Cómo hacer ilustraciones-¿Cómo hacer buenas ilustraciones?

¿Cómo hacer buenas ilustraciones?

Dibuja líneas suaves.

Así como aprendemos a escribir de un trazo a otro, las ilustraciones también se componen de líneas diminutas. Por lo tanto, se puede decir que practicar bien las líneas es la habilidad básica de un pintor. Las buenas líneas pueden fluir como nubes y agua, con fuerza uniforme y sin interrupción.

Ojos dibujados con líneas.

Después de practicar las líneas durante mucho tiempo, puedes probar algunos bocetos sencillos y utilizar las líneas para crear creaciones realistas o abstractas. Cuanto más delicadas sean las líneas, más sólida será la base.

Del boceto al dibujo lineal.

Colorea el dibujo lineal.

Con el borrador de la línea inicial, toda la ilustración equivale a configurar el marco. Solo cuando se completa la coloración posterior se puede completar realmente la ilustración.

El contraste entre el antes y el después de la coloración es marcado.

En comparación con las líneas básicas, la coloración es más difícil. Por un lado, pone a prueba la comprensión del artista de diferentes combinaciones de colores. También requiere el uso de colores degradados para restaurar la verdadera luz y sombra. Posición de la fuente de luz en la escena. Haga que toda la ilustración parezca real y natural, sin ningún sentido de violación.

Coloración plana común en los cómics japoneses.

En la coloración de las ilustraciones, se puede dividir a grandes rasgos en capa plana y capa gruesa. Entre ellos, el estilo de pintura plana se ve principalmente en la animación japonesa, y el color no cubre obviamente las líneas. La capa gruesa se inclina más hacia el estilo de pintura al óleo y la coloración obviamente cubrirá las líneas.

La capa gruesa es más oscura y tiene un efecto tridimensional más fuerte.

Para los amigos con habilidades débiles para dibujar líneas, pueden intentar "cubrir" sus deficiencias iniciales con pintura espesa, pero deben tener en cuenta que si no usan bien la pintura espesa, la imagen se verá "sucio" y afecta la visión general.

SAI es un software comúnmente utilizado por los habitantes del día para colorear.

En términos de coloración, teóricamente se puede utilizar cualquier herramienta. El software comúnmente utilizado por los pintores incluye PS, SAI, Painter, etc. En comparación con PS, aunque las funciones de este último no son tan completas, la interfaz es simple, fácil de operar y los colores son completamente suficientes. Siempre que esté familiarizado con las funciones y la interfaz del software, todos pueden utilizarlo según sus propios hábitos.

Capa la pantalla.

Después de colorear el arte lineal, el siguiente paso son las capas. Al igual que cuando usamos PS para crear efectos, tenemos que superponer imágenes, lo mismo ocurre cuando creamos ilustraciones. Según los requisitos del Partido A, el nivel y método de estratificación serán diferentes. Pero lo que es seguro es que cuanto más compleja sea la superposición de ilustraciones, mayor remuneración podrás obtener.

Parte superior del cuerpo pintada verticalmente en capas.

Las capas requieren una mayor capacidad de composición del pintor. Para los clientes de las industrias de la animación y los juegos, a menudo requieren que los personajes cambien más posturas y ropa en las pinturas verticales, lo que debe lograrse mediante capas. Además de las pinturas verticales, los fondos de las ilustraciones también son áreas que a menudo es necesario cambiar. Las ilustraciones que incluyen capas de pintura vertical y capas de escenas suelen tener un precio superior a 10 000, pero requieren que el artista tenga suficientes habilidades.

Superposición de prendas periféricas.

A diferencia de los archivos PSD comunes, los artistas suelen guardar ilustraciones de varias capas de alta precisión como PSB. La razón principal de esto es que PSB puede almacenar archivos fuente de más de 2G y admite imágenes de hasta 300.000 píxeles de largo y ancho. Si la Parte A necesita hacer carteles publicitarios de gran tamaño, pancartas enrollables, etc., lo necesita. para darles archivos PSB.

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El efecto general de la visualización de combinación en capas.

Se puede decir que la línea, el color y las capas son las tres cosas que un ilustrador debe hacer bien. Sólo así todos podrán romper con el simple trabajo mecánico y transformarse en un maestro del arte creativo. ¿Hacer una buena ilustración?

El primer punto: Es narrativa. Una de las características más importantes de la ilustración comparada con el "arte puro" es su capacidad para contar historias. Incluso una sola ilustración puede implicar el desarrollo de una historia en una situación concreta. Las ilustraciones sin narrativa son como verduras salteadas sin sal, insípidas y sin sabor.

Segundo punto: es moderadamente general. Incluso si se utiliza tecnología informática compleja para crear diseños de ilustraciones de juegos más complejos, todavía no es una representación detallada del mundo real como la fotografía y la pintura realista. Por supuesto, todas las creaciones de arte y diseño son generalizaciones y abstracciones del mundo real, pero la capacidad de generalizar imágenes en el diseño de ilustraciones requiere requisitos más altos. Al mismo tiempo, esta generalización no es un enfoque minimalista del diseño, por lo que puede denominarse generalización moderada.

El tercer punto: fuerte exageración. Las ilustraciones necesitan fortalecer las características más distintivas de los objetos, emociones y objetos que expresan. Por lo tanto, el diseño de ilustraciones suele tener fuertes técnicas de exageración. Sólo representando con mayor intensidad los elementos que mejor expresan la personalidad, las características y los atributos se puede mejorar el atractivo visual.

Si se trata de una creación de objetos imaginarios como dioses, demonios y monstruos, ¡hay que ser extremadamente exagerado! ¿Cómo hacer una buena ilustración?

Para estos 12 elementos, debemos pensar y entrenar de manera específica en el entrenamiento diario, y desglosarlos paso a paso:

1. " "Combinar todas las características de la imagen en una sola expresión o expresión general, es decir, combinar el diseño, el color, la línea, la luz y la sombra, la textura y el tema en una expresión integral.

Aquí puedes ver más obras de Liu Yuan. Personalmente, creo que es un súper maestro que ha logrado el máximo sentido de integración. Destila abundante imaginación en el diseño de líneas y la representación de fondos decorativos. Y su imaginación. El temperamento humanista es muy hermoso y atractivo.

2. Simplicidad o claridad: Haga que todos los materiales y detalles sean irrelevantes para la idea principal y reduzca el tema al diseño, forma y patrón más básicos.

3. Diseño: se refiere a la relación global entre superficie, forma y color. Las imágenes se crean por diseño.

En cuanto al diseño de la pantalla, me gusta mucho un chico joven que es bueno dibujando en IPAD-Dong Longdong.

Las ilustraciones de este artista son coloridas y románticas, llenas de un sentimiento alegre y soñador, las composiciones son novedosas e imaginativas y están llenas del brillante sentido del amor.

4. Proporción: se refiere a la relación coordinada entre cada tema y cada parte del cuadro. Las distorsiones de proporción son incongruentes, pero algunas distorsiones pueden estar justificadas porque el artista puede querer enfatizar una determinada idea o emoción.

5. Color: Este es uno de los elementos más influyentes de la belleza. Al utilizar este elemento, el pintor no solo puede utilizar el gusto y las aversiones como criterio, sino que también debe comprender la relación entre el color y el color. relaciones de brillo y los principios básicos de gradación de color para crear efectos realistas y armoniosos.

En realidad, hay innumerables ilustradores en China que son buenos jugando con los colores, pero Bai Yueguang, en el corazón de las bacterias de clase micro, recomienda primero la Universidad de Junxi.

6. También se le puede llamar ritmo, aunque este elemento muchas veces se subestima o se malinterpreta, pero contribuye en gran medida a la belleza de las pinturas.

Todos los seres vivos y no vivos tienen un ritmo, desde la forma más pequeña hasta los ciclos del universo. Sin ritmo, la forma está inmóvil y sin vida. Al igual que el funcionamiento de la naturaleza, la repetición de colores o líneas similares, o la expansión o contracción gradual de formas, pueden crear ritmo en una pintura.

Por ejemplo, podemos encontrar ritmo en las líneas repetidas de las ramas y hojas de los propios árboles, o en las líneas del lomo de una cebra, o en las líneas de los pétalos y motivos florales. Cuando se trata de la belleza del ritmo, lo que puedo pensar es en Zhang Wang, quien tiene una base sólida en la pintura tradicional china. 7. Forma: La relación entre la estructura de la forma y el todo es un principio artístico básico. La existencia de todas las cosas no es más que la realidad y está vacía de forma o espacio, y ambos son indispensables y no pueden existir por sí solos.

8. Textura: se refiere a la descripción de la superficie. Todas las formas tienen características superficiales que son tan importantes como la estructura de la forma misma.

Describe todas las formas con las mismas características superficiales, como si todo estuviera compuesto de

Valor: brillo y color, los dos son inseparables. Para dibujar la belleza, ambos son indispensables. Las relaciones de valores apropiadas pueden crear una sensación de luz y agregar una sensación de unidad a la imagen. Una relación de brillo incorrecta causará el mayor daño a la belleza de la imagen.

10. Sentido de la luz: Este elemento es el más importante. El sentido de la luz en el cuadro se integra con la luz que realmente brilla sobre el cuadro, convirtiéndose en parte de todo el cuadro. Existen muchos tipos de luz, luz interior, luz exterior, luz solar, luz difusa y luz reflejada.

11. La elección del tema: Este elemento proporciona al pintor una gran oportunidad para dar rienda suelta a su gusto personal. Los pintores pueden encontrar innumerables temas de la vida y la naturaleza, entre los que pueden seleccionar, diseñar y crear sus propios temas específicos, mostrando la propia apreciación del pintor por la belleza.

12. Técnica: se refiere a la forma de expresión más que a la expresión en sí. Las técnicas incluyen una comprensión de la superficie y la textura de los objetos, así como una comprensión de los medios y las muchas formas de aplicarlos. La técnica es una expresión personal combinada con otros elementos de belleza.

La selección de temas y técnicas son preferencias subjetivas personales.