Escuelas de arte extranjeras
Escuela florentina: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael
Escuela veneciana: Tiziano Giorgione
Estilo barroco
Flores de Rubens Bellas Bernini Rembrandt.
Estilo rococó
Carnicero Eduardo Fragonard Chardin Turner
Estilo neoclásico
Poussin David Angel
Escuela de Barbizon
Kolomile Rousseau
Escuela Rusa de Turismo
Rebin Levitan Shishkin Surikov
Impresionismo
Manet, Monet, Pissarro de Garret y Renoir
Neoimpresionismo
Seurat Sinek
Postimpresionismo
Van Gogh, Cézanne y Gauguin Escuela de París
Chagall Modigliani
Cubismo
Picasso Pollack Pintura Fotografía: La fotografía pintura es un género artístico que floreció en el campo de la fotografía a principios del siglo XX en Inglaterra. mediados del siglo IX. Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones.
Ha pasado por tres etapas: la etapa de imitación; la etapa de defensa de la elegancia y la etapa artística; El pintor propuso que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía". La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. La primera placa fotográfica de pintura fue del pintor británico Shiloh (1802-1870). Se especializa en fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. El período comprendido entre 1851 y 1853 fue el período de crecimiento de la fotografía pictórica. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre los efectos pintorescos de la fotografía. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo. No hay duda de que el progreso continuo y la invención de la tecnología fotográfica inspiran objetivos más elevados, lo cual es suficiente para que los fotógrafos jueguen más libremente; pero "Progreso tecnológico no significa progreso artístico, porque la fotografía en sí, por refinada y completa que sea, es sólo un cinturón que conduce a un objetivo superior". sentó las bases teóricas de esta escuela.
Los principales fotógrafos y obras de este género son: Pledge (?-1896) Baron's Banquet, Robinson Crusoe, escena de pagoda de Robin Hood "When the Day is Ended", Autumn, Two Little Girl, Dying, Juliet; with the Poison Bottle, Dawn and Sunset"; Rayland Baptist, Jefe de Covenant Aspen, Iphi, Virginia, Judith y Holofernes; Lady Cameron (1815- Thomas Carlyle (1897) y Nida (1820-1910) en su lecho de muerte.
Fotografía Impresionista: En 1899 se celebró en Reino Unido la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas suaves" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
El arte de este género se caracteriza por tonos oscuros, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyue (1857-1933), Qiu En (1866-1944) y Wattsek (1848-1903). 1871-1937), etc.
Fotografía realista: La fotografía realista es un género fotográfico con una larga trayectoria que continúa hasta el día de hoy y sigue siendo la base y el género principal de la fotografía. Es la encarnación del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debería tener una lealtad "igual a la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. a. Stieglitz dijo una vez: "Nuestra misión sólo es hablar de lealtad". Por otro lado, reflejan el objeto de forma fría y puramente objetiva como un espejo objetivo, defendiendo que la creación debe ser selectiva y que lo que el artista refleja debe tener lo suyo. juicio estético. El famoso fotógrafo realista Lewis Hayne dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer lo que se debe corregir; al mismo tiempo, quiero reflexionar sobre lo que se debe elogiar. Se puede ver que defienden que el arte debe ". reflejar la vida " vista.
Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
Fotografía naturalista: en 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo llamado "Fotografía naturalista" en respuesta a las debilidades de la creación pictórica, criticando la fotografía pictórica como fragmentaria. La fotografía cultural aboga por que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar creatividad. inspiración. Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el punto final del arte, y sólo el arte que más se acerca y se parece a la naturaleza es el arte más elevado. Este concepto artístico es una reacción a la pintura y anima a la gente a liberar la fotografía de las ataduras de la academia. . salir a promover el pleno desarrollo de sus propias características. Los temas creativos de esta escuela son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad absoluta de los detalles, pero ignora la exploración de la esencia de la realidad y el refinamiento de los objetos superficiales. En definitiva, no presta atención a la tipicidad de la creación artística y de las imágenes artísticas, por lo que es esencialmente una vulgarización del realismo. Esto a veces resulta en una distorsión de la realidad.
Los fotógrafos famosos de la escuela incluyen a Deveson (1856-1930), Wilkinson (1857-1921), etc.
Fotografía pura: La fotografía pura es un género artístico fotográfico maduro de principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Steve Grizzly (1864-1946). Abogan por que la fotografía debe dar rienda suelta a sus propias características y expresiones, deshacerse de la influencia de la pintura y buscar los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, niveles tonales ricos, cambios sutiles de luces y sombras, puro Tonos en blanco y negro, representación meticulosa de texturas y representación precisa de imágenes. En resumen, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, sutil y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio de arte plástico.
Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos jóvenes del grupo de la agencia de fotografía 6.2, como Adans, Genlinghan, etc. Las obras posteriores de los puristas se convirtieron en la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se encuentran Yabo, Steiner, Steven y Evans.
Fotografía del Nuevo Objetivismo: La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía líder” y “nueva fotografía realista”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920. La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos, primeros planos y otros medios, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y la estructura de su superficie se representa de manera precisa y verdadera, logrando así un efecto visual deslumbrante. No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles, le dio a la audiencia. una fuerte impresión visual. Entre los fotógrafos famosos del nuevo objetivismo se encuentran Sander (1876-1964), Lasky (1871-1956) y Haig (1893-1955).
Fotografía Surrealista: La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico en la década de 1930 durante el declive del dadaísmo. Esta escuela cuenta con rigurosos cursos de arte y teoría. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar el nuevo e inexplorado "mundo espiritual" de la humanidad. Por lo tanto, las actividades subconscientes de las personas, la inspiración accidental, la psicopatía y los sueños se han convertido en objetos de expresión deliberada de los fotógrafos surrealistas.
Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que trabajó con reflejos surrealistas; el fotógrafo humano deforme Brent; los fotógrafos de retratos y publicidad Carson, Blumenthal y Lowe, Halsman, Lai Yi, etc.
Fotografía abstracta: La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial. Esta escuela de fotógrafos niega que las artes plásticas reflejen la vida y expresen los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas observables, y pretende liberar la fotografía de la fotografía.
Al principio, se utilizó el método de aumento sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "sujeto", y se hizo una "imagen de luz" que solo mostraba su forma.
Más tarde, desarrollamos métodos para usar la luz, editar las luces, o exponer en el medio, o agitar la cámara al disparar para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerla repetidamente para causar imágenes fantasma, hasta que cambiamos la estructura de la superficie de la imagen. y lo cambió al eliminar la forma original y la estructura espacial del sujeto, intenta utilizar el llamado "lenguaje abstracto absoluto" de forma, tono (color) y material para transformar el sujeto en una combinación irreconocible de líneas y puntos. y formas. Mostrar lo que los artistas de este género consideran el llamado mundo subconsciente más real y esencial del ser humano. En la obra, el objeto fotografiado es sólo una nota prestada por el artista para generar una "melodía" que expresa libremente su imaginación y personalidad.
El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). La imagen de la obra original aún mantiene cierto grado de reconocibilidad. En 1917, el fotógrafo recibió formación (¿1882-?) para fotografiar el "Bordeaux Illustrated Journal" con aserrín y fragmentos de vidrio transparente, que resultaban irreconocibles. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) se reunió con Man Rui (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky y Koehler introdujeron la fotomicrografía y la fotografía de rayos X, que ampliaron enormemente el alcance de la fotografía abstracta, enriquecieron el lenguaje del arte fotográfico, establecieron su propio sistema artístico y se hicieron populares en Europa y Estados Unidos.
Además de los mencionados en el artículo, existen otros representantes de esta escuela, como Scott, Fenninger, Anzhen Rand, Freitai, Winkler, Gerry Mbot, Schade y Bruegel.
Fotografía de campaña: La fotografía de Campan es una importante escuela de fotografía que surgió tras la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía de pintura. Los fotógrafos de esta escuela abogan por respetar las características de la fotografía, enfatizando la realidad y la naturaleza, abogando por no manipular o interferir con el sujeto al disparar y abogando por captar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en un estado natural. El famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo: "Para mí, la fotografía es registrar el significado de un evento y la forma organizativa precisa que puede expresarlo con precisión en un instante. Por tanto, la característica artística de este género es la objetividad, lo real". , natural, amigable, casual, sin pretensiones, vivaz y llena de vida.
En cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, la situación de los fotógrafos de la escuela "Kan" es más complicada. Aunque todos abogan por la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica al fotoperiodismo, también los hay naturalistas y realistas. Entre los fotógrafos famosos de esta escuela se encuentran Thomas Dow Weal Maiavoy de Estados Unidos; Celett Modal del Reino Unido; Victor Hoffman de Francia, así como Louis Dahl Wolfe, Peter Stack Pier Bruwicz y muchos más.
Fotografía “Dadaísmo”: El “dadaísmo” es una corriente literaria que apareció en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente una palabra infantil francesa incoherente para "pony" o "caballo de juguete". Los artistas dadaístas negaron la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, afirmaron que el arte estaba fuera de contacto con la estética, abogaron por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogaron por la nada. Esto hizo que sus creaciones fueran casi una broma, por lo que la gente llama a este género artístico ". Dadá". Darismo". Bajo la influencia de esta corriente artística, el "dadaísmo" apareció también en el campo de la fotografía. El famoso fotógrafo Halsman creó una vez una Mona Lisa. Sus manos regordetas aquí no sólo estaban venosas y peludas, sino que también estaban llenas de dinero. Es tan ridículo y anodino. Entre los fotógrafos dadaístas famosos se encuentran Philippe Halsman, Morgan, László Molina von Jingen y Listsky.
Fotografía subjetiva: la fotografía subjetiva es un género artístico fotográfico formado después de la Segunda Guerra Mundial. Es más "abstracta" que la fotografía abstracta, por lo que también se la llama la "escuela de posguerra". Es el reflejo de la filosofía existencial en el campo de la fotografía. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steiner. Además de Ott y Stennett, sus fotógrafos destacados incluyen a Jay Schmohl, Shaw Van Ocan, Lan Payne y Moe Waugh Mo Volkert.