Red de conocimientos turísticos - Estrategias turísticas - ¿Qué es la "Era Pandémica"? En la década posterior a mediados de la década de 1950, el Pop Art desarrolló un nuevo género artístico en los Estados Unidos y el Reino Unido, conocido como "Pop Art". Estas personas, conocidas como "Artistas Pop", tienen muchas similitudes en sus creaciones durante este período. Utilizan como temas imágenes culturales comerciales populares y cosas cotidianas de la vida urbana, y sus técnicas creativas a menudo reflejan las características de la industrialización y la comercialización. Los factores que condujeron al arte pop no se encontraron en todas partes. La cultura urbana de la posguerra en Gran Bretaña y Estados Unidos fue el terreno especial para su crecimiento. Sólo los artistas que tienen un estrecho contacto con esta cultura urbana pueden captar el estilo y la expresión únicos del arte pop. Se cree que el arte pop en sentido estricto se originó en el Reino Unido, no en los Estados Unidos. A finales de 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Este grupo autoproclamado "indie" se centra en la cultura pop y su significado, como películas occidentales, novelas espaciales, vallas publicitarias, la belleza de las máquinas y más. Estos fenómenos fueron considerados antiestéticos en aquella época. Este grupo estaba obsesionado con la nueva cultura pop urbana y se sentía particularmente atraído por las expresiones estadounidenses. Por un lado, a los ojos de los británicos, Estados Unidos en ese momento era un país ideal, con todo, desde productos de nailon hasta motocicletas nuevas. Por otro lado, el mundo del arte británico en la década de 1940 estaba envuelto en una atmósfera de seria lucha romántica, y el arte pop británico fue una reacción a ella. En 1956, las "Independencias" realizaron una exposición llamada "Esto es el mañana". La obra más poderosa y conmovedora de la exposición es un cartel colocado por Richard Hamilton en la entrada titulado ¿Qué hace que las casas de hoy sean tan encantadoras? (Figura 1). La imagen era un apartamento moderno recortado de una revista ilustrada, con un hombre musculoso y una mujer desnuda altiva en su interior. Hay muchos artefactos culturales en el apartamento: un televisor, una grabadora, una portada ampliada de un cómic, una insignia de Ford y un anuncio de una aspiradora. A través de la ventana del cuadro se puede ver una pantalla de cine que muestra un primer plano de Al Jolson de la película "El cantante de jazz". El hombre también sostenía una enorme paleta con tres letras grandes POP. De aquí surge el término Pop Art. Pop no es sólo el sufijo de piruleta, sino también la abreviatura de "moda". En Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta al expresionismo abstracto que prevaleció en la década de 1950. Por un lado, las obras del expresionismo abstracto se consideran expresiones de la personalidad única del artista, enteramente personal, subjetiva y espiritual. Destaca la pureza del arte y se convierte en un arte espiritualmente noble. Por otro lado, como este tipo de espiritualidad radica en la improvisación, que es completamente personal, muchas generaciones posteriores la han imitado, por lo que parece que todos pueden practicar este arte "elegante". Es una pena que la mayoría de estas obras sólo tengan imágenes deslumbrantes, pero es difícil expresar el espíritu. Se puede decir que hay muchos ojos, pero en realidad son pocos. El arte pop probó audazmente nuevos materiales, nuevos temas y nuevas formas para resolver los problemas del expresionismo abstracto. En la década de 1960, el arte pop trajo "vida" y vida urbana moderna a museos y galerías de arte. La primera exposición colectiva que hizo popular el título "Pop" en todo el mundo fue la exposición "Nuevos artistas realistas" celebrada en la Galería Dzhanis de Sydney en 1962, que reunió a artistas de esta corriente (incluidos artistas europeos). A esta le siguieron dos exposiciones celebradas en 1963: "Exposición de los Seis Artistas" y "Exposición de la Imagen Popular". Hasta cierto punto, Estados Unidos influyó en todo el arte pop del mundo. Debido a la fuerte influencia de la cultura empresarial estadounidense, las películas de Hollywood y las hamburguesas de McDonald's se pueden ver en casi cualquier país del mundo, las cuales han penetrado en muchas culturas y se han convertido en una cultura popular que se puede consumir. El arte pop, por otra parte, es un arte "industrial". Roy Roy Lichtenstein dijo una vez: "A medida que Estados Unidos se ve cada vez más afectado por la industrialización y el capitalismo, sus valores parecen estar más distorsionados... Creo que el significado de mi creación es mostrar que está industrializado. Esto es También la dirección de todo el mundo pronto será la misma en Europa, por lo que el arte pop ya no será americano, sino global ". El arte pop se resiste al lema de un crítico famoso: el gran arte debe ser difícil. Para el arte, los artistas pop a menudo. Usé collage o copia masiva, lo que parecía más fácil. "El arte pop es el café instantáneo y la pantalla ancha del cine moderno. No es latín bajo los monjes, es arte pop" El atractivo del arte pop es tan amplio como su alcance. Acepta todo en la vida y todos sus aspectos más ordinarios. Sigue siendo arte, pero no es arte por el arte.
¿Qué es la "Era Pandémica"? En la década posterior a mediados de la década de 1950, el Pop Art desarrolló un nuevo género artístico en los Estados Unidos y el Reino Unido, conocido como "Pop Art". Estas personas, conocidas como "Artistas Pop", tienen muchas similitudes en sus creaciones durante este período. Utilizan como temas imágenes culturales comerciales populares y cosas cotidianas de la vida urbana, y sus técnicas creativas a menudo reflejan las características de la industrialización y la comercialización. Los factores que condujeron al arte pop no se encontraron en todas partes. La cultura urbana de la posguerra en Gran Bretaña y Estados Unidos fue el terreno especial para su crecimiento. Sólo los artistas que tienen un estrecho contacto con esta cultura urbana pueden captar el estilo y la expresión únicos del arte pop. Se cree que el arte pop en sentido estricto se originó en el Reino Unido, no en los Estados Unidos. A finales de 1952, un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos y críticos se reunieron en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. Este grupo autoproclamado "indie" se centra en la cultura pop y su significado, como películas occidentales, novelas espaciales, vallas publicitarias, la belleza de las máquinas y más. Estos fenómenos fueron considerados antiestéticos en aquella época. Este grupo estaba obsesionado con la nueva cultura pop urbana y se sentía particularmente atraído por las expresiones estadounidenses. Por un lado, a los ojos de los británicos, Estados Unidos en ese momento era un país ideal, con todo, desde productos de nailon hasta motocicletas nuevas. Por otro lado, el mundo del arte británico en la década de 1940 estaba envuelto en una atmósfera de seria lucha romántica, y el arte pop británico fue una reacción a ella. En 1956, las "Independencias" realizaron una exposición llamada "Esto es el mañana". La obra más poderosa y conmovedora de la exposición es un cartel colocado por Richard Hamilton en la entrada titulado ¿Qué hace que las casas de hoy sean tan encantadoras? (Figura 1). La imagen era un apartamento moderno recortado de una revista ilustrada, con un hombre musculoso y una mujer desnuda altiva en su interior. Hay muchos artefactos culturales en el apartamento: un televisor, una grabadora, una portada ampliada de un cómic, una insignia de Ford y un anuncio de una aspiradora. A través de la ventana del cuadro se puede ver una pantalla de cine que muestra un primer plano de Al Jolson de la película "El cantante de jazz". El hombre también sostenía una enorme paleta con tres letras grandes POP. De aquí surge el término Pop Art. Pop no es sólo el sufijo de piruleta, sino también la abreviatura de "moda". En Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta al expresionismo abstracto que prevaleció en la década de 1950. Por un lado, las obras del expresionismo abstracto se consideran expresiones de la personalidad única del artista, enteramente personal, subjetiva y espiritual. Destaca la pureza del arte y se convierte en un arte espiritualmente noble. Por otro lado, como este tipo de espiritualidad radica en la improvisación, que es completamente personal, muchas generaciones posteriores la han imitado, por lo que parece que todos pueden practicar este arte "elegante". Es una pena que la mayoría de estas obras sólo tengan imágenes deslumbrantes, pero es difícil expresar el espíritu. Se puede decir que hay muchos ojos, pero en realidad son pocos. El arte pop probó audazmente nuevos materiales, nuevos temas y nuevas formas para resolver los problemas del expresionismo abstracto. En la década de 1960, el arte pop trajo "vida" y vida urbana moderna a museos y galerías de arte. La primera exposición colectiva que hizo popular el título "Pop" en todo el mundo fue la exposición "Nuevos artistas realistas" celebrada en la Galería Dzhanis de Sydney en 1962, que reunió a artistas de esta corriente (incluidos artistas europeos). A esta le siguieron dos exposiciones celebradas en 1963: "Exposición de los Seis Artistas" y "Exposición de la Imagen Popular". Hasta cierto punto, Estados Unidos influyó en todo el arte pop del mundo. Debido a la fuerte influencia de la cultura empresarial estadounidense, las películas de Hollywood y las hamburguesas de McDonald's se pueden ver en casi cualquier país del mundo, las cuales han penetrado en muchas culturas y se han convertido en una cultura popular que se puede consumir. El arte pop, por otra parte, es un arte "industrial". Roy Roy Lichtenstein dijo una vez: "A medida que Estados Unidos se ve cada vez más afectado por la industrialización y el capitalismo, sus valores parecen estar más distorsionados... Creo que el significado de mi creación es mostrar que está industrializado. Esto es También la dirección de todo el mundo pronto será la misma en Europa, por lo que el arte pop ya no será americano, sino global ". El arte pop se resiste al lema de un crítico famoso: el gran arte debe ser difícil. Para el arte, los artistas pop a menudo. Usé collage o copia masiva, lo que parecía más fácil. "El arte pop es el café instantáneo y la pantalla ancha del cine moderno. No es latín bajo los monjes, es arte pop" El atractivo del arte pop es tan amplio como su alcance. Acepta todo en la vida y todos sus aspectos más ordinarios. Sigue siendo arte, pero no es arte por el arte.
Hablando de arte pop británico y estadounidense, los primeros en mencionar son los estadounidenses Rauschenberg y Jasper Johns, y el británico Richard Hamilton. Rauschenberg nació en Texas en 1925 y comenzó a estudiar a finales de los años cuarenta. Influenciado por el expresionismo abstracto en sus inicios, pintó una serie de cuadros completamente blancos a principios de la década de 1950, donde la única imagen era la sombra del espectador. Más tarde, pintó una serie de cuadros completamente negros, pero no fueron los primeros. Más tarde, se decantó por la "pintura de montaje", utilizando elementos comunes de la vida para componer imágenes: botellas de cerveza, cajas de cartón usadas, neumáticos viejos, periódicos, fotografías, cuerdas, sacos, almohadas, etc. El lienzo y los objetos fijados en el lienzo constituyen una obra, y "Cama" (Figura 2) es un ejemplo típico de este tipo de obra. El artista simplemente colgó sacos de dormir y almohadas sobre el lienzo y les roció un poco de pintura. El propósito de utilizar productos confeccionados en sus obras es romper los límites entre el arte y la vida. Como él mismo dijo, "La pintura es arte y vida, ninguno de los cuales está hecho. Lo que quiero hacer está en algún punto intermedio. Al mismo tiempo, sus obras tienen rastros de expresionismo abstracto, a menudo con gran valentía". La filosofía artística de Rauschenberg fue influenciada por el artista experimental John Cage, a quien conoció mientras trabajaba en Black Mountain College. Conoció a Cage en 1951 y los dos se volvieron muy cercanos. Cage influyó en Rauschenberg desde una perspectiva zen: "El juicio no tiene sentido, porque no hay ningún hecho de que algo sea mejor que otros. El arte no debe ser diferente de la vida, sino un acto en la vida. En Laos A lo largo de su carrera creativa, Schenberg mantuvo conexiones". con las comunidades urbanas y técnicas que lo rodean. Su enfoque "sintético" puede reflejar ricas imágenes de una época. Por ejemplo, en el símbolo "" (Figura 3), podemos ver toda la información que tiene las características de los Estados Unidos en la década de 1960, incluida la estrella del presidente Kennedy, el líder negro Martin Luther King, los soldados de la guerra de Vietnam y los astronautas que aterrizaron. en la luna. La carrera de John tuvo muchas similitudes con la de Rauschenberg. En un momento clave de su desarrollo, compartieron estudio. John es conocido por su personalidad única pero ordinaria. Una fila de números (Figura 4-1), un objetivo (Figura 4-2), una bandera estadounidense (Figura 5), un mapa estadounidense, etc., se han convertido en clásicos del arte pop. Eligió estas imágenes porque creía que no producirían ninguna. energía. Lo que quería enfatizar era que "la pintura es en sí misma, no una representación de ningún otro objeto". John no pretende expresar una crítica del arte o la sociedad a través de su trabajo. En su opinión, un artista tiene absoluta libertad para hacer lo que quiera y no debe verse restringido por consideraciones de evaluación. Cree que, en la mayoría de los casos, las obras se malinterpretan y se utilizan mal, y el artista no tiene control sobre la situación y la forma en que se evalúa su obra. No le importaba en absoluto la graciosa situación. Una de sus famosas esculturas es una reproducción en hierro de dos latas de cerveza (Figura 6), que suele entenderse como una crítica a un determinado status quo social. Pero en realidad esta creación fue puramente accidental. "Hice esculturas con objetos pequeños: linternas y bombillas. Y entonces sucedió una historia. De alguna manera, Willem de Kooning se enojó con mi agente. Dijo: 'Ese hijo de puta, si le das, podría vender dos latas de cerveza'. "Escuché esto y pensé: 'Qué bonita escultura: dos latas de cerveza'. Parecía que se adaptaba perfectamente a mis gustos, así que la hice, y mi agente las vendió". famoso como Rauschenberg y John en Estados Unidos fue Richard Hamilton. Los tres hombres se parecían más en su gran interés por el dadaísmo. La educación personal de Hamilton tuvo una influencia importante en sus logros artísticos. Comparado con la mayoría de los demás artistas, en realidad fue un hombre autodidacta. Después de graduarse de la escuela primaria a los 14 años, comenzó a trabajar en publicidad y asistió a clases nocturnas en varias escuelas de arte. Su experiencia como profesor se convirtió en otra poderosa influencia en su carrera pictórica. Impartir cursos de diseño durante mucho tiempo le ha hecho prestar especial atención a las habilidades de resolución de problemas y siempre le ha convertido en un pragmático. En 1957, dijo que las cualidades que perseguía eran populares, de corta duración, asequibles, divertidas, sexys, ingeniosas, encantadoras y debían ser baratas y producidas en masa. Aunque Hamilton hizo un uso extensivo de temas americanos, no era un artista de estilo americano. Siempre estuvo dispuesto a explicar su trabajo, a veces con gran detalle. Por ejemplo, la obra Ella