¿Qué obras hay del pintor Duchamp? ¿Cuál es el amor de Duchamp?
Llegó a los Estados Unidos en 1996 y defendió vigorosamente el arte dadaísta. En febrero de 2008, etiquetó un urinario con "R Mutt" (el logotipo de un producto sanitario estadounidense). Fue enviado a la Sala de Exposiciones de Arte de la Asociación de Artistas de Nueva York y se llamó "Primavera". Causó una fuerte respuesta en ese momento. Explicó: "Déle un nuevo nombre a un electrodoméstico común y permita que la gente lo mire desde una nueva perspectiva. De esta manera, se perderá su significado práctico original, pero ganará un nuevo contenido que la gente lo llama "listo". -arte hecho". Por un lado, muestra su burla de las formas de arte tradicionales y, al mismo tiempo, también muestra una nueva forma de creación artística. Otra obra maestra de sus "productos confeccionados" es añadir dos bigotes a la bella dama en la "Mona Lisa" impresa para mostrar su desprecio por la pintura tradicional. Después de Duchamp, los "productos confeccionados" se convirtieron en una forma de creación y las fronteras entre el arte y la vida comenzaron a disolverse. Por eso, algunos críticos llaman a Duchamp el creador del posmodernismo.
Marcel Duchamp puede ser la leyenda más fascinante, influyente y controvertida de la historia del arte moderno. Desde el impresionismo hasta los nabis, desde el dadaísmo hasta los "readymades", su estilo pictórico es cambiante y audazmente innovador, y ha logrado muchos logros en arte y tecnología, forma y concepto. Muchas escuelas de arte contemporáneo se remontan a él, por lo que se le conoce como el santo patrón del arte contemporáneo.
Hay seis hermanos y hermanas en la familia de Duchamp, cuatro de los cuales se han convertido en artistas. En este orden, son Jacques Ylon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp y su hermana Suzanne Duchamp. Ambos hicieron una enorme contribución al arte moderno: Verón fundó uno. Duchamp-Perón, que murió joven, fue el escultor cubista más prometedor y creó obras geométricas muy concisas. A diferencia de sus hermanos, aunque tiene muchas influencias cubistas de Picasso y Braque, incluso creó algunas obras relacionadas, como dos mujeres desnudas bajando las escaleras en "Y", compuesta por rostros geométricos rotos. Hay algo desconocido para el cubismo en las figuras. y los elementos de acción y emoción que inyectó Duchamp van más allá de los principios cubistas. Duchamp también lo sabía, por lo que retiró el cuadro del Salón en 2001. Al parecer, Duchamp tenía muchas cosas en la cabeza cuando estudiaba cubismo. Al explicar la obra, mencionó que no es apropiado describirla como una pintura: "es una parte integral del factor de energía cinética, la expresión del tiempo y el espacio reflejados en el movimiento abstracto" cuando pensamos en la forma. Cuando se trata de movimiento a través del espacio en un cierto período de tiempo, entramos en el ámbito de la geometría y las matemáticas, al igual que cuando construimos una máquina para este propósito. Si muestro un avión ascendiendo, estoy tratando de mostrar qué. En realidad, no lo dibujo. Naturaleza muerta. Cuando la imagen del 'Desnudo' me llamó la atención, supe que rompería para siempre los grilletes de la esclavitud naturalista. por eso algunos consideran a Duchamp más que el fundador del futurismo.
En febrero de 2008, la Exposición Futurista de París también hizo comprender esto a Duchamp. Aunque los futuristas carecían de su sentido del humor natural, esto no le impidió tomar prestados sus métodos para crear más obras. En 1998, Dusan creó por primera vez las obras denominadas "pintura a máquina", como "La novia". Al mismo tiempo, cuestionó la validez tradicional de la pintura y la escultura, argumentando que el cubismo se había convertido en ese momento en algo académico. Tuvo la idea de dejar la pintura y comenzó a realizar algunos experimentos artísticos o no artísticos basados en temas cotidianos.
Durante el año, Duchamp produjo dos cosas nuevas, escultura móvil y arte ready-made, que también fueron las primeras formas de Dada, escultura móvil, escultura de chatarra y arte pop. Las obras más famosas son un urinario de cerámica titulado "Primavera" presentado en la exposición celebrada por la Sociedad de Artistas de Nueva York en 2008, y una obra titulada "L H O O" creada después de regresar a Francia en 2011, que fue creada después de Leonardo da Vinci. Foto de "Montreal" con barba. El impacto de estas ridículas obras en el futuro fue mayor de lo que el artista podría haber imaginado. Hasta que se lo dio a Hans.
Lancé el portabotellas y el urinario frente a la gente como un desafío y ellos elogiaron su belleza estética. "
Se podría decir que el arte conceptual alcanzó su apogeo durante la década de 1990, al tiempo que cayó en crisis. El término se utilizó ampliamente por primera vez alrededor del año 2000, pero aún no se sabe si algunas formas de arte conceptual existieron a lo largo del siglo XX. En duda, las primeras obras generalmente se consideran lo que el artista francés Marcel Duchamp llamó "readymades", la más famosa de las cuales es "La Fuente", en la que Duchamp colocó una sobre una base de estatua y firmó un urinario R. A. de Mutter fue presentada como una obra de arte en la Exposición del Artists Guild en Nueva York. Antes de Fountain, había pocas cosas que hicieran que la gente pensara sobre qué es el arte o cómo se expresa. Simplemente asumían que el arte es pintura o escultura.
Una obra de arte a menudo funciona como una expresión: "Este es el Antiguo Testamento de Miguel Ángel". La estatua del héroe David" o "Este es un retrato de la Mona Lisa". Por supuesto, podemos preguntar. algunas preguntas: "¿Por qué Miguel Ángel hizo que el David fuera dos veces más grande? ” o “¿Quién es la Mona Lisa?” “Pero estas preguntas surgen de una comprensión tácita de las condiciones iniciales de la obra de arte. Lo consideramos como un arte de representación, un arte de "hablar de las cosas". Pero el producto final es diferente. No se plantea como una expresión: "Esto es un urinario", sino como una pregunta o un desafío. "¿Puede este urinario ser una obra de arte? ¡Piense en ello como arte! O, LHOO de Duchamp: trate de pensar en esta "Mona Lisa barbuda" como una obra de arte, no solo una pieza destruida. No es una obra de arte, ¡sino una nueva obra de arte!"
Algunas de las cuestiones planteadas por los artistas conceptuales a finales de los años 1960 fueron previstas por Marcel Duchamp hace 50 años, en cierta medida. Dicho anteriormente, la actitud antiarte del dadaísmo También se anticipó. Veinte años después del final de la Segunda Guerra Mundial, una amplia gama de artistas, incluidos los neodadaístas y minimalistas, volverían a hacer referencia a ellos y los ampliarían. Podemos ver que estas preguntas serían plenamente desarrolladas y teorizadas por la generación de artistas que surgió a finales de los años 1960, y cuyo trabajo debe estar en el centro de cualquier estudio del arte conceptual. Posteriormente, la mayoría de ellos continuó desarrollando su obra, mientras una nueva generación de artistas utilizaba las estrategias del arte conceptual para explicar su experiencia del mundo. La cuestión de si debemos considerar este tipo de obras como arte postconceptual, postconceptual o neoconceptual sigue sin resolverse. El arte conceptual siempre ha sido un fenómeno internacional. En la década de 1960, era tan probable encontrarlo en Santiago, Praga y Buenos Aires como en Nueva York. Dado que Nueva York fue el centro de difusión y promoción artística durante este período, el arte creado allí ha sido el más discutido. Preferiría restablecer el equilibrio hasta cierto punto. Sin depender del medio o del estilo, ¿cómo identificas una obra de arte conceptual cuando te enfrentas a ella? En términos generales, puede adoptar cuatro formas: un producto Readyde, término inventado por Duchamp para referirse a un objeto traído del mundo exterior y declarado o presentado como arte, negando así la unicidad y el origen del arte. operación propia que coloca algunas imágenes, palabras u objetos en un entorno inesperado, llamando así la atención sobre ese entorno: por ejemplo, un museo o la documentación de la calle, en la que se exponen obras, ideas o actividades reales que sólo pueden expresarse a través de ellas; registros, mapas, diagramas o fotografías, escritos en los que se expresan ideas, opiniones o investigaciones en forma de lenguaje.
La Fuente de Duchamp es el ejemplo más famoso o notorio de producto ready-made, pero sus estrategias han sido adoptadas y adaptadas por muchos artistas. Un ejemplo de esta intervención es el proyecto de tarjetas del artista estadounidense Félix González-Torres, en el que se mostraba una fotografía de una cama doble en blanco cubierta con sábanas arrugadas en 24 tarjetas repartidas por la ciudad de Nueva York. ¿Qué quiere decir esto? No tiene título. Puede tener muchos significados para la persona que pasa, dependiendo de su propia situación. Se trata de amor y ausencia: las camas de matrimonio suelen ser compartidas por parejas. Muchos de nosotros lo vemos por la mañana antes de ir a trabajar.
Aquí se muestra una escena íntima de un patio, colocada donde todos puedan verla; su contexto o significado original se convierte naturalmente en una parte esencial y clave de su significado. Quizás algún transeúnte reconocería esta obra como obra de González-Torres y adivinaría que para él era la cama que compartía con su amante, Ruth, recientemente fallecida a causa del SIDA. Pero este significado personal particular no está prescrito, el significado es lo que cada uno de nosotros encuentra en él.
Probablemente porque Neo-Dada ignoró la actitud restrictiva del artista hacia el arte ready-made, presentó la queja anterior. Sin embargo, el concepto de objetos del Nuevo Dada en la era del consumo altamente desarrollado y su enfoque en los objetos en el arte acabado son de hecho diferentes del de Dusan. En la época de Dusan, exhibir productos prefabricados era ilustrar la contradicción entre el arte y los objetos prefabricados. En la época del Nuevo Dadá, este significado casi había desaparecido y la gente prestaba más atención a la forma y el estado de los productos terminados cuando aparecían ante sus ojos.
En cuanto a su actitud y sentimientos hacia el arte, Marcel Toussaint parece un clasicista comparado con el neodadá.
Un espíritu que no está restringido por leyes y reglamentos.
El arte no tiene reglas. Estas regulaciones nos engañan.
Más que cualquier otra obra del patrimonio cultural, el urinario de Duchamp expresa la magia de la palabra "arte" y demuestra la historia casi desenfrenada de un estilo relativo.
No es una cosa, ni una serie de cosas, ni el gesto o la intención del artista, sino una frase adjunta a una cosa absolutamente arbitraria: esto es arte.
Esto es arte: un mosquito puede convertirse en arte. Tu vida puede ser arte
Esto significa que "las normas, los clásicos y los estándares" se desmantelan uno por uno, porque el arte debe "hacer lo que quiera" para deshacerse de la alienación y lograr la liberación. Pudo llegar a la modernidad del mismo modo que Duchamp derribaba los ídolos estéticos dondequiera que los encontrara (incluido el suyo propio).
Crea, descubre, inspira, viaja por todos los mundos posibles.
Duchamp se quitó el "halo" que llevaban las obras de arte tradicionales e incorporó directamente productos de la vida real al sistema del arte, rompiendo fundamentalmente los límites entre el arte y el no arte, e incluso inspiró la visión de Danto y sus sucesores. del fin del art.
Bajo la luz de la estética tradicional, adquiere significado. Podemos ver el rico significado estético de la categoría reproductiva. En primer lugar, copiar es una expresión artística y es diferente de lo que se copia. La representación del arte crea un mundo imaginario estético. En segundo lugar, la representación evoca sentimientos reales en el espectador, similares a los que uno experimentaría ante el objeto físico. Sólo entonces el arte se convierte en un sustituto de lo que no existe. Los retratos dan vida a los muertos, los paisajes presentan paisajes hermosos en los que la gente nunca ha estado, las novelas registran acontecimientos históricos pasados, la poesía condensa la experiencia emocional del poeta en un momento específico, etc. Imagínense lo aburrida que sería la historia humana sin estas representaciones artísticas, lo pobre que sería nuestra memoria cultural y lo limitada que sería nuestra experiencia. Es la representación artística la que compensa esta deficiencia, ampliando nuestros horizontes y permitiendo al público experimentarla múltiples veces en un tiempo y espacio más amplio.