoría realistas, enfatizan la textura real y la representación delicada. Me gustan las expresiones exageradas para hacer que los personajes parezcan más vívidos y enérgicos.
3. Estilo chino antiguo
Características: en comparación con las ilustraciones de los dos estilos artísticos anteriores, la pintura china original también tiene sus propias características distintivas, que son reservadas pero llenas de tensión. . Aunque las pinturas originales chinas están más o menos influenciadas por pinturas originales europeas, americanas, japonesas y coreanas, su profundo arte clásico, elegancia y misterio siguen siendo sus características.
4. Ilustraciones de la versión Q
Características: Las ilustraciones de la versión Q son las más destacadas, principalmente personajes y animales. Los personajes son lindos, exagerados o divertidos, y las proporciones del cuerpo humano son cortas. Aunque las líneas son simples y los bloques de colores claros, los personajes tienen personalidades distintas.
5. Ilustraciones de estilo plano
Características: Compuestas principalmente por bloques de colores, formas geométricas, contornos exteriores suaves, casi sin líneas de contorno, expresiones visuales diversas, accesibles y rigurosas. Un estilo popular que se ajusta a los medios de pantalla modernos y a las tendencias estéticas contemporáneas.
6. Ilustraciones de estilo humorístico
Características: Se suelen utilizar formas exageradas, lo cual es muy común en los estilos europeos y americanos. Las imágenes, que se ven comúnmente en las ilustraciones de revistas de noticias, contienen el encanto del humor y la ironía, y están más relacionadas con cuestiones políticas, sociales y culturales. La elección del color también es muy exagerada, lo que hace que la gente se sienta ridícula a primera vista.
7. Ilustraciones realistas
Características: El estilo más común, lo que es, lo que es, es como la pintura. Exprese claramente lo que más necesita expresarse.