Cómo escribir una reseña de una película
Una reseña de una película, denominada reseña cinematográfica, es un análisis y crítica del director de una película, los actores, el lenguaje de la lente, las técnicas de rodaje, la trama, las pistas, el entorno, el color, la luz, etc. También se le llama reseña cinematográfica.
Propósito de la reseña
El propósito de la reseña cinematográfica es analizar, identificar y evaluar el valor estético, el valor cognitivo, el significado social y el lenguaje visual contenidos en la imagen, para lograr El objetivo de la filmación El propósito de una película, explicar los principios incorporados en la película, no solo puede ayudar al director a ampliar sus horizontes y mejorar su nivel creativo al analizar el éxito o el fracaso de la película, sino también promover la prosperidad y el desarrollo. del arte cinematográfico; a través del análisis y la evaluación, también puede influir en la percepción que el público tiene de la película, mejorar el nivel de apreciación del público y promover indirectamente el desarrollo del arte cinematográfico. Revisar contenido
Aplicación Kyobetsu
Primeros planos: retratos y tomas parciales del rostro del sujeto. Puede hacer que el objeto de actuación se destaque del entorno circundante, produciendo una imagen visual clara y un efecto de énfasis. Los primeros planos pueden mostrar los sutiles cambios emocionales de los personajes, revelar los movimientos momentáneos internos de los personajes y hacer que la audiencia se sienta fuerte visual y psicológicamente.
Primer plano: toma una foto de película de un personaje desde el pecho hacia arriba. Permite a la audiencia ver claramente las expresiones faciales del personaje o ciertos movimientos corporales, lo que conduce a una descripción detallada de la apariencia, el comportamiento, la vestimenta, la apariencia, etc.
Plano medio: plano cinematográfico del personaje por encima de sus rodillas. Es beneficioso expresar los movimientos corporales de los personajes, explicar la relación entre las personas, profundizar la sensación de profundidad en la imagen, expresar un determinado entorno y atmósfera y describir un conflicto de manera ordenada mediante la combinación de lentes. El pasaje se utiliza a menudo para describir la trama.
Panorama: Pantalla de cine que captura el cuerpo completo de un personaje o una escena completa. Puede demostrar plenamente toda la acción de los personajes y la relación entre ellos. En un panorama, las personas y el entorno suelen estar integrados, creando una imagen vívida de personas y paisajes.
Visión: se refiere a una escena que expresa un espacio vasto o una escena abierta. Es la que tiene la mayor distancia de visión y el mayor rango de espacio entre todas las escenas. En los programas de televisión, se utiliza a menudo para expresar entornos geográficos, características naturales y escenas y paisajes abiertos.
Panorama: normalmente tomada desde un ángulo alto, utilizada como una toma de campo de visión fijo o como recordatorio de un espacio amplio y abierto.
Aplicaciones audiovisuales
Sonido: incluye voz humana, música de fondo y sonidos.
Voz: comentario, promoción de trama, promoción de personajes.
Música de fondo: Realza la atmósfera, exagera la atmósfera, profundiza el tema y es bueno en el lirismo.
Sonido: Aumenta el realismo, mejora la atmósfera circundante y expresa tus sentimientos.
Pantalla: incluye personajes, escenografía y atrezo.
Personas: centro de la visión y portadoras del pensamiento.
Paisaje: expresa emociones, favorece el desarrollo de la trama y profundiza en la temática.
Accesorios: representar personajes, conectar historias y expresar emociones.
Combinación de sonido e imagen: incluye correspondencia entre sonido e imagen, separación de sonido e imagen y comparación de sonido e imagen.
Correspondencia entre sonido e imagen: sin imagen, sin sonido.
Separación de sonido e imagen: el sonido y la imagen se narran por separado, y no existe ningún conflicto evidente entre ambos.
Contraste entre sonido e imagen: Sonido e imagen forman un fuerte contraste en significado y emoción.
Color: Da forma a los personajes, crea una atmósfera ambiental y forma ideas creativas.
Color: dividido en tonos fríos y cálidos.
Colores fríos: los tonos en los bordes azul y verde de la rueda cromática se denominan colores fríos y pueden dar a las personas una sensación de frío, tranquilidad, atraso y lejanía.
Colores cálidos: Los tonos rojos y naranjas del círculo cromático se denominan colores cálidos, y pueden dar a las personas una sensación de calidez, emoción, espíritu emprendedor y armonía.
Luz: función modeladora, función expresiva, pintura exterior de personajes.
Aplicación del objetivo
Plano largo: disparo continuo de una toma de película larga, normalmente de más de 30 segundos. La lente larga puede mantener la unidad completa del efecto general y el tiempo y el espacio de la trama; puede reproducir fiel y completamente la imagen real, aumentando la credibilidad, la persuasión y el atractivo de la película; también puede exagerar la atmósfera y expresar las actividades psicológicas; de los personajes.
Plano vacío: también conocido como “plano de escena”. Escenas sin personajes (principalmente aquellos relevantes para la trama) que representan paisajes o escenas naturales. A menudo se utiliza para presentar el trasfondo ambiental, explicar el tiempo y el espacio, expresar las emociones de los personajes, promover el desarrollo de la historia y expresar la actitud del autor. Tiene las funciones de explicación, sugerencia, símbolo, metáfora, etc. En la película, se pueden producir efectos artísticos como tomar prestados objetos para expresar emociones, mezclar escenas, representar concepciones artísticas, crear atmósferas y despertar asociaciones. , y también tiene un papel único al cambiar el tiempo y el espacio de la imagen y ajustar el ritmo de la película.
Montaje
Montaje era originalmente un término arquitectónico que significaba composición y montaje. Hoy en día, es un término profesional en cine y televisión, y es una habilidad de edición, que generalmente incluye dos aspectos: edición de imágenes y síntesis de imágenes. El uso del montaje puede enriquecer el poder expresivo del arte cinematográfico, aclarar el contenido de la actuación y lograr un alto grado de resumen y concentración; también puede estandarizar y guiar las emociones y la psicología del público, e inspirar al público a pensar; También puede realizar la reconstrucción del tiempo y el espacio para formar métodos únicos de revisión de cine y televisión.
Introducción general
Los comentarios de los críticos de cine pueden basarse en la concepción única del director, las imágenes sonoras, las verdades profundas, el significado contemporáneo de la película, la música de la película, el contenido de la película, la iluminación de la película, y técnicas de rodaje, papeles en películas, etc.
En el proceso de comentar, el autor expuso sus propias opiniones basadas en el contenido específico de la película y los puntos más brillantes de la película en términos de concepción, estructura, tecnología, tareas, etc. para mayor argumentación.
A la idea general
Escribe una buena reseña cinematográfica, resumiendo "nueva" y "rara" en dos palabras.
Pasos
Temas
El título es el primer punto destacado de cualquier escrito, y las críticas cinematográficas no son una excepción. La clave para un buen tema de reseña cinematográfica es si se puede utilizar para transmitir el mensaje que el autor quiere expresar en la reseña cinematográfica. Al escribir una reseña después de ver una película, primero debes encontrar un buen punto de partida. Por supuesto, este punto de partida comienza con el título. Los temas de reseñas de películas se centran en la innovación y la novedad, lo que contribuye a que otros vean el tema tan pronto como lo vean. Además, cuanto más corto sea el título de la reseña de la película, mejor; de 6 a 7 palabras es apropiado.
Inicio
Los profesores que leen composiciones chinas del examen de ingreso a la universidad tienen el hábito de calificar, que es el título-principio-(medio)-final. Si un candidato escribe bien en la parte media pero le va mal al principio, el profesor que califica como máximo echará un vistazo a la parte media del examen, y es posible que algunos ni siquiera la miren. Por eso, el comienzo es sin duda una parte muy importante.
Al comienzo de la reseña de la película, puede presentar directamente los aspectos más destacados de la película sobre la que desea escribir, o escribir directamente sobre el clímax de la película, para despertar el interés del lector; Inserte también una cita de una película famosa, como Bazin y Eisenstein esperan. , lo que hará que la reseña de tu película sea aún mejor.
La mitad
Esta parte es el contenido central de la reseña de la película. De hecho, escribir una reseña cinematográfica es como escribir un ensayo argumentativo. Por eso, a la hora de escribir una reseña de una película, debes prestar atención a más análisis y menos narrativa, centrarte en lo que quieres expresar, exponer argumentos e interpretarlo capa por capa, pero teniendo cuidado de no salirte del tema. , todo lo que analices en la reseña cinematográfica debe girar en torno a tu centro.
Final
Una vez que hayamos terminado de hablar del contenido principal de la reseña de la película, no podemos terminarlo ahí. También debería haber un final rotundo. Al final, primero debe resumir el contenido principal de la reseña de la película y luego expresar sus pensamientos y su comprensión de toda la película. También puede citar citas famosas para expresar sus deseos y darle un buen final a la reseña de la película.
Existencia de problemas
Divagación, narración, comprensiva, sin opinión, escribiendo "trozos de tofu", poniendo el carro delante del caballo, preguntas de sentido común, sin detalles.
La situación actual de las críticas cinematográficas
En China, las críticas cinematográficas suelen considerar los siguientes aspectos: ① Si la tendencia y la autenticidad de la película están unificadas (2) Qué tan personalizadas y típicas; los personajes son; ③ ¿La película refleja la era innovadora desde el contenido hasta la forma? ④ ¿Tiene la película un estilo nacional distintivo y una personalidad creativa? ⑤ ¿Qué exploraciones valiosas hay en la aplicación de los conceptos y el lenguaje cinematográfico? ⑥La calidad de visualización de la película y sus efectos sociales.
Tecnología de expresión cinematográfica
El cine es un arte integral creado por un colectivo, y todos los miembros creativos son los creadores de las formas de la pantalla. En términos relativos, cada departamento solo puede desempeñar un papel en un determinado aspecto del modelado de imágenes. Sólo a través de la combinación orgánica de las creaciones de cada departamento se puede formar un modelado de imágenes completo. En última instancia, este tipo de creación de grupo se basa en la idea general del director, por lo que el director es el principal responsable de la calidad del modelado de la imagen. El principal logro del trabajo del director de cine también se refleja en la apariencia en la pantalla.
El ritmo es uno de los aspectos más importantes del arte cinematográfico. El ritmo cinematográfico es la composición integral de todos los elementos del arte cinematográfico y es el efecto que se produce en la fisiología y psicología del público. El ritmo en las películas no sólo se refleja en la progresión del tiempo, sino también en la forma de movimiento del espacio y la síntesis de tiempo y espacio. El ritmo cinematográfico no es sólo la expresión de habilidades artísticas, sino también el resultado de comprender la película en su conjunto y utilizar métodos cinematográficos de manera integral de acuerdo con las necesidades de la trama y la creación de personajes. Es la unidad dialéctica de la composición local y la composición global del ritmo. El ritmo de una película generalmente existe en el guión, el concepto general del director y el libro de planos, e impregna las creaciones artísticas como la interpretación, el estilismo, el sonido, la fotografía, el arte, el montaje, etc., formando el ritmo de la trama y el estilismo. Como diseñador jefe y director de la película, el director desempeña un papel decisivo en la expresión del ritmo y el estilo de la película.
El ritmo es básicamente una expresión de emoción artística. La forma física del ritmo es el movimiento, y su origen psicológico es que el artista transmite una cierta intensidad del pulso emocional en la obra a través de medios de expresión especiales en la película, provocando así que el público se sienta emocionalmente impactado o vibrado. La gente suele considerar la velocidad como la única expresión del ritmo y utilizan rápido o lento para medir el ritmo, pero velocidad no es igual a ritmo. El ritmo de tempo es solo un tipo de ritmo. La medida del ritmo no es solo la duración del plano, sino también los cambios regulares de movimiento de sonidos, líneas, colores, formas y otros factores de modelado artístico (alto, bajo, fuerte, débil, tenso, relajado, relajado, etc.) , así como los cambios que provocan en los sentimientos fisiológicos de la audiencia. El ritmo es la unidad de la subjetividad y la objetividad, la unidad de la psicología y la fisiología. La infinita riqueza de la connotación de la expresión cinematográfica, las infinitas posibilidades de los medios de expresión cinematográfica y la complejidad de la psicología de aceptación del público determinan la infinita diversidad de las formas y cambios de ritmo del cine.
El ritmo interno se debe a los conflictos internos y conflictos del desarrollo de la trama, las fluctuaciones emocionales de los personajes y otros elementos del contenido. En el cine, un aspecto importante del ritmo interior es la tensión interior de las actuaciones de los actores y los personajes que interpretan, que está estrechamente integrada con las técnicas de puesta en escena y montaje.
El ritmo externo es el ritmo producido por los movimientos de todos los sujetos en pantalla, la combinación de planos de varias duraciones y los cambios de los planos, así como los cambios de velocidad, luz y sombra. color y varias formas de pantalla.
La ejecución del ritmo externo a veces es consistente con el ritmo interno, a veces inconsistente o incluso completamente opuesta. Someterse a la concepción artística unificada.
Para descubrir cómo yuxtaponer el montaje, el director de cine soviético Lev Kuleshov llevó a cabo un famoso experimento con edición de planos. Sin expresión alguna, tomó un primer plano del famoso actor ruso Mo Youxin y lo colocó frente a una olla de sopa, un niño jugando y el cuerpo de una anciana. Para su sorpresa, descubrió que lo que el público vio fue la "actuación" del actor, es decir, mostró hambre al ver la sopa, alegría al ver al niño y tristeza al ver el cuerpo de la anciana. De hecho, todo esto se debe a la combinación de planos, que hace que el público se asocie. A partir de este experimento, Kulishov concluyó que no es el contenido de una sola toma, sino la yuxtaposición de varias imágenes, el papel de la composición y edición de la toma. Este es el llamado efecto Kuleshov.
La lente subjetiva utiliza la lente de la cámara de cine como los ojos de los personajes de la película para observar (fotografiar) las actividades de otras personas y cosas, es decir, disparos con lentes subjetivas. Este tipo de plano que representa la línea de visión de un determinado personaje de la película se denomina plano subjetivo (plano subjetivo estrecho). Los planos subjetivos también incluyen planos que expresan claramente los comentarios subjetivos, los sentimientos y las emociones subjetivos del director (planos con una fuerte expresividad subjetiva en un sentido amplio). No existe una lente puramente objetiva ni una lente puramente subjetiva. La lente subjetiva siempre se produce en el desempeño de la lente objetiva. Por ejemplo, esta es una actuación subjetiva típica de Hitchcock: el personaje resulta herido en la cabeza y la sangre fluye hacia abajo, cubriendo gradualmente la línea de visión, y la sangre cubre la pantalla. Esta es una actuación subjetiva, pero no puede serlo. separado del proceso objetivo de la lesión del personaje. El rendimiento subjetivo de la lente es más complejo que el rendimiento objetivo y tiene múltiples modos de aplicación. Como lentes subjetivas reactivas, lentes subjetivas imaginarias, lentes subjetivas de múltiples ángulos, lentes subjetivas de múltiples niveles, lentes subjetivas aproximadas, etc.
La lente objetivo generalmente se refiere a la lente de la cámara que utiliza el punto de vista compartido por la mayoría de las personas en la escena del rodaje. Este tipo de lente permite al público tener una sensación de presencia en los efectos visuales de la imagen y lograr el propósito de expresión objetiva. La objetividad de las lentes objetivas incluye dos significados: primero, se refiere a la verdad objetiva que refleja el objeto mismo, es decir, la autenticidad del contenido de la vida reproducido por el arte. Esto es lo que los directores suelen exigir e insisten cuando utilizan la creación realista tradicional. métodos. Por ejemplo, muchos de los acontecimientos, ambientes, personajes y otras escenas de la vida que se muestran en películas como “Edad Media” requieren de la reproducción de la autenticidad de la vida, es decir, la visibilidad de la vida reflejada en el arte; la segunda se refiere al objetivo; descripción del objeto. Este tipo de descripción objetiva es inevitable en las películas de la vida real, los cuentos de hadas, los mitos y las películas absurdas. Por ejemplo, en la representación de diversos eventos y procesos en la película "Viaje al Oeste" es donde entra en juego la lente objetiva. El propósito de utilizar lentes objetivos es guiar a la audiencia para que observe la representación cinematográfica, sin importar el significado, que tenga la autenticidad objetiva de la situación designada, de modo que la película pueda lograr el propósito de narrativa y descripción. Al final, los pensamientos y sentimientos de la edición, la dirección y la fotografía quedan inevitablemente infiltrados.
Un plano vacío es un plano de una escena en la que no aparecen personajes. Es un medio importante para que el director conciba cuidadosamente el contenido ideológico, narre la historia, exprese la concepción emocional, cambie el tiempo y el espacio de la película y ajuste el ritmo. Hay dos categorías: planos vacíos subjetivos y planos vacíos objetivos. La fotografía aérea subjetiva se refiere al paisaje y los sentimientos en los ojos de los personajes, que son psicológicos y deliberadamente representados. La fotografía aérea objetiva se refiere al paisaje ambiental objetivo y al paisaje de silueta, que requiere la autenticidad de la representación del paisaje.
La técnica de transformación espacio-temporal es un medio para expresar la transformación de ciertos planos o párrafos espacio-temporales de la película para crear diversos efectos artísticos. Las técnicas comunes de conversión de espacio-tiempo incluyen: el uso de técnicas ópticas tradicionales como aparición gradual, desaparición gradual, dibujo, etc. , inserte tomas de escena que puedan expresar cambios de tiempo, estación y lugar entre dos tomas o párrafos; use subtítulos y pinturas para ilustrar cambios de tiempo y lugar. La edición no calificada se refiere al uso de imágenes sin habilidades ópticas adicionales; El contenido mismo expresa la transformación del tiempo y el espacio y divide el tiempo y el espacio en párrafos.
El fundido de aparición y desaparición también se denomina "fundido de aparición y desaparición" y "fundido de aparición y desaparición". Una de las técnicas de edición tradicionales. Los medios convencionales para expresar la separación de tiempo y espacio en el arte cinematográfico son los siguientes: la imagen de la escena anterior se desvanece gradualmente hasta desaparecer por completo (desvanecimiento), y la imagen de la última escena emerge gradualmente hasta que es muy clara y brillante. (desvanecimiento). Esta técnica muestra el final de una trama (párrafo) y el comienzo de otra trama (párrafo), dejando un cierto espacio para que el público pueda hacer una breve pausa en el sentido del párrafo y comprender con calma la trama en curso. Y puede mostrar ciertas emociones y ritmo.
Corte "switch", que es la abreviatura de "cut out and in". No soy experto en tecnología de edición. Poco a poco se ha convertido en uno de los métodos más básicos para cambiar de lente en las películas. Se refiere a la transición de un plano a otro, o de una escena a otra, sin ninguna habilidad óptica, como mezclar, pintar, difuminar, etc. Para garantizar que el cambio de lente sea suave, consistente con la lógica artística y adaptable a la psicología general de visualización, se debe captar el ritmo de la película durante la edición y la creación, y el punto de corte de la lente debe captarse con precisión.
La transformación química también se llama "fundir, fundir" y "disolver, disolver". Una de las técnicas de edición tradicionales. El medio tradicional para expresar la transición de tiempo y espacio en el arte cinematográfico, su forma convencional de expresión es: antes de que la imagen anterior desaparezca gradualmente (se funda y se disuelva), la última imagen comience a emerger gradualmente (se funda y se disuelva), y las dos imágenes se superponen y desaparecen al mismo tiempo, hasta que la última imagen queda completamente clara. "Hua" tiene muchas funciones, tales como: desempeña un papel de transición en el tiempo y el espacio; puede simplemente expresar transformaciones del tiempo y el espacio a gran escala; a menudo se usa para expresar imaginación, sueños, memoria, etc.
Y transmitir emociones directamente; cuando la distancia temporal y espacial es cercana, el uso continuo de tomas de transición "Hua" puede producir un efecto lírico y suave, que se puede utilizar para lograr el efecto visual especial de "deformación" en los cuentos de hadas, etc. .
La sobreimpresión es una forma única de lenguaje cinematográfico. Una de las técnicas de edición cinematográfica. Superponer y copiar dos o más imágenes de diferentes tiempos y espacios, diferentes escenas o personajes en una sola pieza de película se denomina sobreimpresión. Al mismo tiempo, el contenido de las imágenes superpuestas debe mantener conexiones internas para formar varios significados de las imágenes superpuestas. Algunos títulos de películas o letras y subtítulos también están sobreimpresos.
Cruzar también se llama "deslizar hacia afuera, cruzar hacia adentro" y "cruzar, cambiar de lado". Una de las técnicas tradicionales de edición cinematográfica. Una técnica utilizada para lograr coherencia visual. La forma de expresión es que esta última lente dibuja de izquierda a derecha, de izquierda a derecha, de arriba a abajo, oblicua, prismática, etc., basándose en la lente anterior. En las películas contemporáneas, esta técnica rara vez se utiliza, pero para mejorar un determinado efecto visual o crear otros efectos artísticos, a veces todavía se utiliza esta técnica, centrándose en su novedad.
Una especie de "corte" saltando a la comba. No soy experto en tecnología de edición. Rompe los requisitos de continuidad del tiempo, el espacio y la acción al cambiar entre planos de estado convencionales, y combina los grandes tiros en salto para resaltar algunos contenidos necesarios y omitir el proceso de tiempo y espacio. Saltar no solo se basa en la conexión lógica interna del contenido de la trama, sino también en la iniciativa y coherencia de la psicología de apreciación de la audiencia, eliminando combinaciones aleatorias ilógicas.
Flashback generalmente se refiere a insertar otra escena o fragmento en una estructura de escena. El flashback puede ser una técnica narrativa fragmentaria en una película, o puede formar una estructura general de la película, es decir, una película con estructura de flashback. En términos de contenido, el contenido de los flashbacks generalmente son pensamientos o recuerdos de un personaje en la toma anterior. Puede ser perceptivo o narrativo; puede ser un discurso largo o una expresión momentánea de conciencia. El propósito es permitir que la audiencia sienta los pensamientos y emociones de los personajes con mayor claridad y comprenda la verdad.
Muestra de trabajo Cada día laborable se debe revelar una película positiva a partir de la película extraída, que es la muestra de trabajo. Para revisión por parte del personal creativo principal del equipo de filmación y del responsable de fábrica. Los decorados y todo el montaje del decorado no deben desmontarse hasta que la muestra de trabajo haya sido revisada o refotografiada. En la postproducción, los directores y editores utilizan los diarios para recortar y ensamblar metraje, así como para doblar y mezclar grabaciones, así como para la revisión final de la película y, en última instancia, como base para un set de filmación completo. Las muestras de trabajo son materiales preciosos y deben conservarse con cuidado.
Doble membrana se refiere a “doble membrana completa” y “doble membrana híbrida”. Consta de dos partes: una muestra editada de la obra y una grabación mixta de la película sonora magnética. La finalidad de la doble hoja es facilitar la revisión tras escuchar las opiniones de revisión. A diferencia de la copia oficial, debe proyectarse a través de un proyector sincrónico para lograr el efecto de síntesis de imagen y sonido. Después de la revisión, aprobación y modificaciones, el mixtape se convertirá en una banda sonora óptica a través de la contraportada de la imagen y la copia oficial estará lista para imprimir.
1.3 Técnicas de expresión del objetivo cinematográfico y televisivo
El objetivo es la unidad básica de la creación cinematográfica y televisiva. Una obra completa de cine y televisión se va completando plano tras plano. Sin lentes independientes no habría obras de cine y televisión. Mediante la combinación de múltiples lentes y la ejecución del diseño, se completa la producción de lentes de todo el trabajo cinematográfico y televisivo. Por lo tanto, las habilidades de aplicación de los lentes también afectan directamente el efecto final del trabajo cinematográfico y televisivo. Entonces, ¿cómo funcionan los lentes de uso común en el rodaje de cine y televisión? A continuación se explican en detalle las técnicas para utilizar lentes de uso común.
En primer lugar, empujar la lente
El empujar la lente es una técnica de disparo común, principalmente moviendo la lente hacia adelante o haciendo zoom, acercándose gradualmente al objeto a representar, haciendo la gente siente que es acercarse a lo que se va a observar paso a paso. Observar algo de cerca puede mostrar el cambio del mismo objeto de lejos a cerca, o el cambio de un objeto a otro. El uso de esta lente es principalmente para resaltar una determinada parte del sujeto para que los cambios en los detalles se puedan ver más claramente. Por ejemplo, observar una antigüedad y ver características detalladas a través del zoom general también es una aplicación de lente push.
En segundo lugar, la lente en movimiento
La cámara móvil también se denomina disparo móvil. Significa fijar la cámara en el objeto en movimiento y moverla en todas direcciones para disparar al objeto fijo, de modo que el objeto fijo tenga el efecto de moverse. Al tomar fotografías, las imágenes tomadas se presentarán paso a paso, formando una experiencia visual de inspección o visualización. Expresará algunos objetos de manera coherente, formando un efecto dinámico para formar una animación cinematográfica y televisiva, que puede mostrar el efecto de comprensión gradual y aclarar el tema gradualmente. Por ejemplo, estamos sentados en un coche Mercedes-Benz. Al mirar el paisaje fuera de la ventana, el paisaje está inmóvil, pero siento que el paisaje se mueve. Es lo mismo. Esta técnica de fotografía se utiliza principalmente para expresar naturaleza muerta.
En tercer lugar, sigue la cámara
Sigue la cámara, también llamado seguimiento, encuentra el punto de interés durante el proceso de disparo y luego sigue el objetivo para disparar. Por ejemplo, en un hotel, al principio solo se filma la gran escena de todo el hotel, y luego un camarero sigue a la cámara desde una posición y camina alrededor de la mesa. La posición del objeto que se mostrará en tomas posteriores sigue siendo la misma en el encuadre, pero cambia con el encuadre por el que pasa. Así como una persona camina por la calle con otra, las cosas a su alrededor cambian, pero el estilo que sigue no cambia. La lente de seguimiento también es un método comúnmente utilizado en filmaciones de cine y televisión. Puede resaltar bien al sujeto y expresar la velocidad de movimiento, dirección, postura y otra información del sujeto, brindando a las personas una sensación de inmersión.
Cuarto, agita la cámara
La panorámica también se llama panorámica.
Al disparar, la cámara no se mueve, sino que mueve la lente hacia la izquierda y hacia la derecha, hacia arriba y hacia abajo, moviéndose o girando, haciendo que las personas sientan que están mirando de una parte del objeto a otra. Por ejemplo, una persona se queda quieta y gira el cuello para mirar algo. Lo que decimos a menudo sobre mirar a nuestro alrededor es en realidad este principio.
La panorámica también se utiliza a menudo en rodajes de cine y televisión. Por ejemplo, hay una cueva en la película y luego se usa para disparar hacia arriba, abajo, izquierda y derecha. La panorámica se utiliza principalmente para mostrar la presentación gradual de las cosas, una imagen tras otra, desde que ingresa gradualmente a la lente hasta que sale gradualmente de la lente para completar el desarrollo de todo.
Verbo (abreviatura de verbo) lente giratoria
Lente giratoria se refiere a una imagen con el efecto de rotación del sujeto. La lente se gira a lo largo o cerca del eje óptico de la lente, y la cámara gira rápidamente más de 360 grados. Esta técnica de filmación expresa principalmente el mareo de los personajes y es una técnica de filmación comúnmente utilizada en el rodaje de cine y televisión.
Sexto, tirar de la lente
Tirar de la lente y empujar la lente son exactamente lo contrario. Si el pueblo Han usa la cámara para retroceder o hacer zoom, se alejará gradualmente del objeto principal a expresar, lo que hará que las personas sientan que se están alejando del objeto a observar paso a paso, y el efecto general de ver. algo desde lejos. Puede mostrar el cambio del mismo objeto de cerca a lejos, y también puede mostrar el cambio de un objeto a otro. La aplicación de este tipo de lentes es principalmente para resaltar el efecto del sujeto y captar la situación general, como filmar dentro del cañón en películas y programas de televisión comunes.
7. Agitar la lente
Tirar la lente es agitar la lente rápidamente y transferirla a otra escena muy rápidamente, cambiando así la imagen a otro contenido, y el proceso en. el medio produce un efecto borroso. Este tipo de filmación puede mostrar una transición repentina de contenido.
8. Agitar la cámara
En comparación con los métodos anteriores, la panorámica se utiliza con menos frecuencia. Se utiliza principalmente en entornos específicos para hacer que la pantalla se mueva hacia arriba, abajo, izquierda, derecha o hacia adelante y hacia atrás. Se utiliza principalmente para expresar trance, mareos, navegación y otros efectos de sacudidas. Por ejemplo, cuando se muestra una escena de un personaje borracho, es necesario utilizar la traducción o, por ejemplo, el efecto de baches causado por conducir en una carretera irregular.
Cuando se habla de técnicas de expresión cinematográfica hay que mencionar el montaje.
Ya a finales del siglo XIX, los maestros del cine comenzaron a utilizar el montaje, una técnica que hizo que las películas dieran un salto adelante. El montaje presenta sorprendentes efectos artísticos en la creación cinematográfica y crea un poder artístico conmovedor. En la estructura fluida de la imagen, el montaje se ha convertido en el método creativo más eficaz.
El método de montaje es un método de combinar dos o más elementos en un contenido completamente nuevo. Eisenstein, el famoso maestro de montaje, teórico de cine y director soviético, mencionó una vez en sus obras que los caracteres chinos para "boca" y "perro" constituyen "ladrido". Ya sabes, esto es un montaje: "boca" y "perro" son sustantivos con significados independientes, pero cuando se combinan, sufren un cambio cualitativo y se convierten en un verbo. Se muestran en la pantalla y los primeros planos de la "boca" y el "perro" se editan juntos, lo que naturalmente hace que el público se dé cuenta de que se trata de un perro que ladra, o que hay un perro ladrando allí, como si escuchara su sonido. . Esta técnica de montaje se ha convertido en un lenguaje cinematográfico único. El montaje en películas se refiere al corte y combinación de tomas o edición. A continuación se muestra un famoso ejemplo de un experimento típico de creación de montaje, también en tres planos. Diferentes métodos de edición producirán diferentes efectos:
1.
2. Se apunta la pistola.
3. Cara de miedo.
Semejante secuencia de planos hace que el espectador se sienta cobarde y temeroso de los personajes.
1. Cara de miedo.
2. Se apunta la pistola.
3. Una persona se ríe.
Esta combinación de planos muestra la valentía de los personajes. Eisenstein resumió una vez este experimento. Dijo: "La yuxtaposición de dos temas no relacionados a través de la edición no significa agregar una toma a otra; da como resultado una creación en lugar de una fusión de partes. Debido a esta yuxtaposición, el resultado es cualitativamente diferente de mirar cada componente por separado". (Cuatro conferencias sobre arte cinematográfico)
El pensamiento de montaje es un pensamiento creativo basado en la percepción visual y auditiva humana. La relación entre la segmentación y combinación de planos establecida por el montaje cinematográfico, es decir, la relación entre la separación y la intersección de diferentes elementos, se realiza en última instancia a través de las funciones perceptuales de análisis y síntesis, y debe depender de la función psicológica de la asociación.
La asociación puede provocar simultáneamente recuerdos del pasado e imaginación del futuro. Este importante fenómeno psicológico es el puente psicológico entre los planos frontal y posterior en la estructura del montaje.
Aquí existen tres formas de asociación.
Primero, analogía y asociación. Debido a que existen técnicas similares o contenido similar entre planos o grupos de planos, el público asociará escenas similares. En segundo lugar, contraste y asociación. Sus tomas o fragmentos son opuestos en forma o contenido, mostrando el mismo sujeto desde ángulos opuestos, haciendo que el sujeto deje una impresión más profunda.
En tercer lugar, cerca de Lenovo. Es a través de las mismas reflexiones condicionadas, simultáneas o sucesivas, que se conectan los planos cercanos en el espacio y en el tiempo, provocando que las personas asocien y reflexionen sobre sus connotaciones. El propio Chaplin comentó que la película se desarrolló a partir de un concepto abstracto: una crítica de nuestro modo de vida mecanizado.
El uso de técnicas de montaje inyecta vitalidad y vitalidad a la película, combinando imágenes ordinarias con connotaciones infinitas, dejando un espacio infinito para la imaginación del público.
Se puede decir que la aplicación del montaje en el cine es una gran revolución en la historia del cine.
Montaje, transliteración del francés montaje, era originalmente un término arquitectónico que significaba combinación y colección. Tomando prestado de la teoría del cine y la televisión, significa editar, combinar y conectar. Xia Yan dijo: "El llamado montaje consiste en conectar las tomas de manera lógica y rítmica en función del desarrollo de la trama y la atención y preocupación del público, de modo que el público pueda obtener una impresión o sentimiento claro y vívido, para poder correctamente comprender el desarrollo de una cosa. "Los productores de cine y televisión sólo pueden lograr el éxito seleccionando, disponiendo y organizando los materiales de acuerdo con las reglas del montaje. A la hora de concebir obras cinematográficas y televisivas se suelen utilizar las siguientes cinco técnicas de montaje:
(1) Reproducción del montaje
También se denomina montaje repetido y montaje repetido. Dejemos que algunos objetos y escenas importantes aparezcan repetidamente en guiones literarios de cine y televisión. Por un lado, juegan un papel importante para atraer la atención y la atención de los lectores, por otro lado, desempeñan un papel en la clasificación del contexto y la división de niveles; en la estructura de la obra. Por ejemplo, el globo terráqueo utilizado por Varvara Vasilievna en "Village Teacher" de la Unión Soviética y los tres pinos en la montaña donde enseñó son objetos y escenas recurrentes.
(2) Montaje de contraste
También se llama montaje de contraste. Existe una conexión lógica entre las lentes ensambladas con esta tecnología, que se disparan y se comparan entre sí. Este tipo de montaje no solo se puede utilizar entre escenas y expresiones de personajes en tomas normales, sino que también se puede utilizar para combinar planos generales.
(3) Montaje paralelo
Conecta eventos y escenas relacionadas que sucedieron en diferentes lugares al mismo tiempo, de modo que puedan presentarse a la audiencia de manera ordenada, permitiendo La trama se desarrolla en paralelo y fortalece la mentalidad de suspense del público. Griffith utilizó esta combinación con éxito en "Let Us Against Our Divides": un trabajador inocente es condenado injustamente a muerte, y mientras le colocan la soga alrededor del cuello, su esposa lleva consigo el perdón del gobernador. Al llegar, este es el famoso "rescate de último minuto" . En la película china "Flying Tigers", el Pegaso de Liu Hong rescató a la cuñada de Fang Lin, lo que también es un ejemplo del uso del montaje.
(4) Montaje de metáforas
También se llama montaje de metáforas, montaje de símbolos, montaje de similitudes y montaje de asociaciones. Requiere analogías sutiles entre tomas y escenas conectadas. A través de "puntos de similitud", "puntos metafóricos" y "puntos significativos", resalta las características relevantes entre las cosas e incita al público a comprender sus significados internos y profundos.
(5) Montaje de malabares
Se trata de un montaje integral, con descomposición y concentración de la imagen; panorama y primer plano; Eisenstein utilizó con éxito el montaje de vodevil en su obra maestra "El acorazado Potemkin" y en el pasaje mundialmente famoso "Las escaleras de Odessa" para resaltar las sangrientas atrocidades de la policía militar zarista que masacró a residentes pacíficos, incluidos ancianos, mujeres débiles y niños.