Red de conocimientos turísticos - Conocimiento fotográfico - Características del desarrollo del cine japonésEl cine japonés tiene una historia de más de 110 años desde 1896 hasta la actualidad, y se puede dividir básicamente en siete períodos. El primer período (1896 ~ 1918): las películas se introdujeron en Japón en 1896. El "espejo de película" inventado por Edison se introdujo en Japón, y las películas reales fueron introducidas en Japón en 1897 por Katsutaro Inami y Saburota Arai. En los últimos dos años se introdujeron los proyectores y las películas, que se proyectaron en todo el país. Se llamó fotografía móvil. Este nombre se utilizó hasta 1918. A partir de 1899, Japón produjo sus propias películas, principalmente cortometrajes documentales. "The Lightning Bandit" trajo una amplia gama de temas noticiosos a la pantalla en ese momento y se considera el primer largometraje que se centró en la moda. El actor principal Yokoyama Yunhei se convirtió en el primer actor de cine de Japón. El primer cine oficial de Japón fue el Electric Theatre de Asakusa, Tokio, fundado en 1903. El primer estudio fue establecido en 1908 por Yoshizawa Trading Company en Kihira, Tokio. "La batalla de Honnoji" (1908, dirigida por Makino Shozo) es la primera película muda japonesa en la que el narrador se sitúa junto a la pantalla y cuenta la historia con acento escénico. Por eso, a Makino Shozo se le llama el "padre del cine japonés", pero este tipo de películas son sólo un cómic. En 1912, se fundó Nippon Motion Pictures Co., Ltd. para rodar la serie de películas "Old Actor" protagonizada por Onoe Matsunosuke. Matsunosuke era originalmente un actor de kabuki de gira. Fue descubierto por Makino Shozo en 1909. Después del lanzamiento de su primer trabajo "Chessboard Loyalty", se convirtió en el actor de artes marciales más popular y era conocido como "Xiao Mao Yamin". En 1914, se estableció Natural Color Film Co., Ltd. (conocida como Tianhuo). Al principio, el objetivo era hacer películas en color, pero como solo había dos colores, solo podía hacer películas normales en blanco y negro. Todavía dependía de hacer películas de "viejos dramas" para competir con Tianhuo. En ese momento, el estudio japonés ya estaba filmando "nuevos dramas" con temas modernos. El segundo período (1918 ~ 1931): cine mudo y cine de tendencia En 1918, la Asociación de Arte Cinematográfico presidida por Guishan Jiaozheng lanzó el movimiento cinematográfico puro. "Glory of Life" y "Mountain Girl" producidas por Kameyama 1919 son obras experimentales del movimiento cinematográfico puro. Ambas películas se rodaron casi en su totalidad en exteriores, lo que permitió a los actores actuar en un entorno natural, liberando las películas de espacios anormalmente pequeños. La asociación aboga por el uso de actrices para abolir la práctica tradicional de hacerse pasar por mujeres; insertar subtítulos mínimos en la película para explicar la historia y abolir la narración; utilizar técnicas cinematográficas como primeros planos y cambios de escena, y mediante la edición, la película puede formarse; una obra cinematográfica completa. Aunque la práctica de las dos películas anteriores no es muy madura, han dado el primer paso y han sido aceptadas por más cineastas. En 1920, se establecieron en Japón Taisho Cinema Photography and Exhibition Company y Matsuzaka Company. Hoda contrató a Junichiro Tanizaki como consultor literario y reclutó a Kisaburo Kurihara (Thomas) de Hollywood, quien dirigió "The Amateur Club" (1920) escrita por Junichiro Tanizaki. Matsusaka pidió a Kosakai que dirigiera y Minoru Murata dirigió la producción de "Soul on the Road" (1921), considerada un hito en la historia del cine japonés. Matsutake también instaló un estudio en Putian y adoptó métodos de producción de Hollywood para establecer un sistema de rodaje centrado en el director. Este tipo de innovación llevó a Nishino a ponerse al día y producir "La miseria del mundo" (1923) dirigida por Suzuki Zen y "El muelle de niebla" (1923) dirigida por Mizoguchi Kenji. Desde entonces, las películas de "drama antiguo" pasaron a llamarse películas de "drama de época" y las películas de "nuevo drama" pasaron a llamarse películas de "drama moderno". En septiembre de 1923, se produjo un fuerte terremoto en la región de Kanto, centrada en Tokio. La base de rodaje en Tokio estuvo al borde del colapso y tuvo que ser trasladada a Kioto. Debido al malestar social y la depresión económica después del terremoto, surgió una película de escapismo de temática histórica llamada "Nihilismo". En esta época, la teoría del montaje cinematográfico soviético y las películas expresionistas alemanas tuvieron cierta influencia en Japón, y Japón también produjo algunas películas de vanguardia que enfatizaban el sentido visual. La película "Recuperación post-terremoto" comenzó a partir de la película "Cged Bird" (1924). Su tema principal está lleno de tristeza, desesperación y autodestrucción, lo que refleja el estado social y psicológico de la época, por lo que es muy popular. Por otro lado, la trilogía “El viaje de los fieles” (1928) dirigida por Daisuke Ito y protagonizada por Denjiro Ohuchi es una obra maestra del cine histórico en su apogeo.
Características del desarrollo del cine japonésEl cine japonés tiene una historia de más de 110 años desde 1896 hasta la actualidad, y se puede dividir básicamente en siete períodos. El primer período (1896 ~ 1918): las películas se introdujeron en Japón en 1896. El "espejo de película" inventado por Edison se introdujo en Japón, y las películas reales fueron introducidas en Japón en 1897 por Katsutaro Inami y Saburota Arai. En los últimos dos años se introdujeron los proyectores y las películas, que se proyectaron en todo el país. Se llamó fotografía móvil. Este nombre se utilizó hasta 1918. A partir de 1899, Japón produjo sus propias películas, principalmente cortometrajes documentales. "The Lightning Bandit" trajo una amplia gama de temas noticiosos a la pantalla en ese momento y se considera el primer largometraje que se centró en la moda. El actor principal Yokoyama Yunhei se convirtió en el primer actor de cine de Japón. El primer cine oficial de Japón fue el Electric Theatre de Asakusa, Tokio, fundado en 1903. El primer estudio fue establecido en 1908 por Yoshizawa Trading Company en Kihira, Tokio. "La batalla de Honnoji" (1908, dirigida por Makino Shozo) es la primera película muda japonesa en la que el narrador se sitúa junto a la pantalla y cuenta la historia con acento escénico. Por eso, a Makino Shozo se le llama el "padre del cine japonés", pero este tipo de películas son sólo un cómic. En 1912, se fundó Nippon Motion Pictures Co., Ltd. para rodar la serie de películas "Old Actor" protagonizada por Onoe Matsunosuke. Matsunosuke era originalmente un actor de kabuki de gira. Fue descubierto por Makino Shozo en 1909. Después del lanzamiento de su primer trabajo "Chessboard Loyalty", se convirtió en el actor de artes marciales más popular y era conocido como "Xiao Mao Yamin". En 1914, se estableció Natural Color Film Co., Ltd. (conocida como Tianhuo). Al principio, el objetivo era hacer películas en color, pero como solo había dos colores, solo podía hacer películas normales en blanco y negro. Todavía dependía de hacer películas de "viejos dramas" para competir con Tianhuo. En ese momento, el estudio japonés ya estaba filmando "nuevos dramas" con temas modernos. El segundo período (1918 ~ 1931): cine mudo y cine de tendencia En 1918, la Asociación de Arte Cinematográfico presidida por Guishan Jiaozheng lanzó el movimiento cinematográfico puro. "Glory of Life" y "Mountain Girl" producidas por Kameyama 1919 son obras experimentales del movimiento cinematográfico puro. Ambas películas se rodaron casi en su totalidad en exteriores, lo que permitió a los actores actuar en un entorno natural, liberando las películas de espacios anormalmente pequeños. La asociación aboga por el uso de actrices para abolir la práctica tradicional de hacerse pasar por mujeres; insertar subtítulos mínimos en la película para explicar la historia y abolir la narración; utilizar técnicas cinematográficas como primeros planos y cambios de escena, y mediante la edición, la película puede formarse; una obra cinematográfica completa. Aunque la práctica de las dos películas anteriores no es muy madura, han dado el primer paso y han sido aceptadas por más cineastas. En 1920, se establecieron en Japón Taisho Cinema Photography and Exhibition Company y Matsuzaka Company. Hoda contrató a Junichiro Tanizaki como consultor literario y reclutó a Kisaburo Kurihara (Thomas) de Hollywood, quien dirigió "The Amateur Club" (1920) escrita por Junichiro Tanizaki. Matsusaka pidió a Kosakai que dirigiera y Minoru Murata dirigió la producción de "Soul on the Road" (1921), considerada un hito en la historia del cine japonés. Matsutake también instaló un estudio en Putian y adoptó métodos de producción de Hollywood para establecer un sistema de rodaje centrado en el director. Este tipo de innovación llevó a Nishino a ponerse al día y producir "La miseria del mundo" (1923) dirigida por Suzuki Zen y "El muelle de niebla" (1923) dirigida por Mizoguchi Kenji. Desde entonces, las películas de "drama antiguo" pasaron a llamarse películas de "drama de época" y las películas de "nuevo drama" pasaron a llamarse películas de "drama moderno". En septiembre de 1923, se produjo un fuerte terremoto en la región de Kanto, centrada en Tokio. La base de rodaje en Tokio estuvo al borde del colapso y tuvo que ser trasladada a Kioto. Debido al malestar social y la depresión económica después del terremoto, surgió una película de escapismo de temática histórica llamada "Nihilismo". En esta época, la teoría del montaje cinematográfico soviético y las películas expresionistas alemanas tuvieron cierta influencia en Japón, y Japón también produjo algunas películas de vanguardia que enfatizaban el sentido visual. La película "Recuperación post-terremoto" comenzó a partir de la película "Cged Bird" (1924). Su tema principal está lleno de tristeza, desesperación y autodestrucción, lo que refleja el estado social y psicológico de la época, por lo que es muy popular. Por otro lado, la trilogía “El viaje de los fieles” (1928) dirigida por Daisuke Ito y protagonizada por Denjiro Ohuchi es una obra maestra del cine histórico en su apogeo.
La película representativa con temas modernos es "La mujer bloqueando el camino" (1926) de Abe Yutaka, y "La novia rural" de Gosho Heinosuke es una película lírica con características nacionales japonesas. Otras películas destacadas de esa época incluyen "Aunque me gradué de la universidad" (1929), "Aunque caigo en la montaña del sol" (1930) y "Memoria" (1930) de Ozu Yasujiro, conocidas como "películas ciudadanas". Durante este período, los cineastas progresistas representados por Sasuke Genji e Iwasaki Chang establecieron la Alianza de Cine Proletario de Japón y filmaron "Proletarian News Briefing", "Children, Even Tagawa", "May Day" y "Noda Strike". documentales contra el imperialismo y la explotación capitalista. En términos de influencia, algunas compañías cinematográficas han lanzado largometrajes con tendencias progresistas, conocidos como "tilt films", como "El sirviente de Daisuke Ito" (1927), "El sable" (1929), "La vida de Uchida Tumu". "Muñeca" (1929), "El jugador de la venganza". Las películas de esta tendencia fueron eliminadas después de sólo dos o tres años debido al aumento de la censura gubernamental. El tercer período (1931 ~ 1945): las películas de audio japonesas comenzaron en 1931 y no se completaron con imágenes de audio completas hasta 1935. El primer cine sonoro verdadero fue "Wives and Wifes", dirigido por Gosho Heinosuke. Desde entonces, las películas consideradas obras maestras en los primeros días del cine hablado incluyen "Spring and the Girl" de Arita Juryu, "The Blue Sky" de Hiroshi Inagaki, "Our Lady of the Storm" de Shimazu Yasujirō y "Genealogy of Loyal Ministers" de Kinugasa Sadanosuke. En "El libro de los leales", Kinugasa Sadanosuke utilizó la teoría del "contrapunto audiovisual" de Eisenstein y utilizó con éxito la técnica del montaje de imágenes y sonidos. Debido a la aparición de las películas sonoras, la competencia entre Toho, Matsuzaka y las principales compañías cinematográficas establecidas en 1942 bajo el "Nuevo Sistema Cinematográfico" formó una confrontación. Durante los primeros cinco o seis años de este período, el arte cinematográfico japonés alcanzó la "era más clásica". Películas importantes incluyen "El teatro de la vida" (1936), "Progreso sin fin" (1937) y "La buena tierra" (1939) de Tomu Uchida, "Elegía de las olas y las flores" (1936) y "En el burdel" de Kenji Mizoguchi "Hermanas". Aki y Sasuke (1935), Family Meeting (1936) de Yasujirō Shimazu, Jin (1937) de Hisutora Kumagai, Mrs. Red Nishi Oyster (1936) de Mansaku Itami y In the Wind de Hiroshi Shimizu. Entre ellas, "Elegía de Lang Hua" y "Hermanas del burdel" pertenecen a "películas femeninas" y se consideran la cúspide de las obras realistas de este período. La película "Tu" es la primera película campesina realista que expone el sistema de explotación feudal. Después de que Japón lanzara una guerra de agresión contra China en 1937, los gobernantes reforzaron su control sobre las películas, prohibiendo la producción de películas con tendencias sociales críticas y fomentando la producción de las llamadas "películas de política nacional". Algunos artistas que no quieren seguir esta tendencia se comprometen a llevar a la pantalla obras puramente literarias, expresando su conciencia en nombre de obras maestras y evadiendo la estricta censura. Alcanzó su apogeo en 1938. Antes y después de esto, obras famosas que se exhibieron en la pantalla incluyen "El teatro de la vida" de Nozaki Shiro y "Misery" de Ishikawa Daizo, "El hombre que vive y puede vivir" de Yamamoto Yuzo (dirigida por Gosho Heinosuke, 1934 ) y "La piedra en el camino" de Yamada Yasuko (dirigida por Tian Julong, 1938). Con la promulgación de la Ley de Cine en 1939, el establecimiento de la Oficina de Inteligencia del Gabinete en 1940 y el estallido de la Guerra del Pacífico en 1941, casi todas las películas se limitaron a apoyar el clamor de la guerra. A partir de 1944, películas como "Cinco exploradores" (1938), "Tierra y soldados" (1939), "La historia de un capitán de tanque que vive en el Oeste" (1940) y "La batalla de Malaya frente a Hawaii" ( 1940) fueron filmados. En estos años nublados, son muy pocos los artistas que siempre pueden adherirse a su propia voluntad y estilo en sus creaciones. Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi son considerados los mejores entre ellos. Ozu no actuó de acuerdo con los deseos de los militares e hizo dos películas, "Los hermanos y hermanas Toda" (1941) y "Mientras mi padre vivía" (1942), que reflejaban su estilo errante único y contradecían su defensa. guerra. El primero refleja el colapso inminente del sistema familiar, y el segundo es el tema eterno de las obras de Ozu, es decir, el problema entre padre e hijo.