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Impresionismo

En primer lugar, cambió la pintura de la representación natural objetiva a la expresión espiritual subjetiva, reflejando el concepto estético impresionista de la independencia de la pintura. Los impresionistas se oponen a la pintura tradicional clásica occidental en espíritu artístico, enfatizando la creación de formas artísticas de la nueva era, no están interesados ​​en la representación temática de la realidad y proponen que la vida y los objetos objetivos deben expresarse de forma natural y libre de ellos; En la sociedad en la que el arte tradicional se centra en la función y la función educativa, deja atrás la trama y la estructura dramática de la expresión artística de la realidad, excluye el contenido literario narrativo, se centra en los sentimientos propios del pintor y la expresión consciente de situaciones realistas, y es bueno en la intuición. El análisis del estado de vida y la forma de existencia de situaciones reales transforma la pintura de una reproducción natural objetiva a una expresión espiritual subjetiva para satisfacer las necesidades estéticas de la clase ciudadana emergente y se esfuerza por reflejar el concepto estético independiente de la pintura impresionista. Los impresionistas no se oponían a utilizar la naturaleza como maestra, pero simplemente enfatizaban "no perder la primera impresión que sientas". Los impresionistas creían que la "memoria" y la "imaginación" podían "liberarse de las limitaciones de la naturaleza". Cézanne también recordó a los pintores que "prevengan las tendencias literarias" y excluyan el contenido literario narrativo de las pinturas. La sencillez y franqueza de "La campesina" de Pissarro y la agilidad y vivacidad de "La pastora" reflejan "tomar la naturaleza como maestra" y describen la "primera impresión". La devoción y la emoción de "Horse Horse" de Degas, el ocio y el desenfreno de "Ride and Walk", la alegría y el desinterés de "Ballet Dancer on the Stage", etc., se superponen a la "memoria" y la "imaginación", intentando "aprender de la naturaleza" Liberado de la esclavitud." La amplitud de miras y el salvajismo de "El árbol torcido" de Cézanne, la tranquilidad y la pureza de "El puente sobre el Manne", la concisión y la publicidad de "Los pinos gigantes en los suburbios de Aix" siguen la "lógica del color". Los pintores impresionistas salieron de la corriente artística tradicional con "función sociológica" y entraron en la vida social de la época con la "independencia de la pintura". Las pinturas de género más destacadas de Manet, como "Coffee Concert Singer", "In the Café", "Forl Berger Tavern", etc., son obras representativas en este sentido. Aunque Lautrec nació en una aristocracia, expresó la realidad con un tono irónico. La vida nocturna de la sociedad de clase alta de París en sus obras no tenía un gusto de vida elegante y noble, sino que era un mundo de depravación, inmundicia y fraude. " El ruidoso carnaval de "El baile del Moulin Rouge" y la tranquila contemplación y el desamparo de los personajes de "El baile del Moulin Rouge" son gemidos realmente dolorosos. Aquí también podemos entender que a los impresionistas les resulta imposible invertir verdaderamente la "función sociológica" en el arte tradicional. Los impresionistas viven en una sociedad con diversas contradicciones. Aunque insistan repetidamente en el concepto estético de la independencia de la pintura. En realidad, es imposible entrar verdaderamente en la "independencia" de la "función sociológica".

El segundo es prestar atención a la integración de la luz, el color, la forma, el significado y la belleza en la pintura, reflejando las principales características de la combinación del arte y la óptica impresionista. Las pinturas impresionistas lograron avances revolucionarios en la expresión de la luz y el color. Buscaron forma en la luz y el color, expresaron significado y belleza con el elogio de la luz y el color, y comprendieron la dialéctica de la luz, el color, la forma, el significado y la belleza. lenguaje de la pintura. La relación trae la luz del sol parpadeante y las sombras sutiles a la pintura, haciendo que la pintura sea fresca, brillante y llena de vida. En las pinturas impresionistas, la luz y el color son el lenguaje pictórico básico, los elementos artísticos, la melodía musical de ritmo rápido y los símbolos culturales que fluyen lentamente. La luz y el color son el punto de partida artístico de la forma, el significado y la belleza. y colorea la forma, expresa ideas y muestra belleza. La técnica de pintura más básica de los pintores impresionistas es esforzarse por encontrar un método eficaz para romper con el color "intrínseco" único y aparentemente inmutable del objeto; se esfuerzan por capturar el color instantáneo del objeto que aparece naturalmente en un momento específico; , que se ve afectado por un determinado entorno. El color se ve afectado por las condiciones, la distancia espacial y otros objetos circundantes. Comenzaron pintando agua y describieron vívidamente los coloridos colores reflejados por las olas del agua. Luego se expandieron a la expresión de luz y color desde los edificios hasta el cielo. La exploración impresionista de la luz y el color se benefició de los nuevos descubrimientos de los científicos sobre la naturaleza de la luz a principios del siglo XIX, lo que dio lugar a un salto cultural resultante de la combinación de arte y ciencia. Monet pintó repetidamente la catedral de Rouen y los pajares en diferentes momentos para capturar la luz y el color del momento. "Catedral de Rouen, puerta vista desde el frente, armonía del marrón" y "Catedral de Rouen, efecto de la luz del sol, tarde" en esta exposición del tesoro son más de 30 pinturas al óleo pintadas por Monet para la iglesia. Mientras pintaba estos cuadros, escribió en una carta a su esposa que cada día hacía algunos nuevos descubrimientos que no había visto el día anterior, por lo que rápidamente los compensaba, pero al mismo tiempo también perdía. algo.

El tercero es utilizar la yuxtaposición, superposición y técnicas de color complementario de colores primarios para formar un nuevo lenguaje pictórico del impresionismo. Para expresar los cambios dinámicos de los objetos y los colores deslumbrantes y extraños de la luz, los pintores impresionistas utilizaron pequeñas pinceladas y yuxtaposiciones de tonos. Algunos colores ya no se mezclan en la paleta, pero los tres colores primarios, rojo, amarillo y azul, sí. yuxtapuestos, a veces superpuestos, y El contraste complementario de rojo y verde, amarillo y violeta, azul y naranja crea una nueva armonía de colores con un fuerte impacto visual. La nueva técnica de "luz y color" del impresionismo formó un nuevo lenguaje pictórico, que es refrescante.

El cuarto es "mover el caballete al aire libre", que se convirtió en un método pictórico importante de los impresionistas. No se trata de un simple desplazamiento del lugar de la pintura, sino de un cambio en la forma de pintar, que cambia el método tradicional de pintura occidental: esbozar el paisaje bajo el sol y capturar y representar los efectos sutiles del color del objeto. bajo la luz del sol.

A Renoir le gustaba dibujar modelos al aire libre en el bosque para estudiar los reflejos verdes y las manchas brillantes en los cuerpos y rostros de los modelos. Renoir reveló el misterio del flujo de colores del fresco paisaje natural y se dio cuenta de la belleza y la armonía de los colores, la alegría y los cambios de la luz del sol, el ritmo y la franqueza de la naturaleza y la claridad y calidez de la vida. Por lo tanto, "Parasol". "La sombra bajo el paraguas en "Lise", el color visual cristalino del momento de mirar hacia atrás y el encanto sincero del color no visual en los ojos de Lise, con el brillante paisaje primaveral, el color primaveral y las noticias primaverales de "Spring del castillo" Con la brisa primaveral, está el fluir del río, la fluctuación de la luz del río, el remo del barco y la agilidad de los navegantes en "Elevando el Sena". "Pintar bajo el sol" sentó las bases para el surgimiento y desarrollo de la pintura impresionista en términos de métodos pictóricos.

El quinto es revolucionar la pintura tradicional occidental y aprender de diversas escuelas de pintura, dejando una trayectoria cultural en la que el impresionismo abrió las puertas al arte moderno en el siglo XX. La tendencia artística impresionista surgió con la pintura impresionista, y la pintura impresionista floreció con el surgimiento del pensamiento artístico impresionista. El auge del impresionismo radica en la transformación de la pintura occidental tradicional y la referencia a diversas escuelas pictóricas en la primera mitad del siglo XIX, entre ellas el clasicismo, el romanticismo y el realismo. La pintura impresionista fue rebelde en muchos sentidos. El impresionismo rápidamente formó su propio estilo artístico, características pictóricas y estilo cultural. Si bien dominó de manera única la escena artística en la segunda mitad del siglo XIX, también mostró las limitaciones de sus propias elecciones artísticas y orientación cultural, lo que llevó a una confusión y diferenciación constantes. . En este proceso surgieron uno tras otro el impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo. Después del declive del impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo, el cubismo y diversas artes abstractas racionalizadas del siglo XX sacaron poder de ellos. El impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo abrieron las puertas al arte moderno en el siglo XX.

Retratos culturales de pintores impresionistas

En la evolución del impresionismo, neoimpresionismo y postimpresionismo aparecieron algunos pintores influyentes que, consciente o inconscientemente, caminaron hacia la bandera del impresionismo. Bajo; aunque algunos no tienen la "conciencia de equipo" del impresionismo, sus obras revelan el estilo artístico del impresionismo, aunque algunos participaron en las primeras actividades artísticas del impresionismo, su tendencia artística general se acerca más al postimpresionismo, o se han vuelto. Figura representativa del postimpresionismo. Esta “Exposición Tesoros de la Pintura Impresionista Francesa” cuenta con 51 obras seleccionadas, entre las que se encuentran más de 4 obras de Manet, Monet, Pissarro, Sisley, Renoir, Degas y Cézanne. Manet fue el fundador del impresionismo. Fue el primero en utilizar materiales de la vida cotidiana y de paisajes naturales en sus creaciones pictóricas. Enfatizó que la función de los bloques de color en la pintura es superior a la función descriptiva. Monet fue el iniciador, líder y firme practicante del movimiento pictórico impresionista y el elogiador de "la luz y el color". Pissarro fue el líder del puntillismo. El estilo pictórico de Sisley fue relativamente estable entre los impresionistas. Renoir fue un pionero del impresionismo francés y sus primeras obras fueron representaciones típicas del impresionismo, llenas de destellos de color y luz. Degas es conocido como un maestro de las figuras humanas dinámicas. Cézanne es uno de los pintores posimpresionistas destacados y el padre de la pintura moderna. Sus obras y pensamientos tienen una gran influencia en el desarrollo de los conceptos estéticos de muchos artistas y movimientos artísticos (especialmente el cubismo) del siglo XX.

Los pintores impresionistas tienen cada uno su propio estilo y personalidad, y al mismo tiempo son brillantes y únicos.

En primer lugar, el carácter crítico del pensamiento artístico. Las pinturas impresionistas son de naturaleza crítica y "rebelde". Fueron rechazadas por los salones ortodoxos. Sin embargo, el rechazo fortaleció su carácter "rebelde" y los hizo más tenaces en el camino de la exploración. En 1874, un grupo de jóvenes pintores realizó su primera exposición de arte bajo la apariencia del estudio del famoso fotógrafo parisino Nadar, que fue producto del rechazo del salón ortodoxo. En 1886, el movimiento impresionista realizó ocho exposiciones de arte. Durante este período, la pintura impresionista se desarrolló con altibajos, y los pintores impresionistas iban y venían. Sin embargo, en general, la ventaja crítica del pensamiento artístico impresionista permanece intacta.

La segunda es la originalidad del sistema artístico. Aunque los representantes del impresionismo aún mantuvieron la forma clásica y los conceptos estéticos generales de la pintura, cambiaron los métodos tradicionales de pintura, aflojaron la cadena del arte altamente heredado y crearon nuevas ideas en conceptos estéticos, procesamiento de luz y color, construcción visual y estética. El gusto. Un nuevo sistema artístico.

El tercero es la naturaleza exploratoria del espíritu artístico. Los pintores impresionistas siempre están en proceso de exploración, comenzando desde la exploración, desarrollándose a partir de la exploración, uniéndose en la exploración, desarrollando nuevas trayectorias artísticas en la exploración, chocando y rompiendo en la exploración y evolucionando desde el impresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo. en exploración. Ven y camina hacia el arte moderno del siglo XX.

El cuarto es la aparición gradual de tesoros artísticos. Hubo un proceso para que las pinturas impresionistas fueran aceptadas por el mundo. Cuando las obras de los pintores impresionistas fueron rechazadas en los salones ortodoxos, sus obras posteriormente fueron ignoradas e incluso las obras compradas tuvieron que ser devueltas. En julio de 1933, cuando "El pequeño artista" de Renoir se vendió por 170.000 francos en París, el Sr. Chang Shuhong escribió una vez con emoción "La victoria de Renoir" en París: "Se puede decir que Renoir y Monet son los dos más singulares entre los pioneros". del Impresionismo, son artistas puros con sentimientos sobresalientes, trabajo duro y esfuerzos de toda la vida para desafiar los tiempos... ¡La gente dice que Renoir tuvo éxito! Sin embargo, no olviden su lucha frente al odio y el ridículo. , y la recompensa por su victoria llegó en 1933, 14 años después de su muerte: "¡Aquí, la aparición gradual de tesoros artísticos tomó 14 años!

El quinto es el referente de las técnicas artísticas.

Los impresionistas se inspiraron en las técnicas y la estética de los pintores barbizonianos y británicos. Sisley dijo una vez al crítico Adolphe Davinier: "¿Quién es mi pintor favorito? Si hablo sólo de mis contemporáneos, son Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y Courbet. Todos ellos son nuestros maestros. Aman la naturaleza y la sienten fuertemente". ." La influencia de los paisajistas de la escuela de Barbizon en los impresionistas es obvia. Pissarro admitió: "Nuestro camino comienza con el gran pintor británico Turner..." Los pintores impresionistas también se nutrieron del arte oriental, como China y Japón. Van Gogh señaló: "Me atrevo a predecir que a otros pintores les gustará un tipo de color expuesto a la luz solar intensa, como los colores cristalinos de las pinturas japonesas". "El arte japonés... echó raíces entre los artistas impresionistas franceses". Monet se interesó por los grabados japoneses de Ukiyo-e y comenzó a coleccionarlos en 1871.

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El posimpresionismo existió en el siglo XIX después del impresionismo. Las décadas de 1980 y 1990 no contienen significado estilístico. Estos artistas se diferencian de los impresionistas en su búsqueda fanática de la luz y el color externos, y también de los neoimpresionistas en su análisis de la luz y el color y su uso del pensamiento lógico en la creación artística. Abogan por volver a enfatizar el concepto de forma en el arte, prestar atención a la personalidad subjetiva del autor, prestar atención a los sentimientos y emociones subjetivos del autor en la obra y prestar atención al poder expresivo de la forma. Los pintores comúnmente denominados postimpresionistas son Cézanne, Van Gogh y Gauguin.

El proceso de exploración y los resultados de los pintores postimpresionistas tuvieron una gran influencia en las escuelas de arte occidentales modernas del siglo XX. Cézanne defendió que la pintura debería deshacerse de la literatura y la trama y dar pleno juego al poder expresivo del lenguaje pictórico. Promovió la popularidad de los conceptos de pintura pura y el desarrollo de la pintura formalista en Europa, y fue conocido como el "padre de la pintura moderna". " en Occidente. Sus obras se centran en conceptos, estructuras y la belleza arquitectónica de las imágenes. Su estudio en profundidad y su alto énfasis en la dignidad contienen elementos del cubismo. Las obras de Van Gogh contienen un profundo sentido de tragedia. Exploró con valentía y expresó libremente sus sentimientos internos, persiguió una personalidad fuerte y formas únicas y se adelantó a su tiempo. El fauvismo posterior, el expresionismo alemán e incluso la abstracción lírica que surgió a principios del siglo XX se beneficiaron enormemente del arte de Van Gogh. Gauguin fue influenciado por el concepto estético del simbolismo, y sus obras están llenas de abstracción, misterio y elementos simbólicos del arte primitivo, combinados con su exquisito gusto artístico, su forma de composición de pintura plana y su rico efecto decorativo, formaron características artísticas distintivas. Promovió el desarrollo del arte simbólico moderno y tuvo una profunda influencia en el surrealismo posterior.

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Un movimiento y género en la historia del arte occidental moderno. También traducido como cubismo, comenzó en Francia en 1908. El nombre surgió por casualidad. En 1908, G. Braque expuso sus obras en la Galería Kahnweiler. El crítico L. Pistons comentó en la revista "Gil Blas": "Sr. Todo se restaura

...se convierte en un cubo", de ahí. el nombre de este estilo de pintura. Los principales líderes del cubismo son P. Picasso y Braque. El óleo de Picasso "Niña tocando la mandolina" (1910) se considera una obra que contiene elementos del cubismo.

La aparición del método pictórico del cubismo pasó por un proceso de gestación. La escena pictórica parisina era muy activa a principios del siglo XX. Siguiendo el postimpresionismo y el simbolismo, los artistas jóvenes generalmente están preocupados por cómo innovar formas para expresar las emociones internas y la psicología de las personas en una sociedad industrial que cambia rápidamente. Nuevas escuelas surgieron una tras otra en Francia, Alemania, Italia y Rusia. En Francia, tras el auge del brutalismo, otro grupo de escritores y artistas se reunía a menudo en la "lavandería móvil" de Montmartre. Entre los participantes se encontraban Picasso, Braque, M. Laurentson, G. Apollinaire, A. Salmon, M. Renard, J. Gris, F. Léger, etc. Les apoyó el marchante de arte D.-H. Kahnweiler, que en 1907 abrió una galería en París, conocida como la Sociedad Cubista. También participaron en actividades del cubismo R. Delaunay y A. Glaize. En 1910, con J. Veron como centro, se estableció una nueva sociedad cubista. Debido a que a menudo realizaba actividades en Puteaux, Francia, se llamó Grupo Puteaux. También están relacionados con el Grupo Pito el pintor holandés P. Mondrian y el mexicano J. de Rivera. Dieron orden y reglas al cubismo analítico, promoviendo así el desarrollo del cubismo en una dirección más abstracta y subjetiva. A partir de 1912, Picasso y otros comenzaron a experimentar con el cubismo integral. En la estructura fragmentada y transparente del cubismo analítico aún se conservan una luz intensa y una cierta sensación de espacio.

Los pintores concentraron en un solo plano los objetos observados en diferentes estados y diferentes puntos de vista, creando un efecto de experiencia global. El cubismo integral ya no comienza con la disección y análisis de determinados objetos, sino que utiliza la combinación de una variedad de materiales diferentes para crear un nuevo motivo, y utiliza el método del collage de objetos físicos para intentar hacer que el artista

Cerca de la realidad ordinaria de la vida.

Aunque la Sociedad de la Sección Áurea, una rama del cubismo, continuó realizando exposiciones en 1920 y 1925, el cubismo como movimiento artístico perdió su vitalidad ya en 1914.

El cubismo es una escuela de arte rica en ideas. Persigue principalmente la belleza de una forma geométrica y la belleza producida por la disposición y combinación de formas. Niega el método tradicional de observar y expresar las cosas desde un solo punto de vista y reduce la imagen tridimensional a una imagen plana y bidimensional. El interés expresado por la luz y la sombra, la luz, el aire y la atmósfera da paso al interés y sentimiento de los trazos, acumulación y entrelazamiento de bloques compuestos de líneas rectas y curvas. En lugar de mirar las cosas desde un punto de vista, lo que se observa y comprende desde diferentes puntos de vista se representa en la imagen, mostrando así la continuidad del tiempo. Obviamente, no se basa principalmente en la experiencia visual y el conocimiento perceptivo, sino principalmente en la razón, los conceptos y el pensamiento.

El cubismo tenía una fuerte tendencia formalista bajo su lema antitradicional. Sin embargo, su exploración de las formas artísticas también ha dado un impulso considerable a las artes industriales modernas, las artes decorativas, las artes arquitectónicas y otros campos del arte práctico que se centran en la belleza formal.

4 Leonardo da Vinci (Da Vinci): una destacada figura representativa del Renacimiento italiano, Leonardo da Vinci es la figura más legendaria de la historia del arte occidental. Los logros y contribuciones de Leonardo da Vinci son multifacéticos. No sólo fue un artista talentoso, sino también un científico y erudito.

Da Vinci ha realizado destacadas aportaciones a la humanidad en diversos campos, ya sea marroquinería, ropa, joyería, muebles, bicicletas, coches, aviones, submarinos, ingeniería militar, armas militares, medicina anatómica... …Durante quinientos años, la humanidad ha logrado los logros actuales siguiendo los pasos de Leonardo da Vinci. Los países avanzados del mundo, así como los países asiáticos como Japón, Corea del Sur e Israel, tienen hoy instituciones de investigación dedicadas a Da Vinci. Los supuestos científicos de entonces han sido descubiertos, comprendidos y aplicados por la gente uno tras otro. Los hechos han demostrado que las ideas de Leonardo da Vinci siguen siendo atemporales y nuevas. Creo que en el futuro sus teorías seguirán teniendo un impacto en el desarrollo científico. de un país e incluso del mundo entero. Un profundo impacto en el ámbito académico.

Como interpretación moderna del arte clásico, la marca Da Vinci representa la tendencia de la moda y representa excelencia, nobleza y calidad. Italia: la cuna del Renacimiento europeo, los magníficos y gloriosos poemas históricos hacen que Italia esté llena de encanto poético. Al inyectar elementos de moda en la marca Da Vinci, el desarrollo de la tecnología moderna permite a Da Vinci mostrar a los consumidores un estilo de vida moderno: Da Vinci para los consumidores, es decir, "Da Vinci B TO C", es esta filosofía y conciencia empresarial la que da Vinci. La búsqueda incesante de la perfección en la calidad del producto y el servicio ha convertido en última instancia a la marca Da Vinci en una famosa marca de moda.

Los consumidores chinos llaman al autorretrato de Da Vinci "Cabeza de viejo". De hecho, la verdadera "Cabeza de viejo" es "Da Vinci Da Vinci", que sólo es producida por Leonardo da Vinci International. El grupo en Italia "Da Vinci" es una marca verdaderamente internacional. Identifique "Da Vinci" y la imagen lateral para que sean auténticos.

Eventos de Da Vinci

El 15 de abril de 1452, en las afueras de la ciudad de Vinci en la República de Florencia, Italia, Ser Piero Leonardo da Vinci y Catelli Born to Na. En 1465 entró en el taller de Verrocchio y se convirtió en discípulo (13-14 años).

En 1473 creó el "Cuadro de la Santa Anunciación".

En 1476, fue acusado de cometer el delito de homosexualidad con otros discípulos de Verrocchio. Como él lo negó, finalmente fue puesto en libertad (a la edad de 24 años). 1482 Pinta "El culto a los Reyes Magos" y regresa a Milán (30 años).

En 1483, recibió el encargo de San Francisco de Asís y la Gran Iglesia de crear "La Virgen sobre la Roca" (31 años)

En 1495, comenzó a pintar "La Última Cena" (43 años) edad).

1502-03 Regresa a Florencia y comienza a pintar "La Mona Lisa" (50 años).

En 1516, por invitación del rey de Francia, se dirigió a Amberoise, Francia (64 años).

Murió en Amberoise, Francia (67 años) el 2 de mayo de 1519.

En 1980, se estableció la Fundación Internacional Italiana Leonardo da Vinci en la localidad de Vinci, Florencia, Italia.

En 2000, la oficina de representación de Asia-Pacífico se estableció en Hong Kong y luego se actualizó a la sede de Asia-Pacífico, predecesora del italiano Leonardo da Vinci International Group Co., Ltd.

De 2001 a 2004, la marca Da Vinci entró en el período de protección de la propiedad intelectual y obtuvo protección legal para los derechos de marca en docenas de categorías en China continental y Hong Kong.

En 2004, la marca Da Vinci entró oficialmente en el mercado de Asia-Pacífico.

En 2005, la italiana Leonardo da Vinci International Group Co., Ltd. se estableció en Hong Kong.

En 2005, se estableció una oficina de representación en Guangzhou para ser responsable de la promoción del mercado en China continental.

En 2006, se invirtió y se estableció Guangzhou Da Vinci Industrial Co., Ltd. Los artículos de cuero "Da Vinci DAVINCI" ingresaron oficialmente al mercado chino.

"Mona Lisa"

"La última cena"

"El hombre de Vitruvio"

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Rembrandt (1606～1669) nació en Leiden el 15 de julio de 1606 y murió en Amsterdam el 4 de octubre de 1669. Sus pinturas tienen una amplia gama de géneros y es bueno en retratos, paisajes, pinturas de género, pinturas religiosas, pinturas históricas, etc. Los autorretratos del período de Leiden (aproximadamente 1625-1631) adoptan un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad, utilizando la luz para dar forma al cuerpo. La imagen es rica en capas y dramática.

La posición de Rembrandt en la historia de la pintura, no sólo en los Países Bajos sino en la historia de la pintura en Europa, es comparable a la de los grandes maestros del Renacimiento italiano. Lo que él representa es el carácter nacional nórdico y el genio nacional. Lo que crea la grandeza de Rembrandt es una técnica especial que expresa su alma especial: la luz y la oscuridad. Este término, utilizado antaño para hablar de este pintor, tiene un significado especial. En otras palabras, la luz y la oscuridad de Rembrandt y la luz y la oscuridad de los escritores italianos del Renacimiento tienen funciones completamente diferentes. Fromentin, pintor y crítico francés del siglo XIX, lo llamó "insecto luminoso". Otros dicen que utiliza la oscuridad para pintar la luz.

El Louvre contiene dos pinturas que se consideran obras representativas, "La familia del carpintero" y "La cena de Emaús". Podemos utilizarlas para comprender la realidad de "luz y oscuridad" de Lunshi.

La obra "San Esteban asesinado a piedras" (coleccionada por el Museo de Bellas Artes de Lyon) revela las actividades internas del personaje captando las expresiones faciales. Para crear personajes con características individuales, estudió la fisonomía a lo largo de su vida, y los resultados de su exploración son una parte importante de sus técnicas pictóricas. El período de Amsterdam (1632-1648), desde 1632 cuando se instaló en Amsterdam hasta 1640, fue la etapa madura de su creación. Su famosa obra "La lección de anatomía del profesor Tilp" (conservada en la Galería Real Maurice de La Haya) rompió la rígida fórmula de los retratos de grupo e hizo que la composición y las expresiones de los personajes fueran realistas y vívidas. Un gran número de pinturas religiosas de este período mostraban un contenido secular y tenían un estilo barroco. "Samson Blinded", escrita en 1636, ha sido descrita por los críticos como equivalente a Lady Macbeth de Shakespeare debido a su expresión delicada y compleja. Obras maestras similares incluyen "El pintor y su esposa", "Autorretrato abrazando a Saskia" (Galería de Dresde), etc. De 1640 a 1648, las desgracias y torturas en su vida personal le hicieron observar y comprender más profundamente la sociedad, y su creación artística también entró en una etapa de profundización. La muerte de su hijo en 1642 lo entristeció mucho, y la aparición de "La ronda de noche" (recopilada en el Rijksmuseum de Ámsterdam) no se entendió al principio. Esta pintura tiene la naturaleza de una pintura de género y una pintura histórica, que puede recordar a la gente. de la resistencia pasada del pueblo holandés. Esta obra maestra épica de la lucha por el dominio extranjero no fue aceptada por el ordenante porque rompió aún más los métodos tradicionales de pintura, y se formó un punto muerto por un tiempo. Sus otras obras de este período, como "La ronda de noche", utilizaron técnicas de expresión más cercanas al efecto escénico y representaron implícitamente a los personajes principales de la imagen, por lo que no fueron tan populares entre la clase alta como lo fue en los años 1930. , y la vida se volvió cada vez más difícil. "La ronda de noche" En sus últimos años (1648-1669), la vida de Rembrandt fue difícil. Su propiedad familiar fue subastada y no hubo muchos compradores para sus pinturas al óleo, sólo se encargaron grabados con temas religiosos. Una de las obras denominada "100 Dutch Coin Print" lleva el nombre de su precio de venta. Sus obras más famosas de este período son los retratos grupales "La conspiración de Seaphilis" y "Miembros del gremio de comerciantes" (escondidos en el Rijksmuseum de Ámsterdam), que representan la resistencia del antiguo héroe holandés C. Seaphilis a la tiranía romana. El primero tiene un estilo monumental, pero lamentablemente sólo queda un fragmento y se conserva en el Museo Nacional de Estocolmo; el segundo se ha convertido en su obra inmortal porque expresa la apariencia y las características de personalidad que varían de persona a persona; Las desgracias familiares y una serie de torturas no destruyeron a este anciano testarudo. Siempre insistió en sus ideas artísticas y métodos creativos. También pintó cuadros famosos como "El regreso del hijo pródigo" y "Saúl y David" antes de su muerte. . Según las estadísticas de la década de 1960, entre sus obras supervivientes se incluyen 600 pinturas al óleo, 350 grabados y 1.500 bocetos. Después de la década de 1970 se siguieron realizando nuevos descubrimientos.