Introducción a los conocimientos básicos de interpretación en cine y televisión.
La interpretación cinematográfica hereda muchos principios y métodos adecuados para la interpretación cinematográfica de la interpretación dramática. Les contaré los conocimientos básicos de la actuación en cine y televisión. Los amigos que estén interesados en esto deberían echarle un vistazo.
Cuatro categorías de películas
(1) Mayor número de largometrajes y mayor impacto social.
Características básicas: los actores interpretan a los personajes de la película; hay una historia completa; se utiliza el pensamiento de montaje para hacer un resumen artístico típico.
(2) Los documentales deben ser estrictamente auténticos y no se permite ningún fraude o invención.
(3) Las películas científicas y educativas son rigurosas y precisas, y también prestan atención al arte.
(4) Películas de arte
Dibujos animados, recortes de periódicos, películas de marionetas y origami.
El francés Emile Reynaud es un pionero de la animación.
En la década de 1920, el estadounidense Walt Disney produjo una serie de dibujos animados protagonizados por Mickey Mouse y el Pato Donald. "Ten Thousand Brothers" es el pionero de la animación china, el cortometraje de animación mudo "House on the Studio" de 1926.
Elementos formales y métodos artísticos del cine y la televisión.
Plano vacío: Plano sin personas ni animales en la imagen, también llamado plano de escena.
Plano público: Plano de una película que observa y expresa un objeto a través de la línea de visión de un personaje. Este tipo de toma representa la perspectiva del personaje de la película y refleja su estado psicológico y color emocional.
Plano objetivo: Plano realizado desde un espectador o punto de vista neutral que no interviene en la trama. La mayoría de los planos de una película son planos objetivos, que se encargan de contar la trama, presentar el entorno, representar a los personajes y realzar la atmósfera, así como la función de expresión artística de expresar el estilo a través de la imagen.
Elementos de estilo de escenas de cine y televisión: los elementos de estilo incluyen composición, luz y color.
Mise-en-scene - derivado del francés Mise-en-sence, que significa "poner en el lugar correcto" o "poner en escena". Al principio, el término se utilizó sólo para obras de teatro. Después de la introducción de la creación cinematográfica, se refiere a la disposición de las cosas en la imagen por parte del director.
Programación de actores y programación de lentes
La combinación perfecta de programación de actores y programación de lentes es la programación de escenas de cine y televisión.
Programación de actores: la programación que realiza el director del comportamiento, la dirección del movimiento y la posición de los roles de los actores en la obra, así como los cambios en los movimientos y posiciones cuando los actores se comunican entre sí.
Programación de cámaras: se refiere a la programación de cámaras.
Sonido
El sonido de la película incluye voces de personajes, sonidos naturales, música y locuciones.
El sonido se compone principalmente de diálogo, monólogo y narración.
La conversación se refiere al sonido que hacen dos o más personas comunicándose entre sí.
Un monólogo se refiere a la voz de un personaje que habla solo en la imagen.
La narración se refiere a la voz de una persona fuera del tiempo y espacio de la pantalla.
Sonidos naturales: todos los sonidos que podemos escuchar en la naturaleza, incluidos el viento, la lluvia, el agua corriente y los sonidos de los animales.
Voz en off: varios sonidos distintos a la fuente de sonido. Los narradores y comentaristas también son locutores, y los creadores de cine valoran cada vez más su papel en la configuración de los personajes y la construcción del tiempo y el espacio.
La relación entre sonido y pintura
Existen tres relaciones principales: sincronización de sonido e imagen, contrapunto de sonido e imagen y separación de sonido e imagen.
Sincronización de sonido e imagen: La coherencia entre sonido e imagen es la relación sonido-imagen más utilizada en las narrativas cinematográficas, lo que permite que la película produzca un efecto realista y natural en la expresión artística.
Contrapunto de imagen y sonido: combina sonido e imagen que se desarrollan según diferentes ritmos en una imagen unificada e interactúan entre sí en esta imagen para producir una estructura de montaje. La forma en que interactúan el sonido y la imagen suele ser en forma de voz en off, lo que también puede crear algún tipo de contraste;
Separación de sonido e imagen: método de empalme en el que las imágenes de películas y las fuentes de sonido están relacionadas pero separadas entre sí.
Montaje
Definición: La transliteración de la palabra francesa montaje (montaje) originalmente significa composición y combinación. Después de usarse en el arte cinematográfico, significa empalme y combinación. Una película utiliza el montaje para combinar tomas individuales en una escena de acuerdo con la trama y el ritmo establecidos, luego forma un párrafo y finalmente lo completa.
El americano Griffith es un maestro que utiliza verdaderamente el montaje como técnica artística y es conocido como el fundador del montaje.
Plano completo
La teoría del plano largo es el resultado inevitable del gran desarrollo de la tecnología y el arte cinematográfico en la década de 1950, del teórico del cine francés André Bazin y de la teoría del cine alemán. Cracovia realizó un estudio detallado y en profundidad de la lente larga.
Definición: Usar una lente larga para filmar continuamente una escena y contenido artístico para formar una secuencia de tomas relativamente completa.
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El desarrollo del arte cinematográfico mundial
El período de formación del arte cinematográfico mundial (1895-1930)
La era del cine mudo
1895 El 28 de febrero de 1895, los hermanos franceses Lumière filmaron "Un tren llega a la estación" y se convirtieron en los creadores del arte cinematográfico.
En la era del cine mudo, los hermanos Lumière, el artista francés Georges May Lié y el famoso director estadounidense David Griffith hicieron grandes contribuciones al desarrollo del arte cinematográfico
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Los Hermanos Lumière: Representación Objetiva de la Vida
Considerados como el "Padre del Cine", obras clásicas: "El Tren Llega a la Estación", "El Jardinero Riego", etc.
George May Lea: Pionero en la dramatización cinematográfica
Integró sistemáticamente algunos principios básicos y métodos de funcionamiento del arte dramático, como leyes de conflicto, vestuario, utilería, escenografía, maquillaje, así como así como la división de escenas, escenarios, escenas, etc. se utilizan en la producción cinematográfica para hacer que la película sea narrativa, argumental y dramática. Este fue un avance importante en la vida del director Lumière.
Para que la película exprese mejor la vida, utilizó una variedad de técnicas fotográficas y técnicas de expresión para obtener efectos artísticos especiales. Inventó efectos especiales como stop shooting, exposiciones múltiples, sobreimpresión de composición, shake shots, cámara rápida y lenta, etc. Todavía se utiliza en la creación cinematográfica y ha hecho muchas contribuciones al desarrollo del lenguaje cinematográfico.
La obra maestra "Un viaje a la Luna"
David Griffith: el fundador del arte cinematográfico
Hizo grandes avances en la fotografía y el montaje cinematográfico. Exploración activa. . Es el primer verdadero director de arte cinematográfico en la historia del cine mundial. Es reconocido como el fundador del arte cinematográfico mundial y más tarde incluso fue llamado el representante del tecnicismo de Hollywood.
Obras representativas: El Nacimiento de una Nación, oposición a las diferencias dentro del partido.
Utilizó una variedad de técnicas artísticas como el montaje paralelo, el montaje cruzado y el montaje de contraste en la película para crear el famoso "rescate de último minuto" en la historia del cine mundial, que se usa ampliamente en La creación cinematográfica en la actualidad.
Charlie Chaplin es un famoso comediante.
Las actuaciones de mimo fortalecen el lenguaje de los movimientos corporales y diseñan actuaciones atrevidas, exageradas y muy personalizadas.
Obras representativas: “Tiempos Modernos”, “La Fiebre del Oro”, “Carrera Escénica”.
La madurez del cine mundial (1930-1966)
A finales de los años 20, "El rey del jazz" producida por Warner Bros. en Estados Unidos anunció el nacimiento del cine sonoro. . En 1935, Marmarion rodó su primera película, "El mundo de las vanidades". Desde entonces, los tres elementos básicos del arte cinematográfico (imagen, sonido y color) están presentes y las películas se han vuelto más completas y maduras.
Escuela de montaje soviético
Sobre las ruinas del cine soviético, la inmortal obra maestra de Eisenstein "El acorazado Potemkin" conmocionó al mundo con su nuevo contenido revolucionario y su magnífica forma artística, marcando el cine mundial. El surgimiento de la escuela de cine soviética.
Maestros del cine soviético famosos: Eisenstein, Pudovkin y Kuleshov.
Cine neorrealista italiano
En general, el movimiento cinematográfico neorrealista italiano sólo tiene una historia de seis años, es decir, de 1945 a 1950.
En 1945, "Roma, una ciudad abierta" de Rossini fue su obra pionera, anunciando el nacimiento oficial del nuevo cine realista italiano.
Dos lemas: "Devuélveme a una persona común y corriente" y "Lleva una cámara a las calles"
"Devuélveme a una persona común y corriente": el núcleo del neorrealismo
Obras principales: trilogía de posguerra de Rossini "Roma - una ciudad indefensa", "Partidarios" y "Alemania Punto Cero". El ladrón de bicicletas de Sika, Roma 11 de Santis.
"Llevar una cámara a la calle": la innovación del nuevo realismo
Este es un eslogan técnico. Creó una nueva estética cinematográfica, es decir, la estética del cine documental, que inspiró directamente la teoría cinematográfica de lentes largos de Bazin.
El movimiento cinematográfico de la nueva ola francesa
Sobre los géneros de "Cahiers du Cinema" y "Auteur Cinema"
Cinco personajes centrales: Chabrol, Truffaut, Godard , Levitt, Robert.
La teoría del "cine de autor" exige que cada película sea obra de una sola persona, al igual que las novelas y las pinturas. Esta es en realidad la teoría centrada en el director.
La película de 1958 "El bello Serge" de Chabrol abrió el telón de las películas francesas de la Nueva Ola, y la película autobiográfica de 1959 "Las cuatrocientas cascadas" filmada por Truffaut sentó las bases de la nueva ola de películas. La base del movimiento.
La "Escuela de la Margen Izquierda" es una importante escuela de cine de la Nueva Ola, guiada por la teoría del "cine de autor". A orillas del Sena, en París, hay un grupo de directores de cine que son guionistas. Se les llama la "Orilla Izquierda".
Figuras representativas: "Hiroshima Mon Amour" de Ellen Resnais y "Marion Bader" del año pasado.
Nuevo cine alemán
A partir de la "Declaración de Oberhausen" en 1962, se lanzó un movimiento artístico cinematográfico en Alemania Occidental, que pedía cambiar el status quo de las antiguas películas alemanas y crear películas únicas. estilo artístico. Este movimiento duró más de 20 años y es el movimiento cinematográfico más largo.
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