¿Qué película?
Debido a la diversidad de estilos cinematográficos y películas, existen largometrajes que se centran en historias completas y representaciones de personajes, documentales que informan sobre acontecimientos políticos, económicos, culturales, educativos, militares o históricos, producidos con diversos medios y materiales artísticos, películas artísticas y películas de ópera que documentan representaciones teatrales. Hay varias de estas especies. Por ejemplo, hay comedias, westerns, películas románticas, películas de ciencia ficción, etc. Las películas de arte incluyen cómics, películas de marionetas y recortes de periódicos; los documentales incluyen documentales biográficos, documentales y documentales de noticias. Incluye literatura, teatro, pintura, arquitectura, música, danza y otros elementos artísticos, por eso se le llama arte integral.
El llamado arte integral hace referencia a un estilo artístico compuesto por varios elementos artísticos. Se caracteriza por:
Creación colectiva. Incluyendo la cooperación orgánica de guionistas, directores, actores, arte, fotografía y creación de arte discográfico;
Utilizar todas las formas de expresión artística existentes. La película tiene descripciones y estructuras con elementos literarios, diálogos con elementos dramáticos, monólogos internos, movimientos corporales y expresiones faciales, canciones con elementos musicales e imágenes visuales que se integran con las imágenes;
Amplia cultura popular. La composición de la película pretende expresar y mostrar la relación entre las personas y el medio ambiente en todo el mundo, así como las costumbres, estilos de vida y niveles culturales resultantes, de una manera fácil de entender.
Pero la amplitud del cine no se refiere a la simple adición de diversos elementos artísticos, sino a la integración de elementos artísticos contenidos en diversas formas de arte en cosas nuevas que expresar. No sólo tiene las características de la literatura y el arte en general, sino que también tiene sus propias características individuales. Esto se debe a que las herramientas de expresión del arte cinematográfico son diferentes de otras herramientas de expresión artística. Las películas se reflejan en las cámaras. La cámara tiene las características de registrar verdaderamente la transformación espacio-temporal y el movimiento de los objetos, formando así una técnica especial de expresión cinematográfica y un lenguaje narrativo cinematográfico, combinando orgánicamente varios elementos artísticos en una nueva imagen de expresión artística.
Debido a esto, como película artística, aunque es el arte más reciente y más joven después de muchas artes tradicionales antiguas como la literatura, el teatro, la música, la danza, la pintura, la escultura, la fotografía, etc., es También la película artística más joven hasta el momento, la única de la que conocemos la fecha de su nacimiento. Sólo pasaron cien años antes de que Lumière estrenara oficialmente la primera película de producción propia del mundo, el 28 de febrero de 1895. Algunas de las artes antiguas y tradicionales han experimentado vicisitudes de miles o miles de años. Incluso los expertos y académicos especializados en historia del arte no pueden registrar el momento en que surgieron. En comparación con las artes antiguas y tradicionales, las películas sólo pueden considerarse hermanos pequeños. Pero viniendo de atrás, el arte más joven: el cine, con su poder artístico incomparable, irrumpió en el bosque del arte mundial y se convirtió en el gigante del arte más popular e influyente de su época. Puedo hacer esto porque soy joven y tengo mis propias ventajas. Porque el cine no sólo nace después de las antiguas artes tradicionales, sino que también absorbe y digiere las fortalezas de estas artes y descarta sus defectos, e integra orgánicamente varios factores artísticos para formar una forma de arte nueva y única. Por lo tanto, la síntesis orgánica de varias categorías artísticas es la característica estética más destacada del arte cinematográfico, y la amplitud es la esencia de la belleza cinematográfica.
Los primeros investigadores cinematográficos partieron de la proposición de a quién se parece la película y exploraron la persistencia básica del arte cinematográfico y el misterio de la belleza cinematográfica. Sus puntos de vista y conclusiones difieren ampliamente. Algunas personas piensan que las películas son como la literatura, otras piensan que las películas son como los dramas, algunas personas piensan que las películas son como pinturas, algunas personas dicen que las películas son como la música, etc. Sólo por nombrar algunos.
Las películas absorben una variedad de categorías artísticas y forman características estéticas integrales. En esencia, es una combinación orgánica de arte temporal y arte espacial. Debido a esto, el cine, como un nuevo arte que combina el arte temporal y el arte espacial, supera las limitaciones y deficiencias del arte temporal puro tradicional y del arte espacial puro tradicional. Puede expresar plenamente ambos aspectos del tiempo y el espacio y, por lo tanto, tiene un enorme potencial expresivo y posibilidades artísticas. No es difícil ver a partir de esto que la esencia integral de una película que contiene múltiples categorías artísticas es que integra el arte visual y el arte auditivo, superando la incapacidad del arte visual puro para satisfacer las necesidades estéticas de imágenes auditivas de las personas y la incapacidad del arte puro. arte auditivo para satisfacer Las limitaciones de las necesidades estéticas de las personas en cuanto a imágenes visuales tiene la ventaja de combinar las ventajas del audio y lo visual, lo que lo convierte en la forma de arte más popular.
El nacimiento del cine
El nacimiento del cine es producto del desarrollo de la ciencia y la tecnología hasta cierto punto, involucrando la óptica, la electricidad, la química, la fisiología y la psicología en la física, así como tecnología de fabricación mecánica y fotografía. Cuando estas tecnologías se hayan desarrollado en gran medida, las películas aparecerán y se desarrollarán junto con el desarrollo de estas disciplinas y tecnologías.
En primer lugar, el descubrimiento y establecimiento del principio de persistencia de la visión proporcionó las condiciones necesarias para la producción cinematográfica. ¿Cuál es el principio de persistencia de la visión? Es posible que sus amigos jóvenes hayan visto y jugado con un juguete llamado Plato Mágico cuando eran niños. En un trozo de cartón redondo, hay un pájaro de un lado y una jaula del otro. Cuando aprietas la cuerda atada a cada extremo del cartón para hacer que gire rápidamente, es como si el pájaro estuviera en una jaula. Si encendemos una varita de incienso en la oscuridad y la agitamos rápidamente en círculo, veremos un círculo de personas. Todos estos son fenómenos de persistencia de la visión. En este momento, dado que el vídeo reflejado en nuestra retina no desaparecerá inmediatamente, el vídeo que la gente ve tiene la característica de permanecer en la retina. Los científicos han probado y confirmado que el vídeo todavía puede retenerse en la retina aproximadamente a 0 grados. Desapareció frente a mis ojos después de l segundos. En las películas actuales, cada fotograma es una fotografía fija. Pero éste es el efecto que se produce al explotar el principio de persistencia de la visión, al darnos la ilusión de un movimiento continuo.
En segundo lugar, la invención del cine se realizó sobre la base de la mejora continua de las condiciones materiales y técnicas de la fotografía. De hecho, se refiere a la fotografía rápida, mientras que los sujetos de la fotografía ordinaria solo pueden ser naturalezas muertas o personas que toman fotografías, y no pueden capturar ni expresar personas y objetos en movimiento continuo. Se dice que en los años 50, un fotógrafo quiso mostrar a una persona bajando los brazos. Utilizó el siguiente método: primero tomó una fotografía de la mano levantada, luego volvió a cargar la película no expuesta en la cámara y luego tomó un poco de la mano bajada, y así sucesivamente hasta que la mano estuvo completamente bajada. Filmar una acción simple es muy difícil y tedioso. Si desea filmar una acción continua rápida y compleja, naturalmente no podrá hacerlo. En 1872, un rico hombre de negocios de Estados Unidos apostó que cuando un caballo corre, sus cuatro cascos despegarán del suelo al mismo tiempo. Para demostrar que su juicio era correcto, gastó mucho dinero en contratar a un fotógrafo para que tomara fotografías del caballo corriendo. Los fotógrafos colocaron más de 40 cámaras en la pista para tomar fotografías continuas. Fueron necesarios varios años, hasta 1880, para completar los experimentos. Aunque tuvo éxito, la película que rodó sólo duró uno o dos segundos. Se puede ver que la tecnología de fotografía general no puede satisfacer las necesidades de la fotografía cinematográfica. En 1888, después de años de exploración, el fisiólogo francés Marley finalmente produjo una cámara continua utilizando película en movimiento, sentando las bases preliminares para la fotografía cinematográfica por primera vez.
Además, las películas que satisfacen las necesidades de la cinematografía deben depender de la industria química y su tecnología para producirlas, y no es fácil para las películas proyectar luces y sombras en la pantalla a una velocidad estable y equilibrada. a través de un proyector. Depende de las condiciones técnicas avanzadas que proporcione la industria de maquinaria para la fabricación de proyectores. En 1894, Edison inventó el "espejo de película", que podía mostrarse durante medio minuto a la vez, pero sólo una persona podía verlo a la vez. Inspirándose en la tecnología de funcionamiento de las máquinas de coser, Lumière logró grandes avances en la producción de proyectores basándose en las primeras exploraciones y experimentos. Inventó la tecnología de proyectar películas a través de la puerta del proyector a una velocidad equilibrada de 16 fotogramas por segundo, lo que permite que la imagen se proyecte de forma clara y estable en la pantalla para que todos la vean, marcando finalmente el comienzo de la película.
1895 65438 28 de febrero: un día extraordinario de especial importancia en la historia del desarrollo cultural humano. Ese día, los hermanos Louis Lumière, empresarios y fotógrafos de Lyon, Francia, publicaron oficialmente varias "fotos en movimiento" que hicieron al público en la gran cafetería India Salon 7 en el número 14 de la rue Capucine de París, como " "Llega el tren at the Station", "Factory Gate", "Baby Soup", "The Watering Gardener" y otras películas más antiguas del mundo. Los círculos cinematográficos y los historiadores del cine mundial reconocen que marca el final de la etapa de invención cinematográfica y el comienzo oficial de la era cinematográfica. El gran pionero del cine Lumière escribió una gloriosa primera página en la historia del cine mundial.
El desarrollo y tipos de películas
1. El desarrollo de las películas
El teórico del cine francés Maldam decía que desde el día en que el director pensó en la cámara en movimiento, Las películas se convierten en arte. Como gran pionero del cine, Lumière abrió una página de la historia del cine. Sin embargo, todas las películas de Lumière están filmadas desde un ángulo fijo y la relación entre la cámara y el sujeto, como la distancia y el ángulo, es constante. Es una vista panorámica de principio a fin, una película por minuto y un solo plano por película. La pionera del cine francés May Liai introdujo el drama en el cine y creó métodos de filmación como el stop shooting, la sobreimpresión y las exposiciones múltiples, que dieron vitalidad y revitalización a la película. Sin embargo, el contenido del panorama de Mei Liai es ciencia ficción, mitología, magia y otras representaciones teatrales diferentes, y la forma sigue siendo una réplica del programa dramático, que puede llamarse "drama a los ojos del público de primera fila". Por tanto, no son realmente arte cinematográfico.
El artista cinematográfico David Griffith, conocido como el padre del cine estadounidense, ha hecho una contribución histórica indeleble al desarrollo del cine. Su gran logro fue cambiar la forma en que se reproducía la realidad y la forma en que May reproducía el escenario, con la escena como unidad básica del cine. En cambio, utilizamos diferentes distancias, diferentes ángulos y diferentes direcciones para fotografiar el sujeto que vamos a representar, y la lente es la unidad básica de la película. Sus películas "El nacimiento de una nación" (1915) y "Contra un grupo diferente" (1916) no sólo marcaron el nivel más alto del cine estadounidense de aquella época, sino que también se convirtieron en uno de los ocho clásicos de la historia del cine mundial.
El movimiento de la cámara marca un paso histórico para la película, que finalmente rompe las limitaciones de la fotografía en movimiento y la copia del drama, y se convierte verdaderamente en un arte independiente.
Dos grandes revoluciones tecnológicas en la historia del cine han llevado el arte cinematográfico a una etapa de madurez.
La revolución tecnológica del cine mudo al sonoro que se produjo a finales de los años 1920 y principios de los 1930 fue la primera gran revolución tecnológica en la historia del cine.
Durante décadas después del nacimiento del cine, siempre han sido películas mudas. Solo hay imágenes para que la gente las vea, pero no hay sonido, por eso se las llama "las grandes tontas". Hasta finales del siglo XX, debido al desarrollo de la industria electrónica, la invención de los tubos de vacío de audio y las células fotovoltaicas y la mejora gradual de los equipos y la tecnología de grabación y reproducción, esta serie de logros técnicos se convirtió en la primera gran revolución tecnológica. en el cine, desde el cine mudo hasta el sonoro. La película sentó las bases técnicas y obtuvo una buena manera de dejar hablar al "gran mudo". De 1926 a 1927, Warner Bros. Pictures en los Estados Unidos tomó la iniciativa en el lanzamiento de películas sonoras habladas y cantadas, como "El rey del jazz" y "Don Juan". Después de 1930, los cineastas hicieron lo mismo y el cine sonoro se hizo popular en todo el mundo. Con la llegada del cine sonoro, las películas adquirieron sonido. Las películas ya no son un arte puramente visual, sino un arte que combina el arte visual y el arte auditivo... para satisfacer mejor las necesidades estéticas del público cinematográfico.
La segunda gran revolución tecnológica en la historia del cine fue la aparición de las películas en color a mediados de los años treinta.
En las décadas transcurridas desde el nacimiento del cine, hubo otro defecto grave: no había color y siempre era blanco y negro. Para eliminar el defecto del "daltonismo" en las películas, los cineastas comenzaron a explorar y experimentar continuamente para encontrar una cura. Por ejemplo, algunos cineastas prueban la coloración artificial, pintando los fotogramas de la película uno tras otro, para superar el defecto de que sólo hay un mundo en blanco y negro en la pantalla y ningún mundo en color real. Sin embargo, frente al colorido mundo objetivo, es difícil lograr resultados satisfactorios en la pantalla con este método de coloración artificial.
Debido a esto, en 1935, debido a la exitosa solución del proceso de producción de películas en color con propiedades fotográficas especiales, se lanzó la primera película en color a gran escala del mundo, "Vanity Fair" (adaptación de la famosa novela "Vanity Fair" del escritor británico Thackeray). Nació en Estados Unidos, después de principios de la década de 1940, las películas en color comenzaron a popularizarse en todo el mundo.
Se puede observar que, apoyándose en equipos tecnológicos modernos, las películas se liberan de los puntos de vista, del silencio al sonido y del blanco y negro al color. Con el desarrollo de la alta tecnología moderna, las películas contemporáneas han evolucionado desde películas de pantalla ordinaria hasta películas de pantalla ancha, películas tridimensionales, películas anulares, películas holográficas, etc. Con el desarrollo de la tecnología informática, han aparecido algunas películas nuevas, como "Jurassic Park" y "Basket of Habits in the Sky", que han abierto nuevas ideas para el desarrollo posterior del cine.
2. Escuela de teoría del cine
Cuando se trata de temas relacionados con el cine, siempre escucho el término montaje, entonces, ¿qué significa montaje?
Montaje, transliteración francesa, originalmente significaba la composición y montaje en arquitectura. Tomado del arte cinematográfico y televisivo, significa combinación y composición. En cine y televisión, se ha convertido en sinónimo de corte y combinación. Una pila de materiales de construcción, sin vida y sin ningún sentido de belleza, se puede combinar en varios estilos y estilos de edificios en manos de los arquitectos. Es el lenguaje más básico del lenguaje cinematográfico. Si no sabes mucho sobre el problema de Montagu, que está relacionado con la base estética de la película, entonces, como director de cine, es imposible hacer una buena película. Como guionista, me resulta difícil escribir un buen guión; como crítico de cine, es difícil dar en el blanco; como espectador de una película, es difícil ver una historia famosa.
El famoso exdirector soviético Kuleshov realizó una vez un experimento para ilustrar el efecto del montaje. Eligió un primer plano inexpresivo de una película de hace 10 años protagonizada por el actor más famoso de la Unión Soviética en ese momento. Además, las escenas que muestran un plato de sopa, un ataúd y un niño jugando en la mesa del comedor fueron seleccionadas de otras películas, y es un milagro combinar los primeros planos de Mo Youxin con estas tres escenas y mostrarlas de manera informal. El rostro de Mo Youxin ya no era inexpresivo, sino que mostraba una expresión de hambre, tristeza y amor.
En términos generales, la connotación básica del montaje cinematográfico es el corte y combinación de planos.
Una película suele estar formada por cientos o miles de planos. Un plano se refiere a la escena grabada continuamente en una película desde que la cámara comienza a disparar hasta que deja de disparar. Los artistas cinematográficos fotografían personas, eventos, acciones, entornos y otros objetos en muchas escenas diferentes basándose en intenciones ideológicas y artísticas establecidas, y recortan las imágenes desde diferentes ángulos y direcciones. Luego, de acuerdo con el concepto original, estas diferentes tomas se editan y combinan de manera orgánica y artística, de modo que estas tomas estén conectadas orgánicamente entre sí en términos de coherencia, contraste, metáfora, símbolo, contraste, suspenso, ritmo, etc. un todo. Una película que expresa ciertas connotaciones ideológicas y artísticas y es entendida por el público. Entonces, en última instancia, el montaje es un método utilizado por los artistas cinematográficos para contar historias, y es una parte importante del lenguaje cinematográfico: la gramática cinematográfica.
Con el desarrollo de las películas, sus connotaciones se enriquecen y amplían constantemente. En el cine mudo, el corte y la combinación de montajes se limitan a las relaciones externas entre planos. Una vez que la película tiene sonido y color, el montaje también participa en el corte y combinación de sonido y color. El montaje involucra sonido para formar un montaje sonoro, involucrando la relación entre sonido y sonido, sonido e imagen. Este último incluye sincronización de sonido e imagen, es decir, la fuente de sonido proviene de la imagen, el sonido y la imagen están separados, y el sonido y la imagen son contrapunto, es decir, el sonido y la imagen no están sincronizados y la fuente de sonido no está en el imagen. El montaje participa del color formando un montaje de color. Además, el montaje también se puede recortar y combinar en un plano general mediante diferentes disposiciones de personajes y lentes. Es el llamado montaje interno.
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el patrón mundial cambió y el cine entró en una etapa de rápido desarrollo, tanto técnico como artístico.
Desde un punto de vista artístico, muchos artistas cinematográficos no están satisfechos con tradiciones fijas, persiguen la conciencia moderna e innovan deliberadamente. Entre ellas, la vanguardia centrada en Francia. y el ascenso del neorrealismo italiano, el movimiento cinematográfico independiente que surgió en Japón, la teoría del largo plazo y el ascenso del New Waveism en Francia tuvieron una gran influencia.
La teoría de las lentes largas tiene su origen en André Bazin. André Bazin es un crítico de cine francés. Él cree que la mayor ventaja de las películas es reflejar verdaderamente el mundo objetivo, mientras que la técnica de montaje tradicional edita artificialmente la película basándose en los propios puntos de vista e ideas del director, lo que en realidad obliga al público a aceptar las ideas del director. Por tanto, la película pierde su significado. Abogó por que el tiempo y el espacio no se pueden separar a voluntad, lo que limita el proceso de percepción de la audiencia. Por ello, enfatizó que todo el proceso real del incidente debe ser fotografiado para que el público lo aprecie y evalúe, lo que llevó a que surgieran planos generales. Por lo tanto, la teoría de Bazin a menudo se denomina teoría de posibilidades remotas. De hecho, también tiene un nombre, llamado teoría de programación de escenas. La teoría de Bazin tiene un significado positivo porque enfatiza que la audiencia se comprenda y evalúe a sí misma y "vea lo que quiere ver".
Aunque algunos teóricos del cine tienen sus propias preferencias por la teoría del montaje y la teoría del plano general, de hecho ambas tienen sus efectos positivos y sus defectos. Algunas personas utilizan la teoría del largo plazo para negar el montaje y piensan que el montaje está obsoleto. Esto encarna la teoría del largo plazo a una posición absoluta y va al otro extremo. Cabe decir que estas dos teorías han enriquecido enormemente el lenguaje cinematográfico y por tanto promovido el desarrollo del arte cinematográfico.
A mediados de la década de 1960, bajo la influencia del estructuralismo occidental, la semiótica cinematográfica surgió en Francia, Gran Bretaña, Italia y otros países. Este fue el tercer hito en la historia del desarrollo de la teoría cinematográfica mundial. Publicado en 1964 por el cineasta francés Christian Metz, el libro se titula Cine: ¿lenguaje o habla? Como comienzo, este artículo marca el surgimiento de esta nueva teoría del cine. A diferencia de las dos primeras teorías cinematográficas, la semiótica cinematográfica no es un género de teoría cinematográfica ni está estrechamente relacionada con la práctica de la creación cinematográfica. Analizar y estudiar películas, realizar investigaciones puramente teóricas sobre películas, es una tendencia y una metodología.
En general, la semiótica cinematográfica anterior a la década de 1970 se basaba en la lingüística estructural, centrándose en la investigación estática sobre la estructura y los resultados de expresión. Después de la década de 1970, la introducción del psicoanálisis lacaniano y el marxismo occidental enfatizó el estudio dinámico del proceso de expresión, marcando el comienzo de la segunda etapa de la semiótica cinematográfica.
Historia del desarrollo del cine chino
El 11 de agosto de 1896 se introdujo la película en el país. En ese momento, los extranjeros proyectaron una película sobre la vida de los extranjeros en otra casa de té rural en Xuyuan, Shanghai, que causó sensación y fue llamada una película occidental. Desde entonces, Francia, Gran Bretaña, Rusia e Italia también han introducido sus propias películas en China y las han proyectado en restaurantes y casas de té.
Una de las fotografías de China es la montaña Dingjun, que fue tomada en 1905 por Ren Jingfeng, el propietario del Fengtai Photo Studio en Beijing. Esta es una obra corta protagonizada por un famoso actor de la Ópera de Pekín en ese momento, "Dingjun Mountain", es un repertorio de la Escuela Tan. La Ópera de Pekín era el drama más popular y familiar en China en ese momento, y Tan Xinpei era el artista de Ópera de Pekín más popular en ese momento. Desde la perspectiva actual, las decisiones de Ren Jingfeng en ese momento fueron bastante sutiles, por lo que la película fue un gran éxito. Según el periódico, durante la proyección había 13 personas mirando en el callejón vacío. Por supuesto, debido a que todavía era la era del cine mudo, Ren Jingfeng y otros solo filmaron escenas con muchas artes marciales o bailes, como voluntariado, bailes con cuchillos y enfrentamientos.
Hacia la década de 1920, la industria cinematográfica china todavía estaba en su infancia. 1917
En 2000, China estableció su propia empresa cinematográfica: el Departamento de Cine de Prensa Comercial. Han aparecido algunos tipos de películas como largometrajes, películas de artes marciales, documentales, películas de paisajes y dibujos animados. se encuentran básicamente en la etapa exploratoria. Algunas de las películas producidas en ese momento, como Yan y La bella de rosa, eran inferiores en contenido y arte. Sin embargo, algunas películas tuvieron implicaciones positivas para su época. Por ejemplo, el cortometraje número uno de China, "Un marido duro, una esposa dura", refleja hasta cierto punto la irracionalidad de los matrimonios arreglados. 1913, financiada por estadounidenses y fotografiada por chinos.
El juicio a la esposa de Zhuangzi se convirtió en una pieza enviada al extranjero. En 1931 también nació la primera película sonora "Red Peony".
A principios de la década de 1930, el establecimiento de la Alianza de Escritores de Izquierda China marcó el ala izquierda de China.
El auge del movimiento literario también marcó el auge del cine de izquierda. La agresión imperialista japonesa contra China el 18 de septiembre y el 28 de noviembre suscitó el despertar del pueblo chino. Bajo el liderazgo del Partido de Productores Chinos, los cineastas progresistas han rodado muchas películas con un significado social positivo y un considerable nivel artístico, como "Primavera"
"Silkworm", "Peach and Plum Tribulation", " "Children de la Tormenta", "Dios de la Libertad", "Diosa", "Mujer Nueva", "Encrucijada", "Ángel de la Calle", "Sangre de Mariposa de Montaña Lobo", etc. "Weeds and Flowers" de Sun Yu no sólo tiene cierta importancia social en términos de contenido, sino que "Looking for Brother" es el primer episodio de una película de China. "Jade Refraction" de Cai Chusheng tiene una gran influencia en el país y en el extranjero. Durante este período, los artistas cinematográficos chinos se volvieron más competentes en el uso del lenguaje cinematográfico, y el uso de técnicas de empujar, tirar, sacudir, seguir, subir y bajar, así como diversas técnicas de montaje, alcanzaron un nivel relativamente alto. Después de 1937, los artistas cinematográficos chinos produjeron películas con temas de guerra antijaponeses como "La Gran Muralla", "14 ochocientos héroes" y "Diez mil millas al cielo", que inspiraron el espíritu de lucha del pueblo chino.
Después de la victoria de la Guerra Antijaponesa, los trabajadores cinematográficos progresistas de las zonas controladas por el Kuomintang filmaron "Un río de primavera fluye hacia el este", "Ocho mil millas de nubes y luna", "Lámparas en miles of Households", "San Mao" Películas como "Wandering" y "The Crow and the Sparrow" expusieron efectivamente la naturaleza corrupta y contrarrevolucionaria de los villanos del Kuomintang. Las zonas liberadas con malas condiciones materiales y equipamiento técnico también comenzaron a fundar sus propias compañías cinematográficas. En 1946, se estableció el Northeast Film Studio en Hegang, Heilongjiang, sentando las bases para el desarrollo de la industria cinematográfica popular.
Después de la liberación, la industria cinematográfica china ha alcanzado logros de renombre mundial. No solo se establecieron muchos estudios cinematográficos nuevos, sino que también fundaron estos estudios algunos artistas cinematográficos famosos y destacados. Se han hecho muchas películas excelentes y han surgido muchos talentos nuevos. Muchas películas, como "La chica de pelo blanco", "El depredador", "Amantes de las mariposas", "Nie Er", "Mi vida", etc. , también ha ganado premios o elogios a nivel internacional. Diez años de catástrofe han causado un gran daño a la industria cinematográfica china. Después del aplastamiento de la "Banda de los Cuatro", especialmente después de la Tercera Sesión Plenaria del XI Comité Central del Partido Comunista de China, la industria cinematográfica china entró en un período de desarrollo integral y prosperidad sin precedentes. Muchos temas nuevos, nuevos métodos y nuevos artistas cinematográficos surgieron en gran número y lograron un gran éxito. Los directores chinos representados por Xie Jin, Chen Kaige y Zhang Yimou han producido muchas películas de renombre internacional, como "Legend of Tian Yun", "Yellow Earth" y "Red Sorghum". Las películas chinas están avanzando constantemente hacia el mundo como la economía de China.